Movies and Methods

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出版者:University of California Press
作者:Nichols, Bill 编
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:1976-11-09
价格:USD 34.95
装帧:Paperback
isbn号码:9780520031517
丛书系列:
图书标签:
  • 电影理论
  • 电影学
  • 电影
  • 艺术史
  • 艺术
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  • 电影
  • 方法
  • 影视分析
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  • 电影理论
  • 叙事结构
  • 视觉语言
  • 创作流程
  • 电影史
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具体描述

Film teachers and students will welcome this new anthology, which makes available in one source a comprehensive selection of recent theoretical work on film, including many articles difficult to locate in the scattered literature. The contents are drawn almost entirely from the publications of the past fifteen years, and include work by the most original film thinkers--some well known to a wide public, some widely known among readers of film journals. Several important filmmakers are also represented.

The materials have been grouped in critical categories reflecting recent approaches to the medium. In place of older questions such as the relation of film to other arts, or film's ability to capture an imprint of reality, the questions emphasized in the anthology concern film's ideological operations, the nature of film genres, the role of the auteur in the creative process, the representation of social groups (such as women) in film, the logical of narrative and formal organizations in films, the treatment of films as myths, and new theoretical perspectives. Thus the contents reflect the use of political, structualist, semiological and psychoanalytic methods, as well as those of more traditional criticism. There is virtually no duplication of materials included in the Mast & Cohen anthology Film Theory and Criticism.

The editor has provided an overall general introduction, and mini-introductions to each text. A glossary of terms used in structuralist-semiological work is included, and lists of additional readings are provided.

Its scope and careful organization will make this volume a fundamental resource for film scholarship and teaching.

电影与方法:探索叙事结构、视觉语言与文化影响的深度解析 一、 引言:构建一个理解电影的全新框架 本书旨在提供一个全面且深入的电影分析框架,超越单纯的类型划分或历史梳理,聚焦于电影作为一种复杂艺术形式的内在运作机制。我们不将电影视为孤立的娱乐产品,而是将其视为一种强大的文化载体,一种精密的叙事机器,以及一种独特的视觉语言体系。本书的结构围绕三大核心支柱构建:叙事结构(Narrative Architecture)、视觉语言学(Visual Semiotics),以及文化嵌入与社会回响(Cultural Embedment and Social Resonance)。我们相信,只有系统地拆解这些构成要素,才能真正把握电影的艺术力量和思想深度。 二、 第一部分:叙事结构——故事的骨架与心跳 叙事是电影的基石,但其复杂性远超“开始、中间、结束”的简单线性描述。本部分将深入探讨结构主义、后结构主义对电影叙事的应用,以及当代电影叙事手法的演变。 1. 经典叙事范式与解构: 我们将详细考察约瑟夫·坎贝尔的“英雄之旅”模型,并分析其在好莱坞黄金时代乃至现代大片中的应用。然而,重点在于解构。我们将审视如何通过非线性叙事(如昆汀·塔伦蒂诺的作品)、多视角叙事(如《撞车》)或循环叙事(如某些欧洲艺术电影)来挑战观众对时间、因果关系的既有认知。 2. 人物弧光与动机的心理学基础: 电影人物的塑造需要深刻的心理学支撑。我们引入心理动力学理论,分析角色的潜意识驱动力如何影响其选择和行为。重点讨论“镜像自我”(The Reflected Self)的概念,即角色如何通过与环境、其他角色的互动来定义自我,以及编剧如何利用“未满足的需求”(Unmet Needs)来驱动长期的叙事张力。 3. 节奏、张力与信息控制: 叙事节奏并非均匀的流动,而是精心编排的起伏。本章将分析“节拍点”(Beats)的精确性,探讨悬念(Suspense)、惊奇(Surprise)与反高潮(Anti-climax)在维持观众参与度中的作用。尤其关注信息的不对称分布——何时隐藏信息,何时突然倾泻,以及这种控制如何影响观众的情感体验。我们将特别剖析“场景设置”(Set-up)和“支付点”(Payoff)的黄金比例。 三、 第二部分:视觉语言学——超越画面的意义 电影首先是一种视觉艺术,其意义的传达高度依赖于画面的构成和运动。本部分将从美学、技术和符号学的角度剖析电影的视觉词汇。 1. 摄影的构图与空间感知: 我们超越简单的“三分法”,深入探讨“场域理论”在电影构图中的应用,即画面中元素之间的关系如何构建权力结构和情感距离。重点分析景深(Depth of Field)如何引导观众的注意力,以及运镜(Camera Movement)——从主观的“眼睛视角”(POV)到客观的全景(Establishing Shot)——如何确立叙事立场。我们将详细比较固定镜头与复杂的斯坦尼康(Steadicam)运动所带来的心理效应差异。 2. 光影、色彩与情绪的化学反应: 光线是电影的“情绪调色板”。本章将分类研究经典的光照风格,如伦勃朗光(Rembrandt Lighting)在黑色电影中的应用,高对比度的“明暗对比法”(Chiaroscuro)如何塑造道德的模糊性。在色彩理论方面,我们将结合格式塔心理学,分析饱和度、色相和明度如何潜意识地影响观众对角色的忠诚度或环境的危险程度。 3. 剪辑的艺术:时间和空间的重构: 剪辑是电影的语法。我们将区分“连续性剪辑”(Continuity Editing)如何追求不可察觉的流畅,与“非连续性剪辑”(Discontinuity Editing)——如库里肖夫效应(Kuleshov Effect)或“跳切”(Jump Cuts)——如何创造意义的碰撞和认知失调。特别关注蒙太奇(Montage)在苏联先锋派电影中的理论地位,以及它在当代音乐视频和动作场面中功能性的转化。 四、 第三部分:文化嵌入与社会回响——镜子与锤子 电影不仅反映社会,它也主动塑造社会认知。本部分探讨电影如何与其所处的时代、政治环境和意识形态产生复杂的相互作用。 1. 类型电影的意识形态功能: 类型电影(Genre Film)看似是娱乐的定式,实则是社会焦虑的“安全阀”与“压力测试场”。我们将分析西部片对边疆神话的构建与消解,恐怖片对集体恐惧的投射,以及科幻片对技术伦理边界的探讨。重点剖析类型规则是如何被建立、维护,最终又如何被颠覆以反映时代精神的变迁。 2. 跨文化传播与“电影全球化”的张力: 在全球化的背景下,电影的意义如何跨越文化藩篱?本章将研究“本土化”(Localization)与“文化挪用”(Cultural Appropriation)之间的微妙界限。我们会考察非西方电影工业如何在全球舞台上抵抗好莱坞的主导地位,并强调“世界电影”概念的持续重要性,即承认不同地域对电影本体论的不同理解。 3. 媒介生态与未来的观看: 随着流媒体的兴起和新的观看设备的普及,电影的体验场域正在剧烈变化。我们探讨这种变化对叙事节奏、时长以及“公共性”体验的冲击。电影艺术是否正在向“沉浸式体验”和“互动叙事”迁移?本书最后将对这些前沿趋势进行批判性评估,展望电影媒介在数字时代的核心价值。 结论:走向更具意识的观影实践 本书的最终目标是培养一种有意识的观影(Conscious Viewing)能力。通过掌握这套分析工具,读者将不再是被动接受信息的容器,而是能够主动参与意义构建的合作者。电影的魔力,最终源于它将技术、艺术与人类经验熔铸一炉的独特能力,而理解这些方法,便是真正进入电影殿堂的钥匙。

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目录信息

读后感

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用户评价

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总的来说,《Movies and Methods》更像是一份理论家的“备忘录”,而非一本面向实践者的“指南”。我从中提取到的“方法”,似乎是关于如何进行更深层次的自我怀疑和理论建构,而不是如何有效地拍摄一部电影。书中对技术层面的讨论几乎为零,就连对灯光、运镜的提及,也往往是作为某种意识形态的载体而被提及,而非技术本身的探讨。例如,作者用了一整章的篇幅去分析“特写镜头”如何物化了银幕上的主体,却从未提及在特写镜头中,景深的使用如何影响了观众对角色的情感代入。这种对技术维度的彻底无视,使得整本书看起来像是空中楼阁。它试图探讨的是“电影是什么”,而不是“如何拍电影”,这从书名上来看,是一个非常具有误导性的。如果你期待能在这本书中找到任何关于镜头运动、场面调度或者后期制作流程的真知灼见,那么你注定会失望。它更像是给已经精通电影制作的学者,提供一个可以用来挑战现有范式的理论框架,对于我们这些仍在学习如何把故事讲好的普通人来说,它提供的帮助,微乎其微。

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这本书,初看起来,名字《Movies and Methods》似乎预示着一场对电影艺术和制作手法的深度剖析,然而,实际阅读体验却像是一次意料之外的旅程。我原本期待着能深入了解某个特定流派的叙事结构,或是某个著名导演如何运用光影来烘托情绪,但这本书带给我的,更多是一种对“方法”本身的抽象思考,而非具体的电影制作案例。它花费了大量篇幅去探讨哲学层面的“观看”行为,将电影视为一种认知工具,而非单纯的娱乐产品。例如,书中对“凝视”(Gaze)理论的阐述极为晦涩,引用了大量晦涩难懂的后现代主义术语,使得我不得不频繁查阅词典。对于一个渴望学习如何剪辑、如何打光,或者如何构建商业叙事的读者来说,这本书无疑是徒劳的。它更像是一本哲学专著,披着电影研究的外衣,试图解构我们与屏幕之间关系的本质,而不是提供任何实操性的技巧或对经典影片的有效解读。那种感觉就像是,你走进一家工具店想买一把锤子,结果店主却花了两个小时向你解释铁原子是如何聚合形成金属的,却忘了告诉你锤头和手柄的连接方式。对于普通影迷或初级电影制作人而言,这种过于理论化的处理方式,使得本书的实用价值几乎为零,让人感到空泛而受挫。

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这本书的排版和设计,也透露出一种疏离感。厚重的纸张,密密麻麻的小字,以及大量的脚注,都强烈暗示着这是一部严肃的学术著作,而非一本可以轻松翻阅的入门读物。我尝试在通勤时间阅读,但很快就放弃了,因为它要求读者必须在一个绝对安静、无干扰的环境中,全神贯注地处理那些极其复杂的句法结构。作者似乎热衷于构造超长句,一个句子横跨半页纸是常有的事,里面塞满了各种修饰语和从句,仿佛在进行一种语言上的文字游戏,而不是清晰地传达信息。关于“电影语言的语法”这一章,我本以为会看到图表和清晰的示例,来解释视觉符号如何组合,结果却是一连串对乔姆斯基理论的生硬嫁接,显得非常牵强附会。对于那些习惯于通过视觉演示来学习的读者,这本书会是场灾难。它要求读者用抽象的逻辑推理能力去“想象”出作者所描绘的电影场景或方法,而不是直接呈现出来。阅读体验可以说是艰涩难懂,更像是啃一块没有调味的干硬面包,吞咽的过程充满了阻力,且营养吸收效率极低。

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读完《Movies and Methods》,我感到自己仿佛进行了一场马拉松式的智力攀登,但最终到达的顶峰上,却只有一片稀薄的空气。作者的笔力毋庸置疑,他似乎对符号学和结构主义有着异于常人的热情,但这种热情过度地倾泻在了对电影文本的“拆解”上,而非对“构建”过程的描述。我花了极大的精力试图跟随作者的思路,理解他为何要将一部大众熟知的喜剧片,硬生生地剥离成碎片化的语言符号和权力结构模型。书中对经典叙事弧线的批判性分析,虽然在理论上可能站得住脚,但在实际阅读中却是令人窒息的。举个例子,他对蒙太奇手法的讨论,完全绕开了爱森斯坦的经典理论,转而探讨一种基于量子力学的“不确定性”在剪辑中的体现,这简直是胡扯。我需要的是清晰的逻辑和可验证的案例,来指导我如何更好地组织视觉信息,而不是被卷入一场关于“视域与存在”的形而上学辩论。这本书更像是作者个人的学术宣言,而非一本面向广泛读者的“方法”指南。它成功地将电影的“观看”变成了“破译”,但这种破译的代价是牺牲了任何形式的愉悦感和可操作性,读完后只剩下满脑子的问号和对时间的浪费感。

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说实话,我拿到这本书的时候,是冲着“Methods”(方法)这个词来的,我以为会找到一套系统化的、可以应用于不同电影类型的实操手册,也许是关于如何进行有效的剧本打磨,或者如何运用最新的数字技术来优化视觉效果。然而,这本书的内容与我预期的“方法论”相去甚远,它更像是一本关于“电影与媒介环境的社会学观察”。书中充斥着对特定历史时期文化思潮的冗长回顾,以及对电影产业化运作的某种愤世嫉俗的批判。作者似乎对商业电影抱有一种根深蒂固的偏见,认为一切主流叙事都是对大众的系统性洗脑。这种批判立场本身无可厚非,但问题在于,他并未提供任何替代性的、可供实践的“新方法”。你读完后会明白很多电影为什么“不好”,但完全不知道如何拍出“好”的电影。全书的语气是居高临下的,仿佛只有作者本人看穿了所有谎言。我需要的是工具箱里的扳手和螺丝刀,结果得到了一本关于“螺丝钉的哲学意义”的厚重著作,这让我感到极度不耐烦。阅读过程是极其低效的,需要反复翻阅,才能从那些堆砌的行话中辨认出哪怕一丝丝与电影制作相关的蛛丝马迹。

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