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出版者:Book Sales

作者:Capone, Phil

出品人:

页数:256

译者:

出版时间:2009-8

价格:$ 19.20

装帧:HRD

isbn号码:9780785821892

丛书系列:

图书标签:

• music
• 吉他
• 初学者
• 乐器
• 音乐
• 教程
• 自学
• 流行
• 民谣
• 和弦
• 技巧

弦音的秘境：一把吉他与无限的可能 一卷关于声音雕塑、心灵对话与技艺磨砺的史诗。 本书并非一本关于如何拿起拨片、按压品丝的初级指南，它是一份深入剖析音乐本质、探索演奏者心路历程的深度文本。它聚焦于吉他——这种既古老又充满生命力的乐器——如何成为人类情感表达最直接、最微妙的媒介。我们不探讨“A和弦如何按”，而是深究“为什么是A和弦，以及它在特定情境下引发的听觉共振”。 第一部：乐器的人文地理学 本书的开篇，我们将吉他从一个简单的木制工具提升至一个文化载体。我们审视其声学结构的演变，追溯从西班牙的鲁特琴（Lute）到现代电声吉他之间漫长的血脉传承。这不是历史的枯燥罗列，而是对“共鸣”这一物理现象如何被人类意识赋予意义的哲学探讨。 第一章：材料的低语与木材的性格 我们不会提供一个木材清单，而是深入分析不同木材（如云杉、红木、桃花心木）在音色塑造中的“性格”差异。探讨年轮的密度、纤维的排列如何影响泛音的衰减速度和基音的清晰度。我们将考察制琴师的直觉是如何超越纯粹的物理计算，将一块木头塑造成一个会“呼吸”的乐器。这里，吉他被视为一个与演奏者进行复杂化学反应的有机体。 第二章：音律的边界与调性的疆域 本章挑战等距十二平均律的绝对性。我们考察在不同文化和历史时期中，吉他（及其先驱）是如何适应和塑造调性系统的。从巴洛克时期的“良性音律”到爵士乐中对微小音高的灵活运用，我们探讨了音高选择背后的美学标准与情感需求。书中会穿插对特定“不和谐音程”的详细分析，阐明它们如何通过打破听觉预期，来达到叙事的张力。 第二部：演奏的心理拓扑学 演奏吉他，远不止是手指的机械运动。本部分致力于解析演奏者的大脑活动、情感投射机制，以及如何构建一个持久、富有感染力的音乐“叙事流”。 第三章：指尖的语言学：触觉的精确编码 此章着重于演奏者如何将抽象的音乐概念（如“柔和”、“激情”、“怀旧”）转化为指尖的物理压力、拨弦的角度与速度。我们不教授“如何练习”，而是剖析“高效练习”背后的神经科学原理——如何通过重复训练，将显性记忆转化为潜意识的肌肉记忆，使得演奏者能够完全解放认知资源，专注于音乐的诠释而非技术的执行。书中包含对“节奏感”的跨学科研究，探讨其与心跳、呼吸之间的深层关联。 第四章：即兴的炼金术：在结构中寻找自由 即兴演奏被视为音乐思维的巅峰表现。本章深入探讨即兴是如何在“已知”与“未知”之间走钢丝的。我们分析了不同音乐流派（如蓝调、波萨诺瓦、自由爵士）中即兴的底层“语法”和“词汇”。重点在于如何建立一个庞大的“音符库”和“动机库”，以便在演奏当下，大脑能够瞬间检索并组合出前所未有的音乐结构。这不是教授“什么音符可以弹”，而是阐述“为什么在这个时刻，这个音符是不可替代的”。 第五章：声音的雕塑：动态与时值的艺术 成功的吉他演奏，其感染力往往不在于弹奏了多少音符，而在于音符之间的“留白”与音量（动态）的细微变化。本章以微观视角审视：一个延迟了五十毫秒的休止符如何改变整个乐句的情绪走向；一个轻微的揉弦（Vibrato）如何模拟人类声音的颤抖。我们将重点分析“乐句的呼吸”，即演奏者如何将连续的音符串联成具有起承转合的完整思想单元。 第三部：吉他作为文化镜像 吉他从来都不是孤立存在的，它深深植根于特定的社会、历史和亚文化土壤之中。本章探讨吉他如何参与塑造和反映人类社会变迁。 第六章：风格的解构与再语境化 我们选择几种具有标志性的吉他风格（如指弹的精细编排、摇滚乐的爆发性力量、古典指法的严谨结构），对其进行深层风格学分析。我们考察这些风格是如何从特定的地理环境（如美国南方、巴西的贫民区、欧洲的音乐沙龙）中诞生，并携带了特定的社会阶级、政治情绪或民族精神的烙印。本书鼓励读者超越风格的标签，去理解风格背后的“文化驱动力”。 第七章：数字时代的共鸣与孤独 面对现代录音技术和数字效果器，吉他的角色正在发生深刻变化。本章探讨了“真实性”的困境：当声音可以被无限塑形和复制时，演奏者在现场演奏中寻求的“不可复制的瞬间”的价值何在？我们讨论了“氛围”的构建——如何利用现代工具来增强而非掩盖乐器的自然声音，以及个人在集体主义音乐（如乐队合奏）中如何保持自己独特的“声音印记”。 结语：无尽的探寻 本书旨在激发读者对吉他艺术更深层次的思考：它是一个工具，一个伴侣，一面映照我们内心世界的镜子。演奏的终极目标不是完美无瑕的技术展示，而是实现演奏者意图与听众感知之间的完美桥接。这本书提供的不是地图，而是探索新大陆的指南针，指引你深入每一个尚未被发现的音符秘境。 它邀请你聆听吉他，并从中听见你自己。

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我得承认，我对这本《Learn to Play the Guitar》抱有极高的期望，毕竟名字听起来就直截了当，承诺解决所有入门的困惑。然而，读完前三分之一后，我感觉自己更像是在翻阅一本音乐史的入门读物，而不是一本实操指南。书中花费了大量的篇幅去探讨不同时期吉他制作材料的演变，以及布鲁斯音乐在地域上的流派划分。虽然这些知识本身可能具有一定的学术价值，但对于一个急切想学会弹奏“小星星”或者基础民谣的人来说，这些内容显得异常冗余和脱节。例如，当我在寻找如何正确按压和弦避免“打品”（Buzzing）时，我却被引导去阅读了关于十九世纪西班牙吉他制作大师的生平介绍。这种内容上的严重失衡，使得学习的效率直线下降。而且，书中引用的那些“经典范例”大多是针对古典吉他的复杂指弹曲目，对于我这种主要想弹唱流行歌曲的“木吉他新手”来说，毫无参考价值。我需要的是清晰的“按这里”、“拨那里”的直接指令，而不是需要我去图书馆查阅更多背景资料才能理解的理论铺垫。这本书似乎更适合那些已经有一定基础，想深入研究吉他文化和历史的爱好者，而不是那些想在周末聚会上露一手的新手。它在“教你如何弹奏”和“告诉你吉他的历史”之间迷失了方向。

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从排版和装帧来看，这本书的定价似乎严重高估了其内容价值。首先，纸张的厚度非常薄，拿在手里感觉轻飘飘的，完全没有一本“耐用教材”应有的质感。我担心如果经常翻阅，封面和内页很快就会分离。其次，作为一本教学用书，插图的使用极其吝啬且不恰当。那些为数不多的图示，往往是黑白印刷的，而且清晰度令人怀疑，完全无法清楚地分辨手指在指板上的精确位置，尤其是在高把位时的细节处理，更是模糊不清。我试着去寻找一些关于“颤音”（Vibrato）技巧的图解，结果只找到了一张抽象的箭头示意图，完全没有配合文字解释颤音的力度和频率应该如何控制。这种视觉信息传递的缺失，使得对于依赖视觉反馈的初学者来说，这本书的实用性大打折扣。我更倾向于使用那些配有大量清晰彩图，甚至使用不同颜色标记不同手指的书籍。这本书在制作上的粗糙感，让我不禁怀疑作者在内容编辑上是否也投入了同等程度的疏忽。它更像是一本匆忙出版的讲义，而不是一本值得收藏和反复研读的吉他教程。

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这本书的排版和设计简直是灾难，我拿到手的时候就忍不住翻了好几页，看看是不是印刷厂出错了。首先，字体选择就让人头疼，那种细小的、毫无特色的衬线字体，在室内光线下看久了眼睛会非常干涩和疲劳。更要命的是，内容的逻辑结构完全是混乱的。它似乎想在一个章节里塞进所有关于和弦转换的技巧，结果就是一大段密密麻麻的文字，中间偶尔点缀着几张模糊不清的手型图，图注小到几乎看不清。我尤其想吐槽的是关于“扫弦节奏”的那一节，作者似乎默认读者已经掌握了基础的乐理知识，直接抛出了一堆复杂的术语和图示，没有任何循序渐进的讲解。对于一个真正的初学者来说，这就像是直接被推到了深水区，完全不知道该从哪里开始模仿。我尝试按照书中的建议练习一个简单的C大调分解和弦，结果发现书上给出的指法提示与我平常接触到的标准指法有细微的出入，这种不一致性让我对后续的学习产生了巨大的不信任感。而且，书的装订质量也令人担忧，翻了几次后，书脊就开始出现松动的迹象，感觉这本书的生命周期不会太长。如果作者的目标是写一本能让人快速上手吉他的工具书，那么这本书在用户体验和内容组织上都远远没有达到基本要求。它更像是一份技术手册的草稿，而不是一本精心打磨的教学指南。

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说实话，这本书的音频配套资源简直是形同虚设，我差点以为我买的是一本纯文字的书。作者在介绍的扉页上骄傲地提到了一个复杂的在线资源库，声称可以提供书中所有练习曲目的同步音轨和慢速版本。结果当我尝试访问时，发现链接要么失效，要么需要注册一个我从未听说过的第三方学习平台，注册过程繁琐不说，验证码系统也极其不友好，我尝试了四次才成功登录。更糟糕的是，即便进入了平台，找到与书本内容完全对应的练习曲目也成了一项挑战。书中的第十章提到了一个“指弹练习A-4”，但在线资源库里却只有泛泛的“初级练习集锦”，根本没有明确的编号对应。当我试图听一下书本上一个复杂的指法转换时，我发现音轨的质量极差，声音听起来像是用一个老旧的手机录制的，背景噪音大到足以盖过吉他的清晰度。这完全违背了“通过听力学习”的核心理念。如果一个声称配有完整音频教学的书籍，其音频资源是如此难以获取且质量低劣，那么它在教学辅助方面的价值基本为零。我最终不得不放弃使用这些在线资源，转而依赖其他更可靠的在线视频教程来核对自己的弹奏效果。

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这本书的“练习”部分，如果我能称之为练习的话，简直是对耐心和时间的一种折磨。它最大的问题在于缺乏梯度和重复性。通常一本好的教材会提供大量的、有针对性的重复练习来固化肌肉记忆，比如连续五页只练习同一个和弦的切换，或者只针对一个节奏型进行强化训练。但这本书的做法是，介绍了一个新的概念或者技巧后，马上就跳转到一个全新的、难度系数跃升了好几个等级的曲目片段中去应用它。比如，在刚刚学会基础的四拍子扫弦后，下一页就要求你尝试一种包含切分音和复杂休止符的拉丁节奏。这种“一跃千里”式的教学法，对于需要时间来建立“肌肉记忆”的初学者来说，是极其不友好的。我每次尝试跟进后面的内容，都感觉自己像是在原地踏步，因为前一个知识点还没有完全消化，新的难点就已经砸在了我的面前。更令人沮丧的是，书中几乎没有提供任何“纠错指南”。当我的演奏听起来不对劲时，我翻遍了所有章节，也没有找到针对常见错误（比如按弦位置不当导致的闷音）的系统性分析和调整建议。它只告诉你“应该怎么做”，却从不告诉你“如果做错了会是什么样”以及“如何修正”。

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