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出版者:中国美术学院出版社

作者:孙慰耆

出品人:

页数:97 页

译者:

出版时间:2004年02月

价格:60.00元

装帧:平装

isbn号码:9787810833059

丛书系列:

图书标签:

• 孙慰耆
• 书画
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• 艺术史
• 作品集

翰墨丹青：近现代中国书画大师精品选粹 本书精选了近现代中国书画艺术史上几位具有里程碑意义的大师的代表作。这些艺术家的创作不仅承载了深厚的传统文化底蕴，更在时代变迁中展现出开拓创新的精神，深刻影响了此后中国艺术的发展轨迹。全书以图录的形式，系统梳理了他们在山水、花鸟、人物等各个画科上的卓越成就，并辅以权威的学术研究与鉴赏解析，旨在为广大艺术爱好者和研究者提供一个全面而深入的视角，领略那个激情燃烧的艺术年代的辉煌。 第一部分：海派气象与文人雅韵的交融——吴昌硕（1844-1927）的雄浑与拙朴 吴昌硕作为海派艺术的集大成者，其艺术生命力横跨晚清与民国，是连接碑学与金石入画的桥梁人物。他以书法入画，以篆刻入书，形成了“金石入画”的独特风格。 本卷收录了吴昌硕晚年最为成熟期的作品，重点展示其对传统笔墨的继承与革新。在花鸟画方面，我们精选了他标志性的《墨牡丹》与《酸果图》。这些作品不再拘泥于传统花鸟的细腻描摹，而是以金石笔法入画，用笔苍劲、墨色浓郁，笔下的花卉充满了阳刚之气与生命张力。特别是对篆书线条的运用，使花卉的枝干如铁铸一般，饱满而有力，体现了“不似之似”的审美追求。 在山水画方面，本书收录了几幅他受“石涛笔意”影响较深的写意山水。这些山水画构图雄奇，用墨厚重，通过密集的皴擦和强烈的对比，营造出一种古拙、苍茫的意境，体现了他“缶庐山水”的独特面貌。 此外，书中还配有数幅他为友人书写的对联与尺牍，清晰地展现了他深厚的书法功底。他的篆书，融合了汉碑的雄浑与吴让之的秀逸，形成了雄肆恣肆、气象万千的个人面貌，是研究其书画同源理论的极佳物证。 第二部分：南宗笔墨的继承与创新——齐白石（1864-1957）的童心与诗意 齐白石的艺术历程是“大器晚成”的典范，他以民间艺术的质朴和中国文人画的精髓相结合，创造了“红花墨叶”的鲜明标识，影响了近现代中国画的审美趣味。 本选辑重点呈现了齐白石在“衰年变法”后的成熟风格。在花鸟画部分，我们汇集了其最受推崇的题材：虾、蟹、虫、鸟。尤其是对虾的描绘，不再是传统文人画的婉约，而是运用“写意兼工笔”的手法，寥寥数笔，便将虾的晶莹剔透、须足的灵动活泼表现得淋漓尽致。其墨虾的“神韵”与“动感”是前无古人的成就。同时，对蔬果题材的展现，如白菜、萝卜，则体现了他对民间生活的热爱，笔触率真，趣味盎然。 在人物画方面，本书收录了几幅他晚年创作的钟馗及寿者题材。这些人物画在造型上保留了木刻年画的稚拙感，但在神情刻画上又融入了文人画的简练与韵味，达到了雅俗共赏的境界。 齐白石的书法独具一格，他将篆书的方正与行书的流畅相结合，形成了人称“齐体”的风格，拙中寓巧，古朴而不失灵动，与他的画作相得益彰。 第三部分：气韵生动与时代精神的融合——徐悲鸿（1895-1953）的写实主义探索 徐悲鸿是中国现代美术教育的奠基人，他留学海外，将西方写实主义的造型能力与中国传统水墨技法相结合，开辟了“中西融合”的新路径。 本卷着重展示徐悲鸿在动物画和人物画方面的突破。在动物画中，他以速写功力入画，奔马无疑是其最引人注目的代表。我们精选了数幅最具张力的《奔马图》，这些马匹挣脱了传统水墨画的程式化描绘，充满了力量感、速度感和强烈的时代精神，象征着中华民族不屈不挠的抗争意志。 在人物画方面，本书收录了他以现实主义手法绘制的《愚公移山》等主题性作品，以及取材于历史人物的肖像。他运用西画的解剖学和透视法来构建画面，但又巧妙地以中国水墨的晕染和线条来塑造形体，达到了形神兼备的境界。 此外，书中还穿插了徐悲鸿早期的素描习作（以摹仿西方大师为主），这有助于读者理解他如何通过严谨的西方训练来反哺中国画的创作，从而奠定其艺术理论“素描为一切造型艺术之基础”的实践基础。 第四部分：岭南画派的革新与传承——高剑父（1878-1933）的折衷与创新 高剑父是岭南画派的代表人物之一，他主张“艺术革命”，强调汲取东、西方绘画之长以改良中国画。 本部分侧重展示高剑父在花鸟与走兽题材上的创新。他大量引进了日本绘画中的光影处理和色彩渲染技法，尤其体现在他独特的双勾填彩和渲染法上。本书收录的《猛虎图》和《双猿图》，展现了他对动物结构精准的把握和对“气势”的营造。他笔下的动物皮毛质感强烈，光影分明，区别于传统文人画的平面化处理。 在山水画方面，高剑父深受日本画家竹内栖凤的影响，其作品多有新颖的构图和色彩处理，如运用石绿、石青的大胆配色，为传统山水画注入了新的活力。 本书通过这四位大师的杰出作品，不仅是艺术审美的一次巡礼，更是一部关于中国近现代艺术如何应对西方文化冲击、在传统与现代之间寻求突破与重生的生动记录。每一幅作品都凝聚了艺术家对时代、对笔墨、对人生的深刻理解与不懈探索。

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这次翻阅的体验，更像是一场与古人对话的精神漫游。这本书的选材非常考究，收录的作品不仅在艺术水准上达到了很高的成就，更重要的是，它们承载了创作者深厚的文化底蕴和人生哲思。我尤其欣赏那些小品级的题跋和诗文，寥寥数语，却字字珠玑，将书画中的情景、心绪表达得淋漓尽致。读到一幅描绘竹子的作品时，那竹子的坚韧不拔与文人的风骨似乎融为了一体，让人在欣赏其形的同时，也体悟到了其“节”与“气”。这本书的印刷质量也是值得称赞的，色彩还原度很高，即使是水墨画中极其微妙的灰阶变化，也能清晰地展现出来，这对于研究其用墨技巧至关重要。全书的排版布局，很注重图文之间的呼应关系，往往一幅画旁边就配有相关的文字说明或创作手记，极大地丰富了作品的内涵，使得读者不再是孤立地看画，而是能够进入到创作者的创作心境之中去理解。

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这本书的价值，不仅仅在于它所收录的精美图像，更在于它所构建起的一种文化氛围。阅读的过程中，我感觉自己仿佛置身于一个充满墨香的古典书房之中，空气中弥漫着历史的厚重感。编者在资料的整理和呈现上可见功力，那些关于作品创作年代、印章钤盖情况的说明，都非常详尽和准确，体现了极高的学术素养和对艺术家的尊重。尤其是对几组具有代表性的系列作品的集中展示，使得观察其主题的重复与变化变得非常直观。这些画作和书法作品，以一种含蓄而内敛的方式，表达了对自然、人生、历史的深刻感悟。它们不是在喧哗地诉说，而是在低语中震撼人心。对于任何一个热爱中国传统艺术、渴望深入了解艺术史脉络的读者来说，这本书都是一本值得反复摩挲、细细品味的宝典，它所带来的精神滋养，是任何快餐式阅读都无法比拟的。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，从封面到内页的纸张选择，都透露出一种沉稳而又不失雅致的气质。特别是那种略带纹理的纸张，触感温润，很适合细细品味那些精妙的笔触和墨韵。当我翻开第一页，看到那些精心排版的作品时，我就被深深地吸引住了。作者的用笔功力毋庸置疑，无论是行云流水的草书，还是遒劲有力的楷体，都展现出深厚的传统功底。特别是那些山水画，墨色的浓淡干湿变化把握得炉火纯青，仿佛能让人闻到空气中弥漫的松涛与湿润的泥土气息。虽然我不是专业的艺术评论家，但能清晰地感受到创作者在构图和意境上的独到匠心。那些留白的处理，更是绝妙，既突出了主体，又营造出一种空灵悠远的意境，让人在欣赏作品的同时，思绪也不由得飘向远方。整本书的编排节奏感很强，从早期的青涩探索到后期的成熟老辣，作品的演进脉络清晰可见，对于想要了解一位艺术家艺术生涯发展轨迹的人来说，无疑是一份极佳的参考资料。

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这本书的整体呈现，给我的感受是“沉静的力量”。它不是那种哗众取宠、色彩斑斓的画册，而是更像一部需要静下心来细读的文献。装帧上采用了大量留白的处理，使得每一幅作品都能在视觉上获得充分的呼吸空间，避免了信息过载带来的审美疲劳。我特别喜欢其中一些大幅面的作品复制，那种铺陈开来的气势，即便是隔着纸张，似乎也能感受到原作的磅礴。在细节处理上，书中的释文清晰易读，字迹工整，保证了阅读体验的流畅性。最让我感到惊喜的是，它不仅展示了成熟的作品，还收录了一些创作草稿或未完成的小稿，这无疑为我们理解艺术家的创作过程提供了宝贵的窗口。透过这些零散的片段，我们能窥见艺术家在构思、取舍、完善每一个细节时的挣扎与喜悦，这让艺术不再是高不可攀的成品，而是充满了人性的温度。

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坦白说，最初拿到这本书时，我还有点担心内容会过于晦涩难懂，毕竟艺术鉴赏门槛似乎总让人望而却步。然而，这本书成功地以一种近乎娓娓道来的方式，引领着我进入了艺术的世界。它没有过度卖弄艰深的术语，而是通过作品本身的力量说话。比如，某些书法作品的细节放大处理，让我得以近距离观察笔锋的起承转合，体会到每一个捺和挑中蕴含的力量与速度。那些看似随意的挥洒背后，其实是数十年如一日的刻苦锤炼。此外，书中对于不同时期作品风格的对比分析，也起到了很好的导读作用。我注意到，早期的作品可能更侧重于对古典范式的学习与模仿，而后期则明显地流露出一种超脱与洒脱，笔墨更加自由奔放，这清晰地勾勒出了一条艺术家不断突破自我的艺术轨迹。对于像我这样的非专业人士来说，这种潜移默化的引导，远比生硬的说教来得有效得多。

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