陈绮贞精选:1998~2005(CD)

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isbn号码:9787880472486
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具体描述

《光影流转:台湾独立音乐的黄金十年(1995-2005)》 书籍简介 本书深入剖析了台湾独立音乐在世纪之交——从1995年到2005年这一黄金十年间的蓬勃发展、风格变迁及其社会文化意涵。这段时期,是台湾主流唱片工业开始松动,地下场景逐渐浮现,并最终催生出多元化、具有强烈本土性和实验精神的音乐浪潮的关键阶段。本书以严谨的田野调查和丰富的历史资料为基础,旨在为读者构建一个立体、多维度的台湾独立音乐生态图景,探讨其在艺术表达、商业模式以及文化身份构建中所扮演的角色。 第一部分:萌芽与躁动——独立音乐的初生形态(1995-1998) 本部分聚焦于独立音乐自地下走向半公开的过渡期。在1990年代中期,随着经济发展和社会思潮的开放,一股对主流情歌模式的反思和对更真实、更具个性的音乐表达的渴望开始积聚。 1.1 场景的诞生:Live House与“地下社会”的文化空间 我们详细考察了台北、台中、高雄等地新兴Live House(如“地下社会”、“女巫店”)的功能与文化意义。这些空间不仅仅是演出的场地,更是音乐人、乐迷、艺术工作者进行思想交流、风格碰撞的微型社会实验室。它们如何成为抵抗主流文化的“庇护所”和实验场?我们通过对早期乐团和场地经营者的访谈,重现了那个充满烟雾、汗水与原始能量的现场氛围。 1.2 风格的探索:后朋克、噪音美学与民谣的回归 这一时期的独立音乐风格呈现出极度的不确定性和实验性。一方面,受到欧美后朋克、垃圾摇滚(Grunge)的直接影响,本土乐团开始尝试更具攻击性、更少修饰的音乐语言,探讨都市疏离感和个体焦虑。另一方面,一批以吉他弹唱为主,根植于本土叙事和都市观察的民谣歌手开始崭露头角,他们以更内省和细腻的方式捕捉时代情绪。本书将具体分析早期乐团如五月天(初期)、浊水溪公社等在风格上的突破与争议。 1.3 独立厂牌的兴起与DIY精神 在缺乏主流唱片公司青睐的情况下,第一批具有前瞻性的独立厂牌开始运作。这些厂牌(如早期如魔岩唱片、跳跳糖等)不仅是发行渠道,更是艺术理念的守护者。本书分析了他们如何利用有限的资源,通过小批量制作、口碑传播和巡演网络,建立起最初的独立音乐生态闭环。DIY(自己动手做)精神是这一阶段的核心驱动力。 第二部分:多元化与本土化——风格的深度开拓(1999-2002) 进入新千年,台湾独立音乐开始从模仿和学习期,转向寻找自身独特的发声方式,形成了风格上的“大爆发”。 2.1 摇滚乐的精炼:从另类到成熟的叙事 经过前期的摸索,摇滚乐开始在技术和概念上更加成熟。一些乐团开始将社会议题、历史反思融入创作。我们细致分析了探讨台湾身份认同、环境议题的乐团,他们不再满足于纯粹的噪音或情绪宣泄,转而追求更具文学性和批判性的歌词表达。这段时期,一些在Live House积累了大量人气的乐团开始尝试跨越主流与独立的界限,引发了关于“独立性”的定义之辩。 2.2 电子音乐的崛起与边缘场景的交汇 随着数字技术的发展和国际电子音乐文化的渗透,台湾的电子音乐场景开始独立于摇滚乐发展。本书探讨了噪音(Noise)、氛围音乐(Ambient)以及早期舞曲文化如何与独立艺术界产生交集。这些声音实验为后来的音乐风格发展埋下了伏笔,同时也挑战了传统以“乐器演奏”为主的音乐定义。 2.3 创作歌手的细腻描摹:城市灵魂的低语 与摇滚乐的躁动相对,一批创作歌手以其内敛、高度个人化的歌词和旋律,占据了重要的位置。他们将个人情感、都市生活的细节,用诗意的语言捕捉,形成了一种独特的“城市民谣”或“独立抒情”风格。他们的作品常常探讨爱情的复杂性、个体在都市中的迷失与追寻,对后续的独立流行音乐产生了深远影响。 第三部分:体系化与出走——独立音乐的成熟与外溢(2003-2005) 在千禧年初,独立音乐开始展现出清晰的产业化和文化影响力,同时也面临着商业化与艺术纯粹性的张力。 3.1 音乐节的兴盛与公共空间的拓展 大型户外音乐节的出现,标志着独立音乐正式进入主流公众视野。从早期的民间自发活动到后来的商业化运作,音乐节如何成为独立乐团接触更广泛观众的桥梁?本书分析了音乐节在推广本土独立音乐、构建音乐社群认同中的关键作用。 3.2 跨界合作与媒体曝光的常态化 独立乐团开始频繁地与电影、剧场、视觉艺术进行深度合作。这种跨界融合不仅拓宽了他们的创作边界,也使得独立音乐的声音更容易被“非核心乐迷”群体接收。我们探讨了这种合作模式如何帮助独立音乐打破“小众”的刻板印象,但也分析了随之而来的艺术表达被稀释的风险。 3.3 独立音乐的“下一站”:人才的向外流动 到2005年左右,经历了十年激烈成长的台湾独立音乐人才,开始在国际上崭露头角,或被大型唱片公司深度挖掘。本章讨论了这种人才流动对本土场景的影响:是人才流失的阵痛,还是成熟的标志?这十年积累的创作能量和技术积累,最终如何成为台湾音乐在世界舞台上发声的基础。 结语:一个时代的文化回响 本书最后总结了1995年至2005年这十年台湾独立音乐对社会文化结构的影响。它不仅是一段音乐史,更是台湾社会在快速现代化进程中,对于“真实性”、“身份认同”和“青年文化”探索的深刻记录。这段历史的复杂性、创造力和不妥协精神,至今仍是华语乐坛重要的精神财富。本书通过详尽的个案分析和场景还原,力求为这段“黄金十年”留下精确而生动的注脚。

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说实话,很少有精选集能让我如此沉浸地、不跳歌地从头听到尾,但这张《1998~2005》做到了。它就像一个精心制作的琥珀,凝固了特定时空下最纯粹的音乐情感。里面的歌曲,有些我可能已经听了上百遍,但在这个精选的语境下重新聆听,却能发现新的层次感。比如,某首在特定时期听起来是关于“失恋”的歌,现在听来,却更像是关于“抽离”和“观察自我”的哲学探讨。这种随着自身阅历增长而产生的“二次理解”,是优秀音乐作品才能提供的馈赠。它不再是单纯的背景音乐,而更像是一面镜子,映照出听者自己那段未曾言说的、在光影交错中成长的岁月。每次播放,都像是在完成一次与过去的自己和解的仪式,带着一丝感伤,但更多的是对这段音乐旅程的感激。

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这张专辑的命名本身就带有一种时间的刻度感,1998到2005,这七年,对于一个音乐人来说,是奠定风格、确立自我思想体系的关键时期。从那些略显稚嫩但充满力量的民谣开端,到逐渐开始涉足更广阔的独立音乐领域,这张精选完美地勾勒出了陈绮贞从“个人日记”到“公共剧场”的过渡。我听她那些早期的作品时,总有一种被强烈“卷入”的感觉,她的叙事方式不是高高在上的评判,而是平视的、甚至是带着自我质疑的询问。这种“不完美中的完美”正是她早期作品的魅力所在。它们不是那种制作精良、无可挑剔的流行金曲,而是充满了生命力的、会呼吸的音乐片段。如果有人想真正理解她后来的复杂和深刻的根源在哪里,这张选集就是最好的“文献资料”,它记录了那个核心信念是如何在时间的打磨下逐渐清晰起来的。

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作为实体唱片的收藏者,这张 CD 的音质处理给我留下了非常深刻的印象。对比起那些早期的数字发行版本,这张精选明显在混音和母带处理上进行了精心的重制,但可贵的是,这种重制并没有“磨平”掉陈绮贞早期作品中那种特有的“颗粒感”和“空气感”。相反,它提升了清晰度,使得那些被埋藏在背景中的吉他指弹纹理、以及她那些微妙的假音处理,都得到了更清晰的展现。这种平衡把握得极其巧妙,既保留了老歌的年代感和情绪重量,又让它们在现代音响设备上焕发出新的生命力。听着那些简单的木吉他声,仿佛能清晰地听到录音室里空气的流动,这种近乎“透明”的质感,正是她音乐中最迷人的部分之一——一种毫不设防的坦诚。它让人不再仅仅是被动地聆听旋律,而是主动地去“观察”声音的构建过程。

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这张精选集真是让人回味无穷,仿佛重新走过了一段青涩而又坚定的音乐旅程。我记得刚开始接触陈绮贞的音乐时,还是在上大学的那些夜晚,宿舍里熄灯后,偷偷摸摸地用耳机听着她那带着点沙哑却又无比真诚的声音。那时候,生活充满了迷茫和对未来的期许,她的歌词就像是直接写进了我的心坎里,那些关于自我探索、关于城市孤独、关于细微情感的捕捉,都让人觉得“啊,原来有人也这样想”。这张选集收录的早期作品,无论是早期的清新民谣风格,还是逐渐展现出的那种更具实验性和哲学意味的探索,都展现了她作为一位创作者的早期脉络。听着这些歌,我能清晰地感受到她是如何从一个简单的叙事者,蜕变成一个善于解构和重塑情感的诗人。特别是那些早期 Demo 风格的质感,听起来 raw 极了,没有经过太多修饰,反而更贴近那种最原始的创作冲动。每次听完,心里都会留下长长的一串回响,那不是简单的旋律记忆,而是一种共鸣的余温,关于青春的遗憾,也关于成长的力量。

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这张精选的编排,坦白说,对于一个像我这样陪伴了她十多年的“老听众”来说,更像是一次精心策划的“情绪考古”。它没有采用完全线性的时间顺序,而是巧妙地将不同时期的情感碎片进行了错位和重组,反而产生了一种新的叙事张力。比如,某首早期带着点校园气息的曲子,突然被放在一首已经显露出未来编曲雏形的歌曲旁边,这种对比让人不禁思考,创作的灵感是如何在同一个人的脑海中交织、碰撞,最终形成她独特的音乐语境的。我尤其欣赏那些相对冷门的 B 面曲目或者早期现场的版本被收录进来,这使得整张专辑的厚度一下子增加了。它不是一个给“路人粉”准备的快速入门指南,而更像是一份写给同路人的地图,标注着那些只有用心搜寻才能抵达的内心风景。每一个音符、每一次呼吸的停顿,都像是精心布置的剧本片段,引导听者去回溯自己那段同样青涩却又无比重要的时光。

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沪尾小情歌太好听啦~

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so beautiful

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午睡音乐,囧....

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2008上海书展。又是没封面,待明日拍照上传。是CD怎么成了书,不明白呀。。。。。。

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初中时听了九份的咖啡店喜欢上陈绮贞。

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