香港視覺藝術年鑑1999

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出版者:香港中文大學
作者:莫家良
出品人:
页数:366頁
译者:
出版时间:2001年1月
价格:HK$200
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具体描述

本書是香港有史以來第一本有關視覺藝術的年鑑,在內容上分為「專題論述」及「視藝記事」兩部分,前者收載專論文章,對不同的視藝課題作出學術性的討論,後者則記錄視藝資料,包括公眾議題、展覽、講座、獎項、交流、拍賣、教育及論著等,以展示1999年香港視藝的發展與成果。除了具有資料保存與檢索的作用外,本年鑑亦為將來香港藝術史研究的重要參考依據,並意味著促進香港視藝發展已成為了一項長期性的工作。

《香江光影流转:2000年前后香港文化图景》 导言:时代的转折与艺术的脉动 进入新世纪前夕的香港,正处在一个复杂而充满活力的历史节点。亚洲金融风暴的余波未平,主权移交带来的身份认同探讨持续深化,全球化浪潮与本土意识的碰撞日益激烈。在这样一个宏大背景之下,视觉艺术——作为社会情绪最敏锐的载体之一——展现出惊人的适应能力与创造力。《香江光影流转:2000年前后香港文化图景》并非简单回顾某个特定年份的艺术事件,而是试图勾勒出跨越世纪的十年间(约1995年至2005年),香港视觉文化生态的全面变迁、主要思潮的涌动,以及艺术家群体如何通过镜头、画布、装置与公共空间,对“香港”这一概念进行再定义与再书写。 本书的焦点集中于那些推动香港视觉艺术走出传统藩篱,走向更广阔国际视野的关键力量。我们不会局限于单一艺术媒介,而是采取一种跨学科的视角,深入剖析摄影、新媒体艺术、电影美学(特别是独立电影的崛起)、以及当代装置艺术在这一时期的独特面貌与内在逻辑。 第一章:身份的重构与空间的焦虑——后殖民语境下的创作转向 1997年的回归,对香港艺术家而言,不仅是政治事件,更是一场深刻的文化地震。这种“身份焦虑”并非简单的民族主义回归,而是在全球资本流动与本土文化保留之间寻找微妙平衡的复杂过程。本章将重点探讨: 1. 历史的“他者化”: 研究艺术家如何利用档案、旧照片与城市遗迹,对殖民历史和“前世今生”进行批判性重访。重点分析几位重要摄影师如何解构官方叙事,重塑市民记忆中的香港空间。例如,那些关注九龙城寨拆迁后遗留的“空位”和“记忆碎片”的作品群落。 2. 城市地理学的视觉语言: 城市化进程的加速,使得香港的“密度”和“垂直性”成为一种独特的视觉符号。本章分析了新一代装置艺术家如何运用工业材料、霓虹灯残片以及高密度模型,来表达个体在超级都市中的迷失感、疏离感与微观的反抗。这里,抽象表现主义在香港语境下的演变,与对“公共领域”被蚕食的焦虑紧密相连。 3. 本土意识的觉醒与“草根美学”: 关注那些深入街巷,捕捉市井文化、饮食文化以及粤语流行符号的视觉实践。这并非怀旧,而是一种主动的文化建构,试图在国际化的艺术市场中,确立一种无法被模仿的“香港性”。探讨早期独立杂志和艺术团体如何通过低成本、高效率的传播方式,构建自身的文化话语权。 第二章:技术迭代与媒介实验——新媒体艺术的萌芽与挑战 进入新千年,数字技术的普及对香港视觉艺术的实践产生了颠覆性的影响。计算机图形学、互联网接入以及早期数字摄影的成熟,为艺术家提供了前所未有的工具和画布。 1. “赛博香港”的想象: 本章考察了香港艺术家如何回应全球对“网络社会”的想象。不同于欧美着重于信息爆炸的宏大叙事,香港的新媒体艺术更关注“连接的断裂”、“虚拟与现实的叠加错位”以及早期网络社区的亚文化形态。几位早期投身于互动装置和影像拼贴的先驱者,他们的作品如何预示了后来的“信息过载”美学。 2. 影像的边界拓展: 电影作为香港的文化强项,在这一时期也经历了深刻的内在变革。独立电影制作人开始尝试摆脱传统商业叙事的框架,探索更具实验性的影像语言。探讨纪录片在政治敏感时期的角色转换,以及实验性短片如何利用录像带的粗粝质感,来表达对主流文化的疏离与反思。 3. 艺术教育与国际接轨的张力: 分析了各大艺术院校在课程设置上,如何快速吸纳国际当代艺术的最新思潮(如观念艺术、行为艺术的复兴),以及这种“外来思潮”在本土实践中产生的摩擦与融合。探讨了本土艺术生态在资源、展览空间等方面,如何与日益增长的创作需求相抗衡。 第三章:艺术家的“在场”——公共艺术与身体介入 在空间被高度商品化的香港,艺术家对“公共性”的争夺变得尤为重要。本章聚焦于那些将艺术创作延伸至非传统场域的作品。 1. 行为艺术的地下崛起: 尽管行为艺术在香港的官方展览空间中常受制约,但在亚文化聚集地和特定纪念日,艺术家们通过身体的“在场”,对社会事件和规范进行直接的介入与挑战。分析了几次具有争议性的公共身体表演,及其在当时媒体和公众舆论中引发的讨论。 2. 临时性装置与城市干预: 探讨艺术家如何利用商场中庭、废弃空间乃至交通设施进行短期的视觉干预。这些作品往往具有强烈的时效性和不可复制性,它们挑战了艺术品的永恒性观念,并将艺术体验重新拉回到日常生活的偶然遭遇之中。 3. 画廊生态的多元化: 除了老牌的商业画廊,独立艺术空间和画廊在这一时期迎来了快速发展期。这些非营利或半商业空间成为了先锋艺术得以展示和讨论的重要平台,它们的服务对象不再仅仅是收藏家,而是更广泛的、对本土文化议题感兴趣的知识分子和市民。 结语:面向未来的视觉遗产 《香江光影流转:2000年前后香港文化图景》总结了这一时期香港视觉艺术对“东方之珠”这一标签的拒绝与重塑。它不仅仅是艺术史的梳理,更是一份关于城市精神状态的视觉档案。这些在世纪之交所孕育的艺术实践,为后续二十年的香港艺术发展奠定了基础,其对身份、空间和技术的探索,至今仍具有深刻的启发意义。本书意图让读者理解,在看似喧嚣繁华的表象之下,香港的视觉文化是如何以其特有的韧性与批判性,记录并参与了这座城市的关键转型。

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翻开这本沉甸甸的年鉴,脑海中浮现的不是枯燥的目录或数据,而是一连串鲜活的画面和强烈的时代情绪。它犹如一面棱镜,折射出九七回归前后,香港社会那种微妙而复杂的文化心理张力。那些文字和图像的排列组合,无声地诉说着艺术家们如何面对身份的转变、全球化的冲击,以及本土传统的重新诠释。我特别欣赏其中对某些关键事件或思潮的侧重分析,那种抽丝剥茧、深入肌理的笔法,使得原本晦涩难懂的艺术语境变得清晰可辨。它没有用空泛的赞美来覆盖现实的困境,而是直面了当时艺术生态中的挑战与机遇,展现了一种批判性的关怀。这种厚重的历史感和现场感交织在一起,让人感觉手中握着的不仅是一本书,更是一份珍贵的口述史料,它记录了“那时我们在这里”的真实印记,是研究香港当代性不可或缺的基石。

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这部年鉴的价值,在于它构建了一个极具参照性的时间切片。它并非单纯罗列成果,而是力图描摹一个生态系统的运作模式——从资助机构的取向,到画廊的生态变迁,再到评论界的焦点转移,无一不被纳入其考察范围。这使得它具备了超越单一艺术门类的综合性视野,仿佛是上帝视角下的鸟瞰图,让观者得以清晰地分辨出不同力量之间的相互作用与制衡关系。这种宏观的架构能力,尤其令人赞叹,因为它要求作者不仅要精通艺术本身,还要对社会学、文化政策有深刻的理解。我能感受到其中对“地方性”和“全球性”之间微妙拉锯的关注,这正是那个时期香港文化身份建构的核心命题。它提供的详实数据和深入分析,为我们理解香港如何在全球艺术版图中定位自己,提供了无可辩驳的实证基础。

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这部著作初读之下,便觉其气象万千,仿佛一卷铺陈开来的时代画卷,虽然内容本身我未能详述,但其散发出的那种对特定年份艺术生态的深刻洞察力,着实令人敬佩。它不仅仅是一部简单的记录汇编,更像是一份对当时香港视觉艺术脉络的“体检报告”,细致入微地捕捉了那些流光溢彩的瞬间与那些隐秘生长的力量。阅读的过程中,我能清晰地感受到作者团队在梳理海量资料时所付出的巨大心血,那种对细节的执着,使得即便是最微小的展览、最边缘的艺术家,似乎都在其中找到了自己的精确坐标。这种系统性的梳理,为后来的研究者提供了极其宝贵的“锚点”,让我们可以跳脱出零散的印象,构建起一个更为稳固的年代艺术史框架。它对媒介的广度收录,也体现了当时艺术界多元共生的格局,无论是学院派的严肃探讨,还是街头巷尾的实验之声,都被纳入了观察的范畴,展现出一种海纳百川的气度。

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阅读这部作品,我获得的不仅仅是知识的积累,更是一种对时间流逝中艺术生命力的深刻体悟。它用一种近乎考古学家的细致,将一个特定年份的艺术“琥珀”完整地保存了下来,每一个细节都闪烁着那个时代特有的光泽。它所呈现的艺术景观是立体而多维的,没有将艺术视为真空中的纯粹创造,而是置于具体的社会、经济和政治土壤之中进行考察。这种扎根于现实的艺术史书写方式,赋予了它极强的生命力和说服力。即使是今天回望,那些记录下的挣扎与探索,依然能引发强烈的共鸣,证明了优秀的艺术记录具有穿越时空的力量。对于任何想深入理解上世纪末亚洲都市艺术变迁的人来说,这部年鉴无疑是打开那扇“特定之门”的关键钥匙,其详尽与深邃,值得反复品味和参照。

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从装帧的质感到内容的排布,这部年鉴都透露出一种严谨的学术态度,但其叙事手法却丝毫没有让人感到沉闷。相反,它成功地将严肃的记录与生动的“故事性”结合起来,让非专业人士也能从中领略到视觉艺术的魅力与深意。我尤其注意到它对于展览和创作背景的详尽描述,这远超了一般年鉴的范畴,它仿佛在引导读者进入每一个创作现场,去体会创作者彼时的心境与环境限制。这种“沉浸式”的阅读体验,极大地提升了对艺术作品的理解深度。它不仅仅是告诉我们“发生了什么”,更重要的是探究了“为什么会这样发生”,这种对“缘起”的追问,是真正有价值的艺术史工作。每当我合上书页,脑中总会留下一些耐人寻味的片段,促使我主动去搜寻那些被提及的艺术家和作品,这种对读者思维的激活作用,是许多其他参考资料所无法比拟的。

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