西洋藝術流派事典

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出版者:果實
作者:吳妍蓉
出品人:
页数:160
译者:
出版时间:2008-08
价格:NT$ 320
装帧:
isbn号码:9789867796363
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

這是一本認識西洋藝術史最簡便、最實用的指南書。書中透過各時代的各種藝術流派,從文藝復興時期的古典主義、人文主義,到現代的低限主義、未來主義等無一遺漏,帶領讀者全面觀照西洋藝術史上所有重要的思潮與運動,是幫助讀者進入藝術殿堂的最佳入門指南。

本書將龐雜的西洋藝術史,拆解為將近六十個重要藝術流派,再以工具書的簡明形式解構出每個流派之基本元素,包括流派簡介、定義、關鍵字、具代表性的藝術家、主要作品清單等,同時附上幾幅充分展現該流派精神之作品與深入解說、建議參觀之博物館或美術館等,最後再條列出與該流派類似與完全相反的其他派別,重新串連起各流派之間的網絡。

藝術不必艱澀難懂,更不只屬於特定一小群人。從這本簡明、易讀的《西洋藝術流派事典》開始,我們可以了解每一個西洋藝術史片段的重點、名畫背後的時代意義,並培養自己欣賞名作的眼光。

东方美学与哲学思想探微 书名: 东方美学与哲学思想探微 作者: 李明哲 出版社: 翰林文化出版社 出版时间: 2023年10月 --- 内容提要 《东方美学与哲学思想探微》一书,旨在深度挖掘和系统梳理东亚文化圈内部,特别是中国、日本、韩国等主要文明体在艺术创作、审美取向以及哲学思辨层面所展现出的独特精神内核与演变脉络。本书并非对既有西方艺术史的简单对照或翻译,而是着眼于东方语境下“美”的生成机制、精神价值的传递方式,以及个体生命在宇宙秩序中的位置。全书分为三个核心部分:“意境的构建与留白之学”、“儒释道三教对审美心理的影响”、以及“东方现当代艺术中的传统回归与革新”。 本书尤其侧重于对“气韵生动”、“物我两忘”、“禅寂之美”等核心概念进行本体论层面的剖析,并结合具体的文学、园林、书法、茶道乃至当代设计案例进行实证研究。通过对古典文献的细致解读和对现存艺术品的敏锐观察,本书试图构建一个多维度、立体化的东方审美体系,为理解东方文明的深层文化密码提供坚实的理论基础和丰富的案例支撑。 第一部分:意境的构建与留白之学 本部分深入探讨了东方艺术,尤其是中国传统绘画和诗歌中“意境”这一核心范畴的构成要素与审美功能。我们认为,东方艺术的本质并非对客观事物的精确摹写,而是对事物背后“精神气象”的捕捉与表达。 一、气韵生动:生命力的内在涌动 “气韵生动”是早期绘画理论中的至高标准,它超越了形似和神似,直指艺术品所蕴含的生命律动和宇宙能量。本书详细考证了“气”在道家哲学中的流变,并将其置于艺术创作的实践中进行分析。我们探讨了画家和书法家如何通过笔墨的干湿浓淡、线条的疾徐顿挫,将主观的生命体验融入到客体形象之中,使之具有超越物质存在的“活的”感觉。 二、留白之学:虚实相生的空间哲学 与西方艺术对“充实”与“完整”的追求不同,东方艺术极其重视“虚空”或“留白”的作用。本章认为,留白并非是空间的缺失,而是意义的载体,是观者参与创造的关键地带。通过对山水画中山峦间云雾、诗歌中未尽之语的研究,我们揭示了留白所承载的哲学意涵:它象征着无限的可能性、时间的流逝,以及人对超越性存在的向往。它要求观者以“心眼”而非肉眼去完成作品的最终构筑,体现了“无为而无不为”的东方智慧。 三、园林艺术中的“小中见大” 园林被视为可游、可居的立体画卷。本节分析了中国古典园林如何通过叠石理水、移步换景的手法,在有限的空间内模拟出广袤的山川景象。这种“藏拙”与“曲径通幽”的设计理念,正是“意境”在建筑空间中的具体实践,它引导人们在行走中体悟人与自然的和谐共处之道。 第二部分:儒释道三教对审美心理的影响 东方美学深深植根于儒家入世的伦理关怀、道家的自然超脱以及佛教的缘起性空思想之中。本部分将这三者视为构建东方审美心理的“三足鼎立”结构。 一、儒家:伦理秩序与文人情怀 儒家思想强调的“中庸之道”、“克己复礼”深刻影响了文人画的创作规范。文人画家追求的并非市场价值或纯粹的视觉愉悦,而是通过诗书画的“三绝”,来寄托对理想政治秩序的向往(如梅兰竹菊的象征意义)以及对自身道德操守的坚守。他们以艺术为载体,实现“修身、齐家、治国、平天下”的抱负。 二、道家:自然本真与个体自由 道家思想对艺术的影响,主要体现在对“自然化”的追求上。老庄哲学鼓励个体挣脱世俗的束缚,回归到事物最本源、最纯粹的状态。这种精神催生了对笔墨“自然性”的强调,反对矫揉造作,追求“天然去雕饰”的境界,是理解中国书法“狂草”精神的重要钥匙。 三、佛教:空性体验与审美超越 佛教,特别是禅宗思想,对日本以及中国宋明理学影响深远。本书重点阐释了“空”的概念如何转化为审美体验。对“色即是空”的理解,使得艺术家能够从执着于事物的具体形态中解脱出来,转而体悟瞬间的“当下”与永恒的“无常”。茶道中的“一期一会”,以及日本“侘寂”(Wabi-Sabi)美学的兴起,都是这种精神在生活美学中的具体体现。 第三部分:东方现当代艺术中的传统回归与革新 进入近现代,面对西方艺术的冲击,东方艺术并未完全抛弃传统,而是在冲突与融合中寻求新的表达。本部分关注的是如何在现代性的框架下,重塑和激活古老的审美原则。 一、现代水墨的转型与语言探索 本书分析了二十世纪以来,以张大千、徐悲鸿等为代表的艺术家如何将西方写实主义或立体主义的技法融入到中国水墨体系中。关键的讨论点在于:当画家开始使用透视法或油画颜料时,如何保持“气韵”不散?答案在于,他们成功地将西方的“结构感”内化为东方“结构美”,而非简单地嫁接,从而使传统语言获得了面向现代世界的张力。 二、极简主义与东方哲思的对话 在全球化的背景下,东方美学中的“少即是多”、“去繁就简”与西方的极简主义哲学产生了奇妙的共鸣。我们对比研究了日本战后建筑大师如安藤忠雄的作品(对光线和清水混凝土的运用)与传统禅宗寺院的结构逻辑,揭示了两种看似迥异的文化体系在追求精神纯粹性上的内在统一性。 三、当代设计中的“新东方主义” 当代平面设计、产品设计如何借用传统符号和意境,以适应全球消费者的审美需求?本书考察了当代设计师如何运用东方哲学中的“不完美之美”(如日本的“金缮”工艺),来对抗工业化生产带来的完美主义弊端,赋予现代产品以“人文的温度”和“历史的沉淀”。 结语 《东方美学与哲学思想探微》力求提供一种有别于西方古典美学范式的观察视角。它提醒我们,艺术的价值不仅在于其可见的形态,更在于其背后所承载的文化记忆、哲学思辨以及个体对生命意义的终极追问。本书是一份对东方文明精神气质的致敬与梳理,旨在帮助当代读者重新认识并激活这片深厚而富有生命力的文化土壤。

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读后感

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最令我印象深刻的是该书对19世纪末至20世纪初欧洲现代主义思潮兴起的社会心理分析。它敏锐地捕捉到了工业革命带来的疏离感是如何被印象派捕捉为光影的碎片化,以及后印象派如何试图通过主观的色彩和结构来重建一个失序的世界。关于野兽派对色彩的“滥用”被置于当时社会对传统道德规范的反叛大背景下进行解读,这种跨学科的视阈极为开阔。我尤其赞赏其在讨论立体主义时,对非欧几何思维模型影响的深入探讨,而非仅仅停留在“多角度观察”的表面论述。通过这本书,我理解到,现代艺术的每一次激进转身,都不是凭空出现的,而是对特定时代技术进步、哲学思潮以及集体焦虑的直接且强烈的回应。它成功地将那些看似晦涩难懂的现代艺术,还原为人类对生存状态的深刻叩问。

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这部百科全书式的作品,简直是为所有对古代文明的辉煌灿烂抱有好奇心的探索者量身定制的。它深入浅出地剖析了古希腊雕塑的黄金比例与理想化人体之美,让我仿佛能触摸到帕特农神庙的冰冷大理石。作者在描绘早期陶器艺术时,对线条的象征意义和几何图案的演变进行了详尽的梳理,特别是对迈锡尼时期线性文字与图像表达之间张力的探讨,简直是教科书级别的精彩。我尤其欣赏它在阐述早期城邦绘画风格转变时所采用的叙事手法,那种将艺术创作置于社会政治变迁背景下的宏大视角,极大地拓宽了我对“艺术史”的理解。书中对于不同时期墓葬艺术中对来世描绘的对比分析尤为动人,那些充满生命力的壁画和陪葬品,都在文字的引导下重新焕发出尘封千年的光彩。读完后,我对西方文明的源头有了更深刻、更具象的认知,不再是教科书上干巴巴的年代划分,而是栩栩如生的文化脉络。

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不得不说,这本关于文艺复兴时期佛罗伦萨画派的论述,视角极其犀利,完全没有落入对“天才艺术家”的过度神化。它将焦点精确地对准了美第奇家族的赞助体系如何形塑了艺术的审美标准和主题选择。书中对透视法作为一种权力工具的分析尤其发人深省,指出其如何服务于人文主义者对世界精确量化和掌控的渴望。对于达·芬奇解剖学素描与他最终绘画成品之间那种既依赖又疏离的关系探讨,简直是洞察入微。再比如,它对威尼斯画派色彩的运用与佛罗伦萨线条主义的对比,不仅仅停留在视觉差异,更是深入挖掘了两个城市不同的商业结构和气候环境如何塑造了艺术家的气质。我感觉自己不是在读一本艺术史,而是在解剖一个特定历史时期的权力、财富与美学观念相互缠绕的复杂生态系统。

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阅读这本书的过程,如同进行了一场穿越时空的沉浸式体验,重点在于它对中世纪哥特式建筑内部空间哲学的独到解读。书中对于光线如何被转化为神圣体验的论述,简直是令人拍案叫绝。它不仅仅是描述了飞扶壁和肋拱这些结构,更是层层剥开了它们背后所蕴含的神学意图——如何通过垂直向上的无限延伸,实现凡人与上帝的“物理性”连接。作者对彩色玻璃窗的色彩学分析也达到了极高的水准,将每一种颜色的光影在阴暗的殿堂内投射出不同的情感光谱,进行了细腻的描摹。我特别喜欢其中关于修道院抄本插画的章节,那些繁复的植物卷草纹样和微缩的圣徒故事,展现了一种在严格教义约束下迸发出的精致与耐心,那种对手工技艺的尊重,让人心生敬畏。这本书成功地将冰冷的建筑图纸和神学概念,转化为了可以被感知的精神体验。

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我对这本书中关于巴洛克时期“动感”与“戏剧性”的解读感到十分震撼,尤其是对卡拉瓦乔强光主义(Tenebrism)的分析,简直是教科书级别的案例拆解。作者没有简单地赞美其强烈的明暗对比,而是将其视为一种精神上的“介入”——光线不再是自然的光,而是神谕或命运的突兀降临,瞬间切割了平庸的日常。这种对瞬间永恒化的捕捉,在描述贝尼尼雕塑的动态瞬间时表现得淋漓尽致,仿佛读者能听到大理石被凿开后,那即将喷薄而出的生命力。书中对欧洲各地巴洛克风格的地域性差异也做了详尽的梳理,比如西班牙的狂热与法国的古典化倾向之间的张力,提供了非常丰富的横向对比视野。这不仅仅是艺术风格的罗列,更是一场关于情感表达与控制的哲学辩论。

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