具体描述
This new edition of Popular Music and Society, fully revised and updated, continues to pioneer an approach to the study of popular music that is informed by wider debates in sociology and media and cultural studies. Astute and accessible, it continues to set the agenda for research and teaching in this area. The textbook begins by examining the ways in which popular music is produced, before moving on to explore its structure as text and the ways in which audiences understand and use music. Packed with examples and data on the contemporary production and consumption of popular music, the book also includes overviews and critiques of theoretical approaches to this exciting area of study and outlines the most important empirical studies which have shaped the discipline. Topics covered include: The contemporary organisation of the music industry; The effects of technological change on production; The history and politics of popular music; Gender, sexuality and ethnicity; Subcultures; Fans and music celebrities. For this new edition, two whole new chapters have been added: on performance and the body, and on the very latest ways of thinking about audiences and the spaces and places of music consumption. This second edition of Popular Music and Society will continue to be required reading for students of the sociology of culture, media and communication studies, and popular culture.
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用户评价
如果用一个词来形容阅读这本书的感受，我会选择“重塑认知”。我一直自诩对流行文化有着相当的敏感度和了解度，但这本书让我明白，我所掌握的知识大多是零散的、碎片化的，且带有强烈的时代滤镜。作者在探讨全球化对本土音乐工业的影响时，展示了令人震惊的跨文化研究能力。他不仅仅是简单地对比欧美模式，而是深入到亚洲、拉丁美洲等地的具体案例中，分析了西方音乐范式是如何被本土的社会结构、宗教信仰乃至语言习惯所解构和重组，从而诞生出既具有全球吸引力又根植于本土土壤的独特声音。其中关于某东亚国家流行音乐工业化流程的解剖，细致到连艺人培训机制、粉丝经济的运作模式都有所涉及，这让我对“流行”二字背后的复杂工程有了全新的认识。这种将人类学、社会学和经济学理论巧妙地融入音乐叙事的手法，使得这本书的受众群体得以极大地拓宽，它不再仅仅是音乐爱好者的读物，更是一部观察当代社会文化流动的优秀教材。
评分这本书带来的最持久的影响，在于它改变了我聆听音乐的方式。在读完关于“噪音”与“音乐边界”那一章节后，我开始有意识地去捕捉那些过去被我自动屏蔽掉的、看似不和谐的元素。作者极为精彩地论证了，流行音乐的历史，其实就是不断拓展“可接受听觉范围”的历史，从早期的不和谐音程到后来的失真效果，每一次技术和观念的突破，都伴随着巨大的争议和接受阻力。他让我开始关注音乐中的“空间感”和“物质性”，思考录音棚技术、播放设备乃至听众所处的物理环境，是如何共同构建了我们最终听到的“作品”。这本书的结论部分尤其引人深思，它没有给出乐观或悲观的断言，而是提出了一系列开放性的问题，关于数字时代音乐的价值消解、版权的未来走向，以及AI技术对创造力的潜在颠覆。这种充满智识挑战性的收尾，没有给我一个现成的答案，而是鼓励我将阅读的思考延伸到未来的每一次点击和播放之中，让我明白，我们每一个听众，都是这个仍在演变中的音乐生态系统里不可或缺的一部分。
评分说实话，这本书的深度和广度着实超出了我的预期，它巧妙地避开了许多同类书籍常见的窠臼。我尤其赞赏作者在处理音乐产业运作机制时的那种批判性视角。他没有将音乐家们描绘成高高在上的艺术天才，而是将其置于一个复杂的经济和权力网络之中进行审视。例如，书中对唱片公司并购潮及其对音乐创作自由度的影响分析，简直是入木三分。作者用数据和案例并举的方式，揭示了资本是如何像无形的手一样，塑造了我们听到的“流行”的定义。更让我耳目一新的是，他对非主流音乐的探讨，绝非简单的“补遗”，而是将其视为对主流叙事的一种必要挑战和补充。他将目光投向了那些长期被主流史学忽略的社群音乐，比如特定族裔或地域性的地下场景，并细致分析了这些音乐是如何在技术限制和经济压力下顽强生存并发展出其独特的审美体系的。阅读过程中，我常常需要停下来，去重新审视我过去听歌时那种无意识的接受状态，开始思考，我所喜爱的那些旋律，究竟有多少成分是出于本心，又有多少是被环境和市场悄悄喂养出来的偏好。这种自我反思的价值，远超于单纯获取知识本身。
评分这本书的排版和装帧设计，从一个纯粹的读者体验角度来看，简直是业界标杆。纸张的质感温润而不反光，长时间阅读下来眼睛也不会感到疲劳，这在如今许多追求廉价快速出版的时代，实属难得的用心。但真正让我感到惊喜的是，作者在章节之间的过渡处理上所展现出的那种艺术家的敏感性。他并非生硬地在“摇滚乐”和“嘻哈音乐”之间划清界限，而是通过一些富有诗意的段落，将两种看似截然不同的音乐形态联系起来，比如追溯采样技术在不同音乐流派中的隐性传承关系，或是探讨两者在反抗权威主题上的精神共鸣。这种结构上的灵活性，使得整本书读起来一点都不枯燥，反而像是在进行一场精心编排的音乐马拉松。我特别喜欢那种在关键时刻插入的“侧写”小标题，它们像是音乐评论中的绝妙注脚，精准地捕捉了某个时期特定音乐人的精神内核，比如对某个早逝歌手短暂而辉煌的生命力的精准概括，寥寥数语，却能瞬间唤起读者对那个时代氛围的集体记忆。
评分这本书，坦白说，拿到手的时候，我内心是有些忐忑的。封面设计得颇具设计感，色彩搭配和字体选择都透露出一种复古与现代交织的韵味，让人不禁联想到那些黄金年代的唱片封套。我原以为它会是一本充斥着大量晦涩难懂的学术术语，或者仅仅是对流行音乐发展史进行流水账式的梳理。然而，翻开第一页，一股清新的气息扑面而来。作者的叙事方式极其流畅，仿佛一位经验丰富的老乐迷在跟你娓娓道来他与音乐世界相伴一生的故事。他没有急于抛出宏大的理论框架，而是从一个非常生活化的切入点——比如某首在特定历史时期引发社会共鸣的歌曲——开始，层层剥茧地探讨背后的文化张力和社会变迁。我特别欣赏作者处理历史细节的严谨态度，他引用了大量的一手资料，包括一些鲜为人知的访谈记录和早期音乐杂志的评论，这使得他对某些音乐流派兴衰的论述，充满了扎实的证据支撑，而不是空泛的猜测。特别是关于七十年代朋克运动如何从边缘走向主流，以及八十年代合成器流行乐如何反映了技术进步与身份焦虑之间的复杂关系那几章，写得尤其精彩，让我对那些曾经被我简单归类的音乐现象，有了全新的、更深层次的理解和尊重。这本书不仅仅是在讲音乐，它更像是一面棱镜，折射出了过去几十年社会结构、青年文化乃至全球化进程的微妙变化。
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