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出版者:荣宝斋出版社

作者:孙本胜 绘

出品人:

页数:95

译者:

出版时间:2005-1

价格:268.00元

装帧:精装

isbn号码:9787500307839

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
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瀚海拾贝：近现代中国水墨艺术精粹 一、 引言：时代洪流中的笔墨传承 本书并非聚焦于任何特定画家的个人作品集，而是致力于梳理和展现近现代中国水墨画在剧烈社会变革与中西方文化交融背景下所经历的独特演进脉络。我们精选了自晚清至二十世纪中叶这一关键历史阶段中，那些在水墨语言探索上具有开创性和代表性的艺术家的作品，旨在勾勒出一幅宏大而细腻的时代画卷。 这幅画卷中，既有坚守文人画传统、试图在旧有范式中寻求突破的“守正者”，也有大胆吸收西方写实主义、印象派乃至立体主义光影与结构观念，尝试“以西润中”的“革新者”。本书通过对不同地域、不同流派艺术家的并置比较，探讨了中国水墨艺术如何在坚守民族精神内核的同时，完成了对自身语言体系的现代性重塑。 二、 卷首篇：清末的挣扎与转机 清朝覆灭前后，传统士大夫阶层对艺术的赞助模式瓦解，画家的生存环境和艺术使命面临根本性挑战。本卷精选的早期作品，体现了对传统笔墨语言的深刻反思。 2.1 岭南画派的地域性创新： 重点收录了早期岭南画派代表人物，如“二高一陈”（高剑父、高奇峰、陈树人）在吸收日本绘画的“院体”工笔重彩技法，与传统写意水墨进行融合的尝试。其作品色彩更为鲜明，题材更贴近现实生活，打破了传统“笔墨当随时代”的僵局。例如，在花鸟题材上，他们大胆引入了西方的透视和光影概念，使传统的双勾填彩焕发出新的生命力。 2.2 陆俨少与早期的“新山水”尝试： 在传统文人画的鼎盛期末尾，陆俨少等画家便已开始对传统山水画的皴法和布局进行结构性的调整，为后来的现代山水画探索奠定了基础。本部分将展示其早期作品中，如何在保持笔墨韵味的同时，开始注重画面的空间深度和体量感。 三、 中坚力量：二十世纪上半叶的并蓄与融合 二十世纪二十年代至五十年代是中国现代艺术教育体系初步建立的时期，艺术院校的设立和留洋艺术家的回国，使得中西方艺术的交流达到了前所未有的深度。 3.1 沪上画坛的“海派”精神延续与发展： 上海作为文化熔炉，承接了清末“四王”的余绪，同时也迅速吸收了西方现代思潮。本部分侧重展示那些在传统基础上进行“意象”提炼的画家。例如，一些在人物画领域，开始运用解剖学知识，使传统仕女形象更具人体美学特征，而非仅仅是符号化的表达。在山水画方面，则注重通过墨色的浓淡变化来营造强烈的心理氛围，而非单纯的写实描摹。 3.2 北方画坛的写实与写意之辩： 北方画坛，尤其是京津一带，对写实精神的引入更为直接。本节展示了如何将素描的结构和体块感融入到水墨的线条之中。重点关注那些致力于“描绘祖国山河壮丽”的画家，他们的作品中，山石的肌理感和树木的生命力，是通过对传统笔墨语汇的“增量”改造而实现的。笔法不再局限于传统的披麻皴、斧劈皴，而是发展出更具个人情感色彩和结构力量的新皴法。 3.3 徐悲鸿体系对水墨人物画的革新： 尽管徐悲鸿本人以油画闻名，但他对中国画的“造型能力”的强调，深刻影响了一代水墨人物画家。本部分着重展现那些在继承传统白描功底的基础上，引入了西方人体结构、动态捕捉技巧的作品。人物的比例、肌肉的起伏、眼神的穿透力，都体现了对“写实”的尊重，打破了传统人物画过于程式化的倾向。 四、 转型中的文人画：精神的回归与语汇的简化 在艺术思潮不断涌入的同时，一部分画家选择将焦点重新收回到水墨本体的哲思上，试图在极简的笔墨中探寻永恒的东方哲学。 4.1 笔墨的“减法”美学： 本部分收录的作品体现了一种“化繁为简”的趋势。画家们开始有意识地剔除冗余的笔触和繁复的细节，用最凝练的墨线和最少量的皴擦来暗示物象的本质。这种对水墨“气韵”的极致追求，往往使得画面具有强烈的留白和节奏感，体现了中国哲学中“虚实相生”的理念。 4.2 花鸟画中的写意升华： 在花鸟题材上，此阶段的画家不再满足于对具体物种的精细描摹，而是将其作为表达个人情志的载体。例如，对竹子的描绘，不再仅是文人寄托气节的象征，而是通过墨色的干湿浓淡，表现出风雨中独立、生命力蓬勃的瞬间状态。这种强调“主观感受”的写意，是向现代艺术中“表现主义”倾向的一种东方回应。 五、 结语：水墨现代性的多维图景 本书汇集的作品群像表明，近现代中国水墨艺术的发展并非单一线性演进，而是在继承、批判、吸收、创新的多重张力下，构建了一个丰富多元的现代图景。它既是民族文化自觉的产物，也是全球艺术对话的成果。通过这些不同流派、不同探索方向的杰出范例，读者可以清晰地看到，水墨艺术如何完成了从传统宫廷审美和士大夫清玩到面向大众、面向世界的现代艺术语言的艰难而伟大的转型。这些作品共同构成了我们理解中国现当代艺术史不可或缺的基石。

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这本画集简直是视觉的盛宴！每一页都充满了对光影和色彩的独特理解。作者在处理人物肖像时，那种微妙的眼神捕捉和瞬间的情感定格，让人感觉仿佛能听到画中人物的心声。尤其是那些风景画，笔触时而奔放如狂风骤雨，时而又细腻得像晨曦中的露珠，让人在欣赏的过程中，不断地被带入到不同的时空和情绪氛围之中。我特别喜欢其中几幅以传统水墨为基础，却融入了现代构成理念的作品，那种古韵与新潮的碰撞，产生了一种令人耳目一新的视觉冲击力。装帧设计也十分考究，纸张的质感和印刷的色彩还原度都达到了极高的水准，即便是最微小的细节，也能清晰可见，足见出版方的用心。对于任何热爱艺术、追求审美极致的读者来说，这本画集无疑是收藏级的珍品，它不仅仅是画作的集合，更像是一部无声的艺术史诗，值得反复品味和摩挲。

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我必须赞叹一下这本画集的装帧设计，它本身就是一件值得研究的艺术品。外封选用的材质有一种独特的触感，温润而不失力量，与内容作品的整体基调非常匹配。内页的纸张选择也极为考究，不同题材的作品使用了略有差异的纸张，比如水彩部分采用了略带纹理的哑光纸，而深色调的油画则使用了更厚重、吸光的纸张，这种细微的调整，确保了每一种媒介的最佳呈现效果。排版上，它没有采用那种呆板的网格式布局，而是根据单幅画作的幅式和内容，进行了灵活的错落和组合，使得整本书的翻阅体验如同在参与一场精心设计的视觉漫步。这种对细节的极致追求，让这本画集从内到外，都散发着一种低调而奢华的艺术气息，让人爱不释手。

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初翻开这本书的时候，我被那种强烈的叙事感所震撼。这些画作，不像许多纯粹追求形式美的作品那样高冷疏离，它们似乎都藏着一个跌宕起伏的故事。比如那组描绘市井生活的速写，寥寥几笔，却将人物的疲惫、喜悦、甚至是不为人知的辛酸刻画得入木三分，充满了人间烟火气。我甚至能想象出那些场景当时发出的声响，闻到空气中的味道。再往后看，那些抽象表现主义的作品，虽然形式更加自由奔放，但其内在的情感脉络依然清晰可辨，像是艺术家内心深处一次次情绪的爆发与和解。这本书的编排很有章法，从早期的写实摸索到后期的风格成熟，清晰地展示了一条艺术家的成长轨迹，这种内在的逻辑性，让欣赏过程变得更有启发性，远超一般画册的简单堆砌。

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这套画集带给我一种非常深沉的哲学思考。艺术家对于“存在”和“消逝”主题的探讨，贯穿了整部作品集。尤其是在描绘自然景观的那几个系列中，他似乎总是在追问，时间如何作用于万物？那些看似坚固的岩石，在画家的笔下，仿佛正在缓慢地风化、崩解；而那些转瞬即逝的光影，却被他用近乎永恒的方式凝固了下来。这种对时间性的把握，非常高明。我个人觉得，这本书的价值不仅在于展示了高超的绘画技巧，更在于它提供了一种观看世界的独特视角——一种既深情又超然的凝视。读完之后，我感觉自己对日常生活中的那些微小瞬间，都多了一层敬畏之心，像是被艺术家的目光重新洗涤了一遍。

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说实话，我一开始对这类画集抱持着一种观望的态度，总觉得艺术家的作品很难被一个平面媒介完美复制。然而，这本书彻底颠覆了我的认知。最让我惊喜的是它对肌理感的呈现。我拿起放大镜仔细看过几幅油画作品的局部复制，那些颜料堆叠的厚度、笔刷扫过的痕迹，甚至是画布本身的纹理，都得到了惊人的保留。这使得即便是静态的印刷品，也能传达出原作的“物质性”。此外，画集中的留白处理也极其巧妙，它没有将画面塞得满满当当，而是通过适当的空白，让每一幅作品都有了呼吸的空间，这极大地提升了阅读的舒适度和作品本身的艺术张力。它像一个安静的画廊，让你有时间驻足，去感受每一块色彩背后的重量与温度。

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