具体描述
'In all areas of human endeavour, time and again an individual appears who, due to a multitude of personal attributes, elevates his or her field to a hitherto unknown height. Such an individual was William Primrose. His name and the viola are synonymous.' Janos Starker This unique book is the result of a series of conversations with Primrose in the last years before his death in 1982. David Dalton describes how he came to the great artist armed with every question he could think of pertaining to performing on and teaching the viola. The lively dialogue contains a wealth of illuminating advice for the student on the technicalities of playing the viola. It is, however, far more than a technical guide. The two violists discuss the unique position of their instrument - 'an instrument without tradition' is Primrose's bald description. They cover the topic of repertoire with fascinating insights into the performance of the great concertos by Bartok and Walton, with which Primrose was so closely associated. Still more invaluable advice emerges from the discussion of Primrose's own experience, on the art of performance, on demeanour on stage, on competitions, on recordings, and on preparing for a career. The book is a tribute to one of the greatest artists of this century.
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读后感
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用户评价
这本书的结构仿佛是一张精心编织的挂毯，每一章都是一个独立的小故事，但当你将它们并置在一起时，一个关于“艺术传承”的宏大主题便浮现出来。它探讨了大师们如何将自己的技艺与理解，通过手把手的教学传递给下一代。其中穿插了大量口述历史片段，那些老一辈音乐家回忆起自己是如何被某位导师的一句话点醒，从而彻底改变了对音乐的理解，这些场景描绘得极其生动，充满了戏剧张力。作者的文风非常接地气，不同于其他音乐书籍的学院派腔调，他用了大量的口语化表达和幽默的自嘲，使得即使是对古典音乐不甚了解的读者，也能轻松进入状态。例如，书中对管弦乐团排练中那些琐碎而又令人啼笑皆非的幕后对话的记录，简直可以拿去做喜剧剧本了。它让我们意识到，伟大的艺术背后，是无数次“不完美”的尝试、无休止的争论和日常的人性弱点构筑而成的。这本书成功地将“高雅艺术”拉下了神坛，展现了其充满烟火气的一面。
评分这本书简直是一次对古典音乐世界的深度沉浸，作者以一种近乎诗意的笔触，描绘了音乐家在排练室里汗水与灵感的交织，那些细微的情绪波动，比如首席小提琴家一个不经意的眼神，指挥家手臂挥舞时产生的微小气流，都被捕捉得淋漓尽致。它不是那种枯燥的乐理分析手册，而更像是一部关于“声音如何诞生”的哲学随笔。我尤其欣赏其中关于乐器“共鸣”的探讨，作者将小提琴的木质纹理与演奏者的心跳频率联系起来，读到此处，我仿佛能闻到松香的味道，听到琴弦被弓毛摩擦时发出的那种独有的、带着颗粒感的“嘶嘶”声。整本书的节奏把握得极好，时而如勃拉姆斯那样厚重沉稳，需要你静下心来细嚼慢咽；时而又像斯特拉文斯基那样充满不协和的张力，让你在阅读中也感到一种智力上的挑战。如果你期待的是那种标准教程中“如何正确持弓”的指导，你可能会失望，因为这本书的目的显然不是教你技巧，而是让你理解技巧背后的那股驱动力——那种对完美音色的近乎偏执的追求。作者似乎在暗示，伟大的演奏，源于对自身情感的坦诚，而非机械的模仿。
评分我得说，这本书的文学性实在高得有些令人望而却步，它更像是一部献给“听觉记忆”的散文集，而非一本严肃的音乐评论。作者似乎对“音色”本身怀有一种近乎宗教般的虔诚，他用大量的篇幅去描述那些难以言喻的感觉：比如，如何用文字捕捉“大提琴低音区深处那种发霉的、却又无比温暖的木质感”，或者“长笛在高音区飘散时，那种带着寒意的透明度”。这些描述常常跳脱出常规的形容词范围，大量借鉴了视觉艺术和气味的概念，读起来需要极大的想象力投入。我时常需要停下来，合上书本，闭上眼睛，试图在脑海中重构他所描绘的那个声场。它更像是一种体验，一种邀请你进入作者内心深处那个声音万花筒的邀请函。唯一让我感到有些不足的是，在探讨现代作曲家作品时，作者的笔触似乎略显保守和批判，对于那些大胆的电子乐融合或极简主义的尝试，他表达出一种明显的不适感，使得全书的视野在后半部分略微收窄，显得有些固执于黄金时代的辉煌。
评分最让我震撼的是这本书对“孤独”这一主题的深刻挖掘，尽管它表面上谈论的是集体协作的交响乐团，但作者敏锐地捕捉到了每个演奏者在舞台中央，独自面对自己乐器时，那种无法与他人完全沟通的内在寂静。书中的“独白”部分，引用了几位匿名演奏家的日记片段，记录了他们面对职业生涯的瓶颈、身体的衰退以及对艺术生命力耗尽的恐惧。这些文字极富冲击力，它们描绘了那种站在聚光灯下，却感觉世界只剩下自己和手中那件乐器的极致清醒与脆弱。作者没有试图提供任何解决方案或安慰，他只是冷静地陈述了这种职业带来的心理代价。这种对“内在景观”的描绘，几乎超越了音乐领域本身，触及了所有追求极致的艺术家的共同困境。语言风格简洁、有力，充满了对生命体验的沉思，少有华丽的辞藻，却句句千钧，让人在读完后久久不能平静，思考良久。
评分这本书的叙事结构非常独特，它采用了多线索交叉叙事的手法，将三位身份、背景迥异的音乐人——一位年迈的独奏家、一位初出茅庐的乐队新人以及一位幕后的录音工程师——的故事巧妙地编织在一起。这种多视角的切换，让读者得以窥见一个交响乐团运作的复杂生态。我最喜欢的是对录音工程师那一段的描写，里面充满了对“时间”和“空间”的精妙处理。比如，书中细致地描述了麦克风摆放位置的几毫米之差如何彻底改变了中提琴声部的清晰度，以及混音师如何在午夜时分，试图用技术手段去“修复”某个小提琴家因前一晚失眠而导致的音准偏差。这种对幕后细节的挖掘，彻底打破了我以往对古典音乐表演的“完美幻象”，让人看到艺术光环下那些充满挣扎、妥协与妥协的真实人性。文字风格极其冷峻且精准，像一把手术刀，剖开了舞台表象下的精致与脆弱。它要求读者具备一定的背景知识，否则可能在某些专业术语的堆砌中稍显吃力，但一旦跨过这个门槛，那种洞悉一切的快感是无与伦比的。
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