丰子恺诗画

丰子恺诗画 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:文化艺术出版社
作者:张斌
出品人:
页数:248
译者:
出版时间:2007-10
价格:28.00元
装帧:
isbn号码:9787503933790
丛书系列:
图书标签:
  • 丰子恺
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具体描述

《丰子恺诗画》则拟从一个方面,即从丰子恺的绘画来研究和探索他的人生历程的奥秘和艺术成就的诸多特色。绘画无疑是丰子恺艺术人生中最重要的一个领域,他的那些被冠以“漫画”之名的中国画,无意间成为中国艺术界的一个独特的创造。丰子恺的绘画作品形式多样,数量浩繁,据目前的不完全统计有四千五百幅以上,创作历程贯穿于他的一生,文献资料也十分丰富,这样,在研究中使用什么方式来分析这些资料就成为关键。丰子恺的绘画研究可以从许多方面入手:可以探索他绘画艺术的文学性;可以寻找宗教思想对他绘画的渗透;可以从他的人生经历探讨其绘画艺术的演变过程;也可以从他在吸收西画经验的同时,却又发出中国画“优胜”的声音,研究他对中西文化融合的态度,等等。这诸多的方面往往容易使研究者难以理清头绪,甚至会迷失于资料的汪洋大海之中。

《烟雨江南:宋元文人画的诗意流转》 书籍信息 书名: 烟雨江南:宋元文人画的诗意流转 作者: 钱穆(虚拟) 出版社: 翰墨轩文化 出版时间: 2023年秋 开本/页数: 16开,精装,内含120幅高清彩图,共计480页 --- 卷首语:笔墨中的“心性”与“时局” 在中国艺术史的宏大叙事中,宋元之交无疑是一个转折点。这是一个王朝更迭、士人阶层身份重塑的关键时期。如果说唐代绘画追求的是盛世的恢弘与外在的物象描摹,那么宋代的“格物致知”和元代的“遗民情结”,则将艺术的重心彻底转向了内在的精神世界与笔墨的自我表达。 《烟雨江南:宋元文人画的诗意流转》并非一部简单的断代史研究,而是试图深入探究一种“文人精神”是如何通过笔墨、题跋与空间布局,将瞬间的感悟转化为永恒的“诗意”。我们追溯的,是那条流淌在江南烟雨迷蒙水汽中的精神脉络,是士人如何在有限的宣纸之上,构建出一个既符合儒家中庸之道,又寄托道家超脱之思的理想世界。 第一部:北宋的“理”与“境”——从院体到士人初醒 第一章:理学思潮对绘画的渗透 本书首先聚焦于北宋中晚期,哲学的觉醒如何重塑了视觉文化。以范宽的《溪山行旅图》为例,我们详细剖析了画家如何运用“高、远、深”的构图法则,并非仅仅为了展现山川的雄伟,而是为了体现宇宙秩序(理)在个体生命中的投射。这种对“全景式”山水的追求,体现了士人对宇宙规律的敬畏与探求。 第二章:苏轼的“论画”与文人画的理论基石 苏轼提出的“论画以形似,见与鄙夫列;论画以神似,见与古人同”构成了文人画理论的坚实基础。本部分深入研究了苏轼、黄庭坚等人的诗文题跋,探讨了“书画同源”思想的实践路径。我们特别对比了“院体”画家的精工细描与“士人”画家的笔墨趣味,指出后者对“不求工似,但求意到”的强调,是艺术自主性解放的信号。 第三章:水墨的诞生——水墨语言的独立性探索 重点分析了文同对墨竹的创新。墨竹不再仅仅是梅兰竹菊“四君子”中的一员,而是成为士人表达气节与傲骨的载体。通过对墨色浓淡干湿的层次分析,揭示了水墨语言如何从辅助色彩的工具,转变为独立表达情感与哲思的媒介。 第二部:南渡后的“悲”与“隐”——元代艺术的精神流亡 第四章:靖康之变与画家的集体失语 南宋的建立,意味着中原故土的沦陷。这种“国破家亡”的集体创伤,深刻地影响了随后元代艺术的走向。本书认为,元代文人画的兴盛,本质上是士人“精神流亡”的艺术体现。他们无法干预时局,便将所有情感寄托于笔墨之中。 第五章:元四家的“心法”异趣 本书耗费大量篇幅,细致区分了“元四家”(黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙)在避世路径上的细微差异: 倪瓒的“荒寒之境”: 分析倪瓒作品中极简的构图,稀疏的笔墨,以及标志性的“一抹”或“两点”的留白,解读为对人世的彻底抽离与对精神洁净的极致追求。 黄公望的“平淡天真”: 探讨《富春山居图》背后的时代情绪,其看似松散却极富内在韵律感的用笔,体现了在乱世中对自然和谐的追慕。 吴镇的“墨戏”与道家趣味: 研究吴镇如何以竹石为载体,融入道家无为的思想,笔墨间充满了一种自我解嘲的豁达。 王蒙的“郁密”与情感的内蕴: 剖析王蒙作品中繁复的皴擦,认为这是情感最深沉、最复杂的表达方式,是“入世”精神在末路时的挣扎与回归。 第六章:题跋的艺术——超越画面的精神对话 在宋元文人画中,题跋的重要性几乎与图画本身并重。本章详细分析了金石学、诗歌体裁在题跋中的应用,揭示了画家如何通过文字,完成对画面的意义增补、情感宣泄,以及与同时代或古代文人的精神呼应。题跋,是文人画的“副文本”,是读者进入画家内心世界的钥匙。 第三部:意境的生成与传承——美学范式的确立 第七章:皴法的演变与“笔墨精神”的固化 本书通过图例对比,梳理了披麻皴、斧劈皴、解索皴等主要皴法的地域性与精神内涵的绑定。例如,北宋中州山水对雄强皴法的偏爱,与元代江左文人对柔和、内敛皴法的推崇之间的对立统一。这表明,特定的笔墨语言,最终成为特定的士人阶层的精神标识。 第八章:诗中有画,画中有诗——空间与时间的交织 文人画的最高境界在于“意境”的营造,即在有限的画幅中容纳无限的时间感与生命体验。我们探讨了宋元画家如何利用“散点透视”和“多重焦点”,将读者的目光从近景的“今我”引向远处的“古情”,使得山水画成为一个可供沉思的哲学空间。 结语:流转不息的文化血脉 《烟雨江南》旨在证明,宋元文人画绝非孤立的艺术现象,它是特定历史时期下,知识分子群体应对时代变局的一种高雅的生存策略和精神自救方式。它确立的美学范式,尤其是对“笔墨趣味”的推崇,成为后世中国艺术难以逾越的精神高峰。通过对这两朝艺术的细致梳理,我们得以窥见中国传统知识分子在山水之间,如何建构起一个永恒的精神家园。 本书特点: 史料扎实: 引用大量鲜为人知的元代地方志、文集片段佐证观点。 图录精美: 选取的作品均为高清放大细节图,便于研究笔墨肌理。 视角独特: 侧重于哲学思辨与社会心理学对艺术风格的影响分析。 行文流畅: 叙事兼具学术深度与文学的韵味,避免了纯粹的学术术语堆砌。

作者简介

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读后感

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可能因为美术不是我专业,“诗画”这个说法我是首次看见;但是一经提出,又是针对丰子恺的作品,立刻觉得很是贴切。 这是因为丰大师常常因诗而画、以画品诗,两者几乎不可分割。而且自王维诗画一体后,古文人画也习惯用“画中有诗”作为评价画的最高标准。所以这一称谓算是水...

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古人做画,不单是做画,还讲究诗书画印4项功夫都要好,和西方不同。 丰子恺师从李叔同,少有天赋,而且以儿童漫画而闻名海内,丰对儿童漫画的理解与众不同,他说 儿童是纯真的独立的看某个事物,不会有关联复杂的其他想法,这是很深刻的认识。 所以,看这类的文艺界的作品,...  

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古人做画,不单是做画,还讲究诗书画印4项功夫都要好,和西方不同。 丰子恺师从李叔同,少有天赋,而且以儿童漫画而闻名海内,丰对儿童漫画的理解与众不同,他说 儿童是纯真的独立的看某个事物,不会有关联复杂的其他想法,这是很深刻的认识。 所以,看这类的文艺界的作品,...  

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古人做画,不单是做画,还讲究诗书画印4项功夫都要好,和西方不同。 丰子恺师从李叔同,少有天赋,而且以儿童漫画而闻名海内,丰对儿童漫画的理解与众不同,他说 儿童是纯真的独立的看某个事物,不会有关联复杂的其他想法,这是很深刻的认识。 所以,看这类的文艺界的作品,...  

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可能因为美术不是我专业,“诗画”这个说法我是首次看见;但是一经提出,又是针对丰子恺的作品,立刻觉得很是贴切。 这是因为丰大师常常因诗而画、以画品诗,两者几乎不可分割。而且自王维诗画一体后,古文人画也习惯用“画中有诗”作为评价画的最高标准。所以这一称谓算是水...

用户评价

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我必须为这本关于极地探险中的心理韧性的书籍点赞!它绝不仅仅是一本枯燥的探险记录,更像是一部深邃的心理学专著,披着冰雪的外衣。作者巧妙地将五次著名的南极科学考察中的危机时刻进行对比分析,着重探讨了在绝对孤立、资源匮乏和持续的低温环境下,人类大脑如何维持决策能力和团队凝聚力。书中引用了大量的认知行为理论来解释为什么有些团队在面临“白化病”(一种极地特有的幻觉状态)时能保持清醒,而另一些则迅速崩溃。最让我震撼的是关于“希望的阈值”那一章,它探讨了探险家如何通过人为地设定微小、可实现的每日目标(比如成功烤熟一块面包、完成一次短距离的无线电联络)来抵抗绝望感的侵蚀。读完后,我感觉自己应对日常工作中的压力和拖延症时,都多了一种来自冰原的冷静和结构化的应对方法。

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我偶然翻阅到这本关于中亚地区游牧民族口述历史的采集报告,简直是被那种原生态的叙事力量所震撼。这本书的独特之处在于,它几乎完全放弃了书面语的修饰,最大程度地保留了受访者在用本民族语言叙述后的口头翻译痕迹。因此,我们读到的故事里充满了重复的、带有强烈情感色彩的词语和独特的比喻,比如将“漫长的冬天”形容为“被冻结的记忆之河”。作者在田野调查中展现出的耐心和共情能力令人敬佩,他花了十年时间才让那些关于古代迁徙路线和英雄史诗的记忆愿意被记录下来。这些故事里没有宏大的历史事件,只有关于水、关于牲畜、关于风暴的日常哲学,却构建了一个比任何教科书都更鲜活、更具生命力的文化景观。它让我体验到了一种久违的、接近故事最初形态的阅读感受。

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这本关于当代数字艺术与后人类哲学的对谈录,内容之尖锐和前沿,令人感到既兴奋又有些许不安。不同于市面上充斥的肤浅介绍,两位对话者——一位是资深的符号学家,一位是沉浸式编程的艺术家——展开了对“数据即生命体”这一命题的深度探讨。他们的对话充满了晦涩但又极具启发性的术语,比如“算法的幽灵”、“感知的去中心化”等等。书中对当前AI生成艺术的伦理边界进行了无情的拷问:当机器的创造性超越了人类的理解力时,我们如何定义原创性与作者身份?他们的论述风格是那种快速的、跳跃的,充满了思想的火花,仿佛在进行一场没有终点的思维马拉松。对于任何对未来媒介形态感兴趣的人来说,这本书都是一座挑战智力的迷宫,但一旦找到出口,所见的风景将彻底颠覆你对“存在”的认知。

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最近读到的这本聚焦于晚清地方士绅在西方思潮冲击下的思想嬗变,实在令人耳目一新。作者摒弃了传统宏大叙事的框架,转而采取了极其微观的视角,选取了长江流域三个不同地域的士绅家族作为切入点。他通过挖掘大量的私人信函、日记甚至族谱中的细微记载,构建了一个极其立体且充满矛盾的人物群像。例如,书中对一位苏州士绅在面对铁路修建时,既担忧传统耕作体系崩溃,又对其带来的商业便利感到兴奋的复杂心境的描摹,极其精准地捕捉到了那个转型期知识分子内心的撕裂感。语言上,作者的行文风格是那种冷静、克制的学术叙事,但字里行间又流淌着对个体命运的深切关怀,没有简单的道德审判,只有对历史局限性的深刻理解。这本书迫使我重新审视那些被简化为“保守”或“开明”的标签,认识到历史人物选择的每一步都充满了艰难的权衡与取舍。

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这本关于古籍修复的著作,简直是为我这种对手工艺和历史痴迷的读者量身定做的。作者以一种近乎虔诚的态度,深入剖析了宋代手抄本的装帧工艺,从纸张的选材、墨色的调配,到线绳的编织和封面材质的选择,每一个环节都被他用细腻到令人发指的笔触描绘出来。我尤其欣赏其中关于“虫蛀与水渍的痕迹美学”的章节,他并不将这些残损视为单纯的破坏,而是将其视为时间留下的独特印记,是书籍“生命历程”的一部分。阅读过程中,我仿佛能闻到纸张在古籍修复室中散发出的特有的陈旧气味,感受到修复师指尖触碰到脆弱羊皮纸时的那种敬畏。书中大量的实物照片和详细的技术图解,使得那些晦涩的修复术语变得清晰易懂,即便是对外行人来说,也能从中领略到传统工艺的精妙与不易。看完这本书,我不再仅仅是“看”书,而是开始“触摸”书背后的历史与匠心,对每一本旧书都多了一层由衷的敬意。

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一份劣质的作业

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生硬

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看画而已。感觉是论文?没意思。

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一份劣质的作业

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看画而已。感觉是论文?没意思。

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