余笑予谈戏 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国戏剧出版社

作者:余笑予

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2018-1

价格:48.00

装帧:平装

isbn号码:9787104025207

丛书系列:

图书标签:

• 戏曲
• 京剧
• 余笑予
• 艺术
• 文化
• 表演
• 戏迷
• 传统文化
• 文学
• 评论

好的，以下是为您创作的一篇关于一本未包含《余笑予谈戏》内容的图书简介，力求详实生动，风格自然流畅。 --- 《星海拾遗：二十世纪中国电影的幕后与银幕》 内容提要 本书并非聚焦于某一特定艺术门类的深入剖析，而是一部宏大而细致的梳理二十世纪中国电影发展脉络的影像史画卷。它以一种独特的视角，将镜头对准了那些在历史洪流中熠熠生辉却又时常被叙事边缘化的个体命运、技术革新与美学探索。全书分为四个主要部分，通过大量解密的档案资料、未曾公布的访谈手稿以及对老一辈电影工作者的口述史整理，力图还原一个立体、鲜活且充满矛盾与张力的中国电影黄金时代。 第一部分：光影的拓荒者——默片时代的先声与挣扎 本部分深入探讨了自二十世纪初，中国电影如何从西方传入的“西洋镜”逐步发展成为具有民族身份认同的艺术形式。重点描绘了上海、北京等地早期电影制片厂的建立过程，他们如何在缺资金、少设备、技术人员匮乏的困境中，试图模仿好莱坞的叙事结构，同时又植入本土的伦理道德和古典文学的意境。我们详细考察了张石川、郑正秋等先驱者在有声电影尚未普及的年代，如何运用默片的肢体语言和字幕艺术，成功塑造出具有里程碑意义的经典形象，例如《孤儿之花》的社会关怀视角，以及早期武侠片的浪漫主义想象。同时，也剖析了商业资本如何介入电影制作，以及审查制度对早期内容创作的微妙影响。这部分力求展现的是一种在模仿、学习与自我构建之间摇摆的“拓荒精神”。 第二部分：战火中的剪辑——十七年（1949-1966）的现实主义与抒情诗 新中国成立后，电影被赋予了强烈的教育与宣传使命。本卷着重分析了这一时期，电影艺术如何在中国特定社会语境下进行自我调适与升华。我们摒弃了对政治口号的简单复述，转而关注那些在“主流叙事”下被小心翼翼保留下来的个体情感的流动。从“十七年”的经典之作中，本书精选了《白毛女》《上甘岭》等影片的幕后故事，不仅仅关注其主题思想，更深入剖析了导演如王进、林杉在处理宏大叙事时，如何在人物内心世界和革命浪漫主义之间寻求平衡的艺术手法。特别值得一提的是，本部分细致梳理了长春电影制片厂在这一时期对东北风光的运用，以及他们如何构建“新中国人”的银幕形象，展示了那个时代摄影师们如何将写实主义的镜头语言打磨得如同抒情诗一般。我们对当时的剪辑规范和配乐风格进行了细致的风格比对研究。 第三部分：转折的年代——探索、实验与文化断裂（1977-1989） “文革”结束后，中国电影迎来了史上最富创造力的“解冻期”。本部分是全书篇幅最厚重的一章，核心在于剖析“伤痕电影”的出现如何标志着集体记忆的初步松动，以及以谢晋为代表的导演们如何重拾对复杂人性的关注。我们不仅讨论了《牧马人》《芙蓉镇》等作品引发的社会反响，更重要的是，深入探讨了第五代导演群体（如张艺谋、陈凯歌）在走出校园后，如何将西方电影理论与中国本土的视觉文化（如黄土高原的美学意象）相结合，创作出具有强烈视觉冲击力和哲学思辨性的作品。本部分详细记录了早期北影厂和西影厂在题材审批上的微妙变化，以及年轻一代摄影师和美术指导如何在有限的资源下，开创出全新的布景风格和场面调度。这部分强调了技术（如彩色胶片的使用、后期冲印工艺的改进）对美学风格转型的决定性作用。 第四部分：走向世界与内部对话——商业化浪潮下的电影生态（1990-2000） 进入九十年代，市场经济的冲击彻底改变了电影的生产模式。本书不再单纯关注艺术成就，而是将镜头对准了电影工业化的雏形——制片人制度的萌芽、院线改革的尝试，以及商业大片概念的首次引入。我们对冯小刚的“贺岁片”现象进行了社会文化分析，探讨了其如何填补了大众娱乐的空白；同时，也审视了第六代导演在地下或半地下状态下，对都市边缘人群和个体生存状态的真实记录与反思。本部分还特别收录了对多位资深宣发人员的访谈，揭示了电影海报设计、预告片制作等商业环节如何成为影响观众决策的关键因素。最后，本书以对世纪之交中国电影“本土性与全球化”的辩论为总结，探讨了中国电影在确立自身艺术身份的同时，如何与好莱坞叙事体系展开复杂且充满张力的对话。 --- 本书的独特价值 《星海拾遗》的价值在于其“去中心化”的叙事策略。它避开了教科书式的、对“主流”成就的线性赞美，而是专注于挖掘历史的褶皱：那些被忽略的配角演员的贡献、未能通过审查的剧本的内涵、以及技术人员在光影魔法背后的辛勤汗水。本书通过跨越七十年历史的深入研究，力求提供一个多维度的观察框架，帮助读者理解中国电影如何在社会变革、技术迭代和美学理想的驱动下，一步步塑造出我们今日所见的银幕景观。它不是一部关于理论的学术专著，而是一部充满故事和细节的“现场记录”。 目标读者： 电影史研究者、资深影迷、文化史爱好者，以及所有对二十世纪中国社会转型有深厚兴趣的读者。 关键词： 中国电影史、二十世纪影像变迁、默片时代、现实主义美学、第五代探索、电影工业化。

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最近读了一些关于古典文学的书籍，总觉得有些理论太过晦涩，读起来需要耗费大量的精力去揣摩作者的用意。而这本新得的书，从目录上看，似乎更倾向于一种亲近读者的叙述方式，这一点让我非常期待。我希望它能像一位经验丰富的向导，带着我穿梭于那些看似遥远的历史场景之中，而不是一味地抛出艰深的术语。我关注的焦点是，作者如何平衡学术的严谨性与大众的可读性，毕竟，真正的智慧应该能够用清晰明了的语言表达出来。如果它能成功做到这一点，那无疑是一本值得反复品味的佳作。

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这本书的装帧设计实在是太吸引人了，那种沉稳又不失典雅的气质，光是放在书架上就觉得是一种享受。纸张的质感也非常好，拿在手里沉甸甸的，翻阅时那种沙沙的声响，让人有一种阅读的仪式感。我特别喜欢封面那种留白的艺术，不多加渲染，却能让人在凝视中体会到一种深邃的意境。虽然我还没有深入阅读内文，但仅仅从外在的呈现来看，就能感受到作者对文化和艺术的敬畏之心。这种对细节的极致追求，往往预示着内容也必然是经过精心打磨的精品。拿到手里的时候，我甚至有些舍不得翻开，生怕弄皱了哪个不起眼的角落，这大概是爱书之人独有的矛盾心理吧。

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从这本书的整体排版和字体选择上，就能感受到一种对传统美学的尊重。那种宋体的优雅，在现代印刷技术下依然能散发出古朴的韵味，使得长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。很多出版物为了追求新潮，会使用一些过于花哨的字体，反而喧宾夺主，让人无法专注于文字本身。这本书显然没有犯这种错误，它深谙“内容为王”的道理，将视觉元素服务于文本，而非与之对抗。这种克制而有力的设计语言，让人对书中蕴含的知识体系抱持着极高的信心。

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这本书的定价相对适中，但从其装帧的精良程度来看，无疑是物超所值的。这让我联想到当下出版市场中，一些粗制滥造的作品，往往只是蹭着热点，内容空洞，却标以高价。而这本书，散发着一种“匠人精神”的气息，仿佛每一页的装订，每一个墨点的清晰度，都经过了细致的考量。这种对品质的坚持，是对读者时间投入的尊重。我喜欢这种“慢工出细活”的出版物，它们在快节奏的时代里，提供了一个可以慢下来沉思的载体。

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我是一个对艺术史脉络发展特别好奇的读者，尤其关注不同历史时期艺术观念是如何相互影响、迭代演进的。这本书的篇章划分似乎提供了一个很好的梳理框架，我猜想它会以一种非线性的方式，将那些散落在历史长河中的珍珠串联起来。我尤其关注作者是如何处理那些转折点和争议性话题的，是选择回避，还是深入剖析？如果能看到对不同流派思想碰撞的细腻描摹，那这本书的价值将大大提升。期待它能提供一些新鲜的视角，让我对既有的认知产生一次愉快的冲击。

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