苏俄音乐与音乐生活 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:人民音乐出版社

作者:[美]博里斯.施瓦茨 Boris Schwarz

出品人:

页数:360

译者:钟子林

出版时间:1979-8

价格:2.15元

装帧:平装

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俄国音乐史研究：从莫扎特到肖斯塔科维奇的辉煌与变迁 书籍简介 本书并非专注于二十世纪初特定的政治背景下（如“苏俄”）的音乐现象，而是雄心勃勃地致力于梳理和剖析自古典主义晚期至二十世纪中叶的俄国音乐发展全景。我们试图构建一个宏大而细致的叙事框架，探讨俄罗斯音乐如何从欧洲传统的土壤中汲取养分，最终发展出其独一无二、充满民族精神与深刻人文关怀的艺术表达。 全书分为上下两卷，共计十二章，旨在为读者提供一部兼具学术深度与可读性的俄罗斯音乐通史。 上卷：民族主义的觉醒与“强力集团”的奠基 (1780s – 1890s) 第一章：彼得大帝的余晖与欧洲化浪潮下的早期探索 (1780-1820) 本章追溯了俄罗斯音乐走向成熟的起点。彼得大帝推行的西化政策，使得宫廷音乐和早期的歌剧创作深受意大利和法国风格的影响。我们详细考察了德米特里·波尔蒂奇尼（Dmitry Bortniansky）等早期作曲家在教会音乐和早期歌剧形式上的努力。重点分析了圣彼得堡和莫斯科两地的音乐生活如何被外来的歌剧团所主导，以及本土音乐家如何在这种复杂的环境中寻找自己的声音。 第二章：格林卡：俄罗斯民族乐派的曙光 米哈伊尔·格林卡（Mikhail Glinka）被视为俄罗斯民族乐派的奠基人。本章深入剖析了他的两部里程碑式歌剧——《为沙皇献身》和《鲁斯兰与柳德米拉》。我们着重分析了格林卡如何巧妙地将俄国民间旋律、教会调式与成熟的欧洲配器法融合，创造出具有独特“俄罗斯性”的音乐语言。本章还考察了他在组建管弦乐队和发展本土艺术歌曲方面的开创性工作。 第三章：浪漫主义的拓荒者：留学派与学院派的早期冲突 十九世纪中叶，俄国音乐界出现了两种主要倾向：继续在西欧体系内深造的“留学派”（如安东·鲁宾斯坦）与强调民族独立精神的“民族乐派”。本章比较了两者的创作理念和艺术成就。我们详细分析了亚历山大·谢洛夫（Alexander Serov）等音乐评论家对本土音乐发展方向的论战，揭示了俄罗斯音乐界在确立身份认同过程中的思想挣扎。 第四章：强力集团的崛起：五人组的诞生与反叛 “莫扎特五人组”（或称“新俄罗斯乐派”）——巴拉基列夫、穆索尔斯基、鲍罗金、里姆斯基-科萨科夫和崔可夫斯基——构成了本书的核心之一。本章详细介绍了巴拉基列夫的领导作用，以及其他成员如何通过深入民间、研究历史题材和民间传说，建立起一个有别于西欧传统、充满民间色彩和批判精神的音乐体系。 第五章：穆索尔斯基的现实主义与音画的革新 本章聚焦于莫杰斯特·穆索尔斯基（Modest Mussorgsky）。我们不仅仅关注其宏大的历史歌剧《鲍里斯·戈都诺夫》的改编历史，更深入探讨了他作品中强烈的现实主义倾向和对俄语口语旋律的忠实再现。通过分析《图画展览会》，本章阐释了穆索尔斯基在音乐印象主义和性格刻画方面的独创性贡献。 第六章：柴可夫斯基：跨越流派的普世情感 彼得·伊里奇·柴可夫斯基（Pyotr Ilyich Tchaikovsky）虽然在创作手法上更接近西欧的浪漫主义大师，但其作品中弥漫的深刻的忧郁、戏剧性的冲突和对人性的细腻描绘，使他成为俄罗斯音乐的代表人物之一。本章详细分析了他的芭蕾舞剧（如《天鹅湖》）、交响乐以及协奏曲，探讨他如何在保留民族情感的同时，达到了国际化的艺术高度。 --- 下卷：世纪之交的交响与二十世纪的曲折前行 (1890s – 1950s) 第七章：浪漫主义的巅峰：里姆斯基-科萨科夫与“魔法世界” 尼古拉·里姆斯基-科萨科夫（Nikolai Rimsky-Korsakov）是五人组中技艺最为精湛的配器大师。本章重点考察其后期作品，如《舍赫拉查德》和歌剧《萨德科》，分析他如何运用令人眼花缭乱的管弦乐色彩、异域情调和对神话传说的描绘，将俄罗斯音乐推向了印象派的高峰。 第八章：拉赫玛尼诺夫的抒情传统与精神流亡 谢尔盖·拉赫玛尼诺夫（Sergei Rachmaninoff）代表了俄罗斯晚期浪漫主义的集大成者。本章探讨了他对宏大旋律线条的坚持，对钢琴技巧的极致发挥，以及其作品中流露出的对失去的“故土”的深切怀念。我们分析了其三部交响曲和钢琴协奏曲的结构与情感深度。 第九章：斯克里亚宾的神秘主义与“终极和弦” 亚历山大·斯克里亚宾（Alexander Scriabin）是俄罗斯音乐中最具革命性的先驱之一。本章详细考察了他如何从早期的肖邦式风格转向对色彩、香气和哲学融为一体的“神秘主义”探索。重点分析他晚期作品中对非传统调性、十二音前奏以及“神圣之诗”的构想。 第十章：世纪的转折：俄罗斯芭蕾音乐的革新 二十世纪初，以伊戈尔·斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）为核心的“俄国芭蕾热潮”席卷巴黎。本章侧重于斯特拉文斯基在《火鸟》、《彼得鲁什卡》和《春之祭》中的节奏、和声和原始主义的运用，分析他如何彻底打破了十九世纪的音乐规范，为全球现代主义音乐开辟了道路。 第十一章：肖斯塔科维奇与严峻的时代：交响曲中的个人表达 德米特里·肖斯塔科维奇（Dmitri Shostakovich）的创作生涯横跨了二十世纪最动荡的几十年。本章旨在客观梳理其作品，考察他在面临官方意识形态压力时，如何通过复杂的讽刺、潜台词和结构暗示，在交响曲、室内乐和弦乐四重奏中保留其批判性的个人声音。我们审视了其作品编号5和编号7的特殊历史背景及其音乐意义。 第十二章：战后的声音与多元发展 在二战结束后的几年中，俄罗斯音乐并未走向单一化。本章考察了普罗科菲耶夫（Sergei Prokofiev）晚期风格的演变，以及哈恰图良等作曲家在民族音乐语汇上的持续探索。本书的结尾部分，着重于分析不同作曲家在继承民族传统、应对新的创作环境时所展现出的多样化路径，为理解这一时期音乐的复杂性提供了基础。 总结： 本书的视角是宏大而连续的，它关注的是俄罗斯音乐如何从宫廷走向民族觉醒，再到面对现代性与社会变革的冲击，展现其持续的创造力和深刻的文化内涵。我们专注于音乐家在艺术本体上的追求、他们所使用的技法演变，以及他们与本民族历史进程之间复杂而深刻的对话。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，那种浓郁的怀旧感扑面而来，仿佛一下子将人拉回了那个特殊的历史时期。内页的排版处理得非常考究，字体选择和间距的把握都透露出一种沉稳而又不失活力的气质。我尤其欣赏其中一些历史照片的选用，那些黑白影像的颗粒感和光影效果，不仅仅是简单的插图，更像是历史的切片，让人能够真切地感受到那个时代氛围的厚重。尤其让我印象深刻的是，作者在描述一些音乐事件时，往往会配上一张当时的报纸剪报或者演出现场的速写，这种多维度的信息呈现方式，极大地增强了阅读的代入感和真实性。当然，对于一个初次接触这个领域的读者来说，一开始可能会觉得有些信息密度过大，但多翻几遍后，你会发现这种详尽的考据本身就是一种魅力，它使得这本书超越了一般的历史梳理，更像是一份精心策划的文化遗物档案，值得慢慢品味和反复摩挲。

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这本书的叙事节奏把握得极为精准，它没有采用那种平铺直叙的编年体流水账叙事，而是巧妙地穿插了许多鲜活的个人访谈片段和私密的日记摘录，使得那些宏大的历史叙事瞬间变得有血有肉，充满了人性的温度。我读到一些关于作曲家在艰苦环境下坚持创作的描述时，那种心潮澎湃的感觉，是单纯的学术论述无法给予的。作者似乎非常擅长捕捉“瞬间的张力”——比如某个重要会议上激烈的争论、一场首演前夕音乐家们紧张的排练，或是某个禁令颁布后艺术家们微妙的心理变化。这种叙事手法的灵活运用，让原本可能枯燥的历史演进过程，变得跌宕起伏，引人入胜。读起来，我感觉自己不是在阅读一本严肃的学术专著，而是在跟随一位经验丰富的历史向导，穿梭于那些充满戏剧性的历史场景之中，每走一步都能发现新的惊奇和深意。

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这本书在探讨音乐的社会功能和社会影响方面，展现出了一种极富洞察力的批判性视角。它不仅仅记录了“发生了什么”，更深刻地剖析了“为什么会发生”以及“它意味着什么”。作者对于意识形态如何渗透、形塑乃至扭曲艺术表达的论述，尤为精辟。我特别欣赏作者在分析那些被官方推崇的“主流音乐”时，并未采取简单的否定态度，而是深入探究了其背后的社会心理机制和政治逻辑。通过对比同时期被压抑的先锋音乐或民间音乐，读者可以更立体地构建出那个复杂文化生态的全景图。这种将艺术实践放置于宏大历史和社会结构中去审视的视角，让读者跳出了单纯的审美判断，转而思考艺术在特定权力结构下的能动性与受限性，无疑拓宽了我们理解艺术史的维度。

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从学术严谨性上来讲，这本书的参考文献和注释体系堪称典范。我注意到作者在引用原始资料时，往往会给出非常详尽的出处说明，甚至会对比不同版本史料之间的细微差异进行辨析，这种精益求精的态度，极大地提升了文本的可信度。对于我们这些希望深入研究特定历史脉络的读者来说，书后那个庞大的索引和附录部分简直是宝库。我试着根据书中的某个特定乐团或某个时期的审查制度，去追踪引用的文献，发现作者的线索铺设得非常清晰有力，几乎没有出现“断头路”。这表明作者在资料收集和梳理上投入了巨大的心血，不是简单地引用二手资料，而是真正深入到了档案深处进行挖掘。这种扎实的基础工作，使得书中的任何一个论断，都显得底气十足，让人不得不信服其深度和广度。

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这本书的语言风格非常独特，它在保持高度专业性的同时，又充满了文学性的光泽和一种独特的时代回响。作者的遣词造句讲究，常常能用精准而富有张力的词语描摹出复杂的情感状态或音乐结构。尤其是在描述音乐作品本身时，比如对某个交响乐的结构分析，或者对某个民歌旋律特点的概括，作者往往能找到一种恰如其分的比喻，使得那些抽象的听觉体验，能够被非专业人士所理解和感知。这种流畅而又不失深度的文字功底，极大地降低了阅读门槛，让那些原本可能只对历史感兴趣的读者，也能享受到探索音乐细节的乐趣。读完后，我感觉自己不仅是了解了一段历史，更像是完成了一次对特定时代美学精神的深度洗礼，文字本身就具有一种强大的感染力和美感。

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看到友邻广播提到，便拿出来再牢骚一遍。1972年的英文原书，79年便译毕出版（不要忘记70年代中国大陆在干嘛），时效可谓不低。而其后更是有着近30年左右对苏东的关注脉络。可惜之后自废武功，不仅专业圈只能仰英美鼻息用人家唾液去嚼苏联的馍至今；新老爱乐者也齐失忆，一片恍如发现新大陆似的“铁幕后的XX”妄语。不知如此无骨墙头草，可兴几等XO梦？

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读了上下两册，有点枯燥。所有人都在挣扎，逢迎的、消极的、抵抗的，没人愿意加速，人人渴望节制。因为人人都能朦胧地感觉到自己究竟在追求什么。

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肖斯塔科维奇说：没有思想就不会有音乐。 毕竟，创作是没法教的，只能教技巧。

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看到友邻广播提到，便拿出来再牢骚一遍。1972年的英文原书，79年便译毕出版（不要忘记70年代中国大陆在干嘛），时效可谓不低。而其后更是有着近30年左右对苏东的关注脉络。可惜之后自废武功，不仅专业圈只能仰英美鼻息用人家唾液去嚼苏联的馍至今；新老爱乐者也齐失忆，一片恍如发现新大陆似的“铁幕后的XX”妄语。不知如此无骨墙头草，可兴几等XO梦？

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肖斯塔科维奇说：没有思想就不会有音乐。 毕竟，创作是没法教的，只能教技巧。