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出版者:香港中文大學藝術系

作者:莫家良

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页数:671

译者:

出版时间:2006年12月

价格:HK$300

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• 有很多可鉴赏性研究课题
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《当代香港艺术的脉动与探索：2004-2005年度艺术图景综述》 引言：时代的切片与艺术的呼吸 本书聚焦于2004年至2005年间，香港当代视觉艺术领域所经历的深刻变化、蓬勃发展与多元探索。这一时期，香港正处于一个关键的转型阶段，全球化、本土身份的重塑以及新媒体技术的冲击，共同构成了艺术家们创作的沃土与挑战。本书旨在系统梳理和深入剖析这一年度内，本地艺术生态的关键事件、重要展览、崛起的新锐力量，以及贯穿始终的主题思潮，为研究者、策展人及艺术爱好者提供一份详尽的文献记录与深度分析。我们试图捕捉的，不是静态的成就列表，而是艺术在时间河流中流动的真实轨迹。 第一部分：年度重要展览与机构动态 1. 大型双年展与国际对话的深化 2004至2005年，香港作为连接东西方的桥梁地位愈发凸显，多个国际性展览的举办，不仅提升了本地艺术的能见度，也促使艺术家们与更广阔的全球语境进行对话。本部分将详细回顾在香港会议展览中心、M+前身机构（或相关试水项目）以及由私人美术馆主办的年度盛事。重点分析这些大型展览如何平衡“国际视野”与“本土声音”，探讨策展策略如何引导观众对身份、历史和城市化议题的再思考。特别关注那些首次将特定议题（如生态危机或后殖民批评）引入香港语境的展览。 2. 公立与半公立机构的角色转型 香港艺术馆、香港文化博物馆等公立机构在这一年度中，除了承担传统的美术史梳理工作外，开始更积极地介入当代艺术的推广与实验。分析其在支持本地驻留项目、策划具有强烈社会关怀主题的展览方面的表现。同时，梳理同期内由政府资助的艺术团体，如西九文化区早期筹备阶段对艺术社群的影响，以及对独立艺术空间的间接或直接支持力度变化。 3. 独立空间与地下文化的勃兴 当代艺术的生命力往往根植于非主流和实验性的场域。本章将深入考察在油麻地、深水埗等非核心商业区涌现的独立画廊、艺术家工作室群落（如某些旧工业大厦的改造尝试）以及临时性艺术空间（Pop-up Galleries）的生态。重点分析这些空间如何提供了一个逃离商业逻辑和主流话语的庇护所，以及它们在推动前卫艺术实践、如声音艺术、行为艺术等边缘形式上的贡献。 第二部分：媒介的演变与创作的焦灼 4. 绘画的坚守与新的叙事载体 尽管影像和装置艺术日益强势，但2004-2005年的香港艺术圈依然见证了具象绘画与抽象绘画的强劲复苏。本部分将分析几位中生代画家的技法革新，他们如何将传统水墨的笔法融入当代油画的语境，或以超现实的手法描绘都市的疏离感。同时，探讨年轻一代艺术家如何利用数字技术对传统绘画进行“解构”和“重组”，例如在数字打印基础上进行的二次干预。 5. 装置艺术与空间的对话 装置艺术在这一时期成为表达复杂社会关系和哲学思考的有力工具。我们详细考察那些利用回收材料、工业废料或特定场域（Site-specific）进行创作的艺术家。分析他们如何通过构建沉浸式环境，邀请观众参与到对城市空间、记忆遗失和身份碎片化的体验中。例如，某位艺术家利用霓虹灯管重构旧日香港的街景，以此探讨商业资本对文化景观的吞噬。 6. 影像艺术与新媒体的介入 录像艺术和早期数字艺术在香港的接受度显著提高。本部分探讨艺术家们如何运用DV技术捕捉日常生活的片段，并将其编辑成带有强烈批判色彩的纪录片式作品。分析他们对“真实”的质疑，以及对网络文化、电子游戏等新兴媒介的借鉴。关注几位在国际录像艺术节上崭露头角的本地创作人。 第三部分：核心主题的深度剖析 7. 身份的重构：在“中国”与“香港”之间 “身份认同”依然是这一时期最核心的议题。分析艺术家们如何应对回归后日益复杂的身份政治，探讨“后殖民焦虑”如何转化为创作动力。这包括对香港集体记忆（如六七暴动、英治时期的符号）的再挖掘，以及对语言（粤语、普通话、英语的混杂）在身份建构中的作用的探讨。 8. 城市化进程中的景观与异化 香港的高密度城市景观是取之不尽的灵感源泉。本章研究艺术家们如何记录和批判城市重建、土地稀缺以及生活空间被压缩的现实。重点分析那些关注“边缘空间”（如天台屋、非法僭建、废弃工厂）的作品，这些作品通常是社会不平等最直观的视觉表达。 9. 全球化下的文化商品与本土价值 随着香港艺术市场与国际资本的进一步接轨，本土艺术的“可商品化性”成为一个隐性的创作主题。本部分剖析艺术家们如何故意使用或颠覆大众文化符号、流行偶像或商业广告的元素，以此探讨文化资本的流转与本土艺术价值的坚守之间的张力。 结语：未竟的对话与未来的前瞻 2004至2005年是香港艺术界在内省与外放之间寻找平衡的关键时期。艺术家的作品不再满足于简单的记录或怀旧，而是转向了更具哲学思辨性和社会介入性的探索。本书的梳理，旨在为后续的艺术史研究提供坚实的基础，理解正是这些看似零散的探索与挣扎，塑造了香港当代艺术此后十年的面貌。

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这本书的装帧和排版设计本身就透露出一种九十年代末至千禧年初特有的、略显保守但极其严谨的风格。内页的留白不多，信息密度极高，几乎每一英寸都被文字和图片填满。这使得阅读过程需要极大的专注力，你无法像浏览轻快读物那样快速滑动过去。我花了很长时间才慢慢消化完其中关于某个特定装置艺术的文字分析，那篇分析的逻辑链条非常长，引用了大量的哲学和文化理论，对于习惯了碎片化阅读的我们来说，确实是个不小的挑战。然而，正是这种挑战性，让我体会到当年艺术家和评论人对待创作的认真程度。那种“慢工出细活”的学术态度，在如今这个追求即时反馈的圈子里，显得尤为珍贵。它不迎合大众的口味，它只忠实地记录和分析，这本身就是一种姿态。

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这本厚重的年鉴，拿到手里沉甸甸的，光是封面设计就透着一股严肃的学术气息，那种带着点磨砂质感的纸张，让人忍不住想多翻阅几页。我原本对香港的当代艺术圈子了解不多，总觉得那片土地上的艺术更偏向商业和快速消费，但翻开这本2005年的记录，才发现自己错得离谱。它像一个时间胶囊，把那一年的各种展览、艺术家的动态、重要的评论文章，甚至是那些转瞬即逝的艺术活动，都一丝不苟地整理归档了。特别是那些对新兴艺术形式的探讨，虽然是十多年前的文字，读起来却有一种独特的历史回响，让人不禁思考，在那个时间点，香港的艺术界到底在焦虑着什么，又在憧憬着什么。翻阅过程中，我特别留意了那些展览的图录部分，虽然印刷质量无法与今天的超高清画册相比，但那种朴实的记录感，反而让我更能感受到作品在特定空间下被呈现的原始状态。对一个非科班出身的艺术爱好者来说，这本年鉴提供的背景信息量是巨大的，它不仅仅是作品的展示，更像是一部关于时代精神的侧写。

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说实话，我买这本书纯粹是出于一种“补课”的心态，想弄清楚某个特定时期香港视觉艺术生态的全貌。我尤其欣赏它在梳理流派和地域分布上的细致入微。不同于那些只关注少数几个“明星”艺术家的画册，这本年鉴试图构建一个尽可能全面的网络图谱。你会看到一些现在可能已经销声匿迹的画廊和工作室的记录，这对于理解艺术生态的更迭变化至关重要。每一页似乎都在诉说着一个关于坚持或妥协的故事。我个人觉得，阅读这种年鉴，最有趣的部分在于对比：对比当时的理论前沿与实际的展览效果，对比本土议题与国际潮流的交织碰撞。它不像一本评论集那样带着强烈的个人倾向，而是提供了一个相对中立的、多视角的资料库。对于研究者来说，这无疑是基础性的材料；对我这种偶尔会去泡美术馆的普通观众而言，它帮助我建立了一个更坚实的知识框架，不再是“看热闹”，而是能隐约触及到作品背后的社会肌理。

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我最喜欢的部分是那些访谈记录。年鉴中收录的几篇对当时几位重要艺术家的深度对谈，简直是无价之宝。这些访谈的提问非常精准，直击艺术创作的核心困境和对社会现象的敏感捕捉。他们的回答，用词考究，措辞谨慎，但字里行间流露出的那种对身份认同、城市变迁的复杂情感，至今读来仍让人感触良多。特别是其中一位建筑背景出身的艺术家谈论空间与权力的关系时，他描述的那种“被切割”的城市经验，让我立刻联想到了我生活中观察到的许多公共空间的变化。这些记录之所以有力量，是因为它们不仅仅是对“作品是什么”的解释，更是对“为什么要做这个作品”的深刻剖白。读完这些对话，我感觉自己仿佛是坐在他们身边，见证了那些作品诞生的瞬间。

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整体来看，这本《香港視覺藝術年鑑2005》与其说是一本艺术年鉴，不如说是一部浓缩的社会史切片。它捕捉到了在全球化加速和本土身份重塑的双重张力下，一个亚洲都市的视觉脉动。它或许在市场流通性上不如那些精美的限量版画册，但在其历史文献的价值上无可替代。对于任何一个希望深入了解香港当代艺术发展轨迹的人来说，忽略掉这一年的记录是不可想象的。它提供了一种“原汁原味”的参照系，让你能够衡量此后的变化是继承还是断裂。我甚至将它放在书架上最显眼的位置，它提醒着我，真正的艺术思考往往是深刻、复杂，并且需要耐心的沉淀才能被真正理解的。

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