Art Song in English pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Hal Leonard Corp

作者:Kimball, Carol 编

出品人:

页数:188

译者:

出版时间:

价格:$ 28.24

装帧:Pap

isbn号码:9781423418320

丛书系列:

图书标签:

• 艺术歌曲
• 英语艺术歌曲
• 声乐作品
• 音乐史
• 音乐分析
• 歌曲集
• 英国音乐
• 美国音乐
• 音乐文学
• 艺术形式

好的，这是一份关于一本名为《Art Song in English》的图书的详细简介。请注意，这份简介将完全基于对“艺术歌曲”（Art Song）这一主题的深入探讨，并聚焦于英语世界的艺术歌曲发展，同时确保内容详实且风格自然。 --- 《英诗艺术歌曲：从抒情浪漫到现代主义的声乐之旅》 导言：定义与历史脉络 《英诗艺术歌曲：从抒情浪漫到现代主义的声乐之旅》是一部深度剖析英语世界艺术歌曲（Art Song）发展史、美学特征与重要作品的权威著作。本书旨在为音乐学者、声乐表演者、音乐教师以及对声乐文学和跨学科艺术有浓厚兴趣的读者，提供一个全面、系统且富有洞察力的研究框架。 艺术歌曲，作为一种将诗歌与精心编排的独唱人声及钢琴伴奏相结合的音乐形式，在德奥地区达到了早期的高峰。然而，本书将焦点从德语的“Lied”转移至英语语境中，探索英国、美国、以及其他受英语文学影响地区的作曲家们，如何吸收和转化德奥传统，并最终发展出具有自身独特气质和面貌的艺术歌曲流派。 本书首先清晰界定了“艺术歌曲”的核心概念，区分其与民间歌曲（Folk Song）、歌剧咏叹调（Opera Aria）及清唱剧（Oratorio）的根本差异，强调其在结构、主题选择和人声与钢琴关系上的独特性。通过梳理从文艺复兴晚期到20世纪中叶的关键历史节点，读者将理解英语艺术歌曲并非是德奥传统的简单模仿，而是一场与本国文学传统、社会思潮和音乐审美变迁紧密交织的复杂演化过程。 第一部分：早期根源与浪漫主义的萌芽（17世纪末 - 19世纪中叶） 本书的开篇追溯了英语艺术歌曲的“前世今生”。在巴洛克时期，虽然没有严格意义上的“艺术歌曲”，但清唱剧中的宣叙调与咏叹调，以及早期“歌曲集”（Song Cycles）的雏形，已经为后世的音乐化叙事奠定了基础。 重点章节详细考察了19世纪早期的“英格兰之歌”（English Song）的复兴。在欧洲浪漫主义浪潮的推动下，作曲家开始超越传统的民谣改编，寻求更具艺术性和文学深度的作品。本部分深入分析了伯恩斯（Robert Burns）诗歌在音乐化过程中的重要地位，以及早期作曲家（如史蒂芬·福斯特在某种程度上的影响力，尽管他更倾向于“美国歌曲”）如何尝试将歌词的韵律和情感融入精巧的钢琴织体中。 这一时期的核心议题在于“文学选择”——作曲家如何从英国本土的诗歌宝库中发掘适合音乐诠释的文本。本书探讨了早期作品中对田园牧歌主题、爱国主义叙事以及个人情感表达的偏好，并辨析了这些作品在追求结构统一性方面所面临的挑战。 第二部分：维多利亚时代的繁荣与审美困境（19世纪下半叶） 19世纪下半叶是英国音乐生活蓬勃发展的时期，艺术歌曲也迎来了重要的发展阶段。然而，这个时代也充满了审美上的矛盾。一方面，社会对音乐的普及需求高涨，导致大量“通俗歌曲”（Ballads）充斥市场；另一方面，少数严肃作曲家致力于提升艺术歌曲的地位。 本书详尽分析了“英国艺术歌曲之父”们（如斯坦福爵士、马塔斯等）的工作。他们积极借鉴了舒曼和勃拉姆斯的技巧，试图在钢琴伴奏的复杂性与人声旋律的优美性之间找到平衡。特别值得注意的是，他们对莎士比亚、丁尼生、以及当代诗人的作品的诠释方式。本部分着重探讨了“钢琴织体”在这一时期如何从简单的支撑角色转变为与人声并驾齐驱的叙事伙伴。 此外，本部分还关注了美国早期艺术歌曲的萌芽。在欧洲接受教育的美国作曲家，如恩格尔（George Engel）、普尔（Julian Heath）等人，如何将欧洲的规范带回本土，并尝试在作品中融入美国特有的文化语境。 第三部分：现代主义的冲击与风格的革新（20世纪初至二战） 进入20世纪，随着印象主义、表现主义以及民族乐派思潮的涌入，英语艺术歌曲迎来了最剧烈的变革时期。本书将这一时期视为英语艺术歌曲的“黄金时代”的序曲。 英国的革新者： 集中火力分析了“霍尔斯特学派”和“布特学派”的代表人物，特别是古斯塔夫·霍尔斯特和拉尔夫·沃恩·威廉斯。沃恩·威廉斯对英国民间音乐的深厚理解，如何转化为他歌曲中独特的调性色彩和抒情性。他如何将古代的民谣精神融入到高度复杂的艺术歌曲结构中，成为本书探讨的重点。此外，对德彪西和拉威尔的影响如何体现在英国作曲家（如德彪西的追随者）的作品中，也得到了细致的梳理。 美国的成熟与多元化： 在美国，查尔斯·艾夫斯（Charles Ives）以其大胆的和声语言和对美国本土精神的探索，极大地拓宽了艺术歌曲的可能性。本书详细解读了艾夫斯的歌曲如何挑战传统的美学规范，将爵士乐、圣歌甚至口语化的对白融入高雅艺术之中。紧接着，本书深入探讨了二十世纪中期两位巨匠——塞缪尔·巴伯（Samuel Barber）和科波兰（Aaron Copland）——的作品。巴伯如何以其优美的旋律线和对情感的精准捕捉（如《诺克斯维尔：夏日，1915》），成为古典浪漫主义在现代语境下的杰出代表；而科波兰如何通过对美国日常语言和民歌的提炼，构建出具有鲜明“美国声音”的艺术歌曲。 第四部分：文学选择与诠释的艺术 本书的第四部分从跨学科角度切入，探讨了英语艺术歌曲与文学之间的动态关系。本部分超越了对作曲家生平的简单罗列，而是深入分析了特定诗人对音乐创作的激发作用。 诗歌的典范： 重点分析了三组关键的诗歌与音乐的结合： 1. 古典与浪漫主义诗歌： 如何处理雪莱、济慈等人的作品，这些作品对“崇高”与“忧郁”的音乐化处理。 2. 象征主义与意象派： 探讨法国诗歌影响下，英国和美国诗人（如伊兹拉·庞德）的作品如何导致音乐色彩的细微化和对节奏的自由处理。 3. 现代日常语言： 分析20世纪中后期，作曲家如何选择非传统的文本（如戏剧片段、信件、乃至纯粹的音节），以反映现代生活的破碎感和对传统抒情性的疏离。 此外，本书专门设立章节讨论了“钢琴伴奏的角色”。在英语艺术歌曲中，钢琴伴奏往往承担了描绘自然场景、渲染心理氛围，甚至扮演“第二人声”的关键作用。通过分析特定作品（如布里奇的风景歌曲或巴伯的复杂织体），读者将理解钢琴在塑造最终艺术效果中的不可替代性。 结论：当代回响与未来展望 本书的结尾总结了英语艺术歌曲在20世纪后半叶和当代的发展趋势。尽管流行音乐占据了主导地位，但艺术歌曲的传统并未消亡。当代作曲家仍在不断探索新的声音语言，无论是融合电子元素，还是回归对传统“歌唱性”的再肯定。 《英诗艺术歌曲：从抒情浪漫到现代主义的声乐之旅》不仅是对历史的梳理，更是一份邀请——邀请读者以更深的理解和更敏锐的耳朵，去聆听和欣赏这些在英语世界中，由诗歌与音乐共同铸就的、细腻而深刻的声乐艺术结晶。本书为研究者提供了坚实的理论基础，更为表演者和听众打开了一扇通往丰富而迷人音乐世界的窗户。

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这本书的价值远超于一本简单的音乐史参考书，它更像是一部关于审美变迁的编年史。我特别赞赏作者对特定时期演唱风格转变的捕捉能力。例如，在描述二十世纪中叶，随着录音技术的进步，歌唱家们如何从那种略带“歌剧式”的饱满发声，逐渐转向更加注重文本清晰度和情感内敛的表演方式时，作者的叙述极具画面感。书中对一些标志性演唱者的分析——他们如何处理节奏的灵活性（rubato）和乐句的呼吸点——非常具有启发性。这对于我们理解如何公正地评价历史录音至关重要。作者的论述充满了一种对“真实性”的追寻，但同时也承认，每一次演绎本身就是一种新的创造和诠释。这种辩证的视角，让这本书不仅具有高度的学术价值，更对所有从事艺术歌曲实践的人士提供了深刻的反思素材，引导我们在继承传统的同时，也敢于发出属于自己的声音。

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读完这本书，我最大的感受是，对于那些认为英国艺术歌曲不过是些“甜美小品”的偏见，这本书提供了一个强有力的反驳。作者在探讨二十世纪初的音乐变革时，展现了惊人的洞察力。特别是关于戈登·雅各布斯（Gordon Jacob）和本杰明·布里顿（Benjamin Britten）如何继承和颠覆传统技法的部分，处理得极其精妙。布里顿的出现，无疑是英国声乐领域的一场革命，而本书没有将他视为凭空出现的奇迹，而是巧妙地将他置于前辈和同时代人的对话之中。作者对那些在两次世界大战期间努力寻找“英国声音”的作曲家的描述，充满了同情与理解。书中详尽地列举了不同时期作品的配器特点——从简单的钢琴伴奏到复杂的多乐器改编，每一次变化都与时代精神紧密相连。我特别喜欢作者对演唱实践的讨论，它让这本书从理论的殿堂走入了音乐厅的现实。任何一位严肃的歌唱家或伴奏者，如果想真正理解其曲目的根源和表演的语境，这本书都是不可或缺的指路明灯。

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这本关于英国艺术歌曲的书，简直是为像我这样对音乐史和声乐表演充满好奇心的人量身定制的宝藏！作者显然投入了大量心血去梳理那些被埋没在历史角落里的杰作。我尤其欣赏它在追溯早期民歌改编对艺术歌曲形式的深远影响时所展现出的细致入微。它没有仅仅停留在罗曼蒂克时期的辉煌上，而是勇敢地深入到维多利亚时代中期，那里充斥着大量被低估的作曲家和那些充满地方色彩的叙事性歌曲。阅读过程中，我仿佛跟着一位学识渊博的向导，穿梭于不同的音乐沙龙和私人音乐会上。他对词曲作者之间那种微妙的、有时甚至是紧张的合作关系的剖析，简直精彩绝伦。书中对特定歌曲文本（比如丁尼生或罗塞蒂的诗歌）如何被不同的作曲家以截然不同的方式诠释，进行了深入的比较分析。这种层层递进的解读，让原本静态的乐谱瞬间变得鲜活起来，充满了戏剧张力和情感深度。它不仅仅是一本学术著作，更是一份邀请函，邀请听众和表演者重新审视那些被主流叙事所遗漏的英国声乐传统，其广度和深度令人叹服。

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这本书的编排结构堪称教科书级别，逻辑清晰得令人拍案叫绝。它仿佛是一张巨大的挂毯，每一章都是一根精心编织的线索。最让我眼前一亮的是，它对“艺术歌曲”这个概念在英国语境下的独特演变进行了严谨的界定。在欧洲大陆，这个概念早已成熟，但在英国，由于诗歌传统和歌剧影响力的制衡，其发展路径显得尤为曲折。作者成功地梳理了这种复杂性，通过引入大量的次要文献和一手资料，构建了一个立体且多维度的视角。例如，关于早期出版商如何营销这些作品，以及音乐评论界如何评价它们，这些“幕后故事”的揭示，极大地丰富了我对当时音乐生态的认知。我曾试图寻找一些关于特定地域性民歌如何被“高雅化”的论述，这本书恰好提供了深入的案例研究。它的文字风格虽然扎实严谨，但绝不晦涩，对于非专业人士来说，也保持了极高的可读性，成功地架起了学术研究与公众兴趣之间的桥梁。

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我不得不说，这本书在处理早期威尔士和苏格兰对英国艺术歌曲的影响时，做出了极其重要的贡献。长期以来，英格兰的叙事往往占据了主导地位，而本书则勇敢地拓宽了视野，强调了凯尔特（Celtic）旋律和语言对整体声乐景观的塑造作用。作者在分析那些受民间音乐启发的作品时，其音乐分析的功力令人叹服，不仅仅停留在“听起来像民歌”，而是具体指出了和声走向、旋律轮廓上那些借鉴的痕迹，以及作曲家如何有意识地进行“挪用”或“融合”。这种跨文化的视角，让整个英国艺术歌曲的版图变得更加丰满和真实。此外，书中对“英国”这个身份认同在音乐中的投射也有独到的见解，尤其是在民族主义情绪高涨的时期，艺术歌曲如何成为一种表达国家精神的方式。读完之后，我不再仅仅把这些歌曲当作独立的艺术品来看待，而是将其视为一个特定历史时期、特定社会背景下的文化产物，其厚度远超想象。

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