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出版者:

作者:三虎

出品人:

页数:281

译者:

出版时间:2007-9

价格:25.00元

装帧:

isbn号码:9787811144840

丛书系列:

图书标签:

• Photoshop
• CS2
• 图像处理
• 基础教程
• 图像编辑
• 图形设计
• 软件教程
• 设计软件
• Photoshop教程
• 平面设计
• 数码图像

《数码摄影后期精修：从入门到精通的视觉蜕变之旅》 本书导读：超越基础，直击专业修图的核心技术与艺术表达 在当今这个视觉信息爆炸的时代，一张照片的价值不仅仅在于它捕捉到的瞬间，更在于后期处理赋予它的生命力与艺术感染力。本书《数码摄影后期精修：从入门到精通的视觉蜕变之旅》，并非一本针对特定软件版本（如Photoshop CS2）的工具书，而是一部全面聚焦于现代摄影后期处理理念、工作流程、以及高端图像调控艺术的深度指南。它旨在引导摄影爱好者和职业人士，摆脱对单一软件界面的依赖，掌握一套跨越平台、面向未来的图像后期思维框架。 本书内容覆盖了数码影像处理的整个光谱，从 RAW 文件管理与色彩科学的严谨基础，到人像精修的无瑕艺术，再到风光大片的史诗级构建，以及商业产品图的精准还原。我们着重讲解如何利用最新的图像处理技术，实现对影调、色彩、质感的精细化控制，使您的作品从“合格”迈向“震撼”。 --- 第一部分：现代后期工作流的基石——色彩科学与文件管理 本部分将彻底颠覆您对色彩的传统认知，为您建立起专业级的色彩管理体系。 1. 深度解读 RAW 格式的潜力挖掘： 我们不会停留在简单的曝光调整。本书详细解析了不同相机厂商 RAW 文件的内部结构差异，重点阐述了去马赛克（Demosaicing）算法对最终图像锐度和细节的影响。深入探讨如何在高动态范围（HDR）下进行基准点设定（Base Setting），确保阴影和高光区域拥有最佳的细节恢复能力。讲解如何利用色彩空间转换矩阵，在不同色彩空间（如sRGB, Adobe RGB, ProPhoto RGB）之间进行无损的切换与映射，避免色彩断层与色域丢失。 2. 进阶色彩管理与工作流程校准： 本书将详细介绍 ICC 配置文件（Profiles）的创建与应用，包括显示器校准（使用硬件校色仪的专业流程）和打印配置文件（Printer Profiles）的选用。我们会深入讲解色彩查找表（LUTs）的原理与应用，指导读者如何创建和应用自定义的色彩风格，实现跨设备的色彩一致性。内容涵盖了如何在工作流程中集成 DxO PureRAW 或 Luminar Neo 等先进的去噪和超分辨率工具，作为前期处理的有力补充。 3. 图像的逻辑解构：层次与通道的运用： 不同于基础教程中对图层的简单堆叠，本书强调对图像的逻辑解构。讲解如何利用分离频率（Frequency Separation）技术，将影调（Tone）和纹理（Texture）完全分离，从而实现对皮肤、布料等复杂材质的独立、非破坏性精修。此外，深入探讨通道（Channels）在提取复杂选区（如头发丝、玻璃边缘）中的强大功能，这是高级合成与蒙版制作的关键技术。 --- 第二部分：人像精修的无瑕艺术——细腻与真实的平衡 人像修饰不再是简单的“磨皮”，而是对光影、质感和情绪的精细雕琢。 1. 非破坏性皮肤处理的“三步走”战略： 我们摒弃了模糊的涂抹技术，采用专业工作流： 第一步：影调分离（Frequency Separation）： 精准去除瑕疵，保留毛孔纹理。 第二步：高频纹理优化： 利用高频层，使用特定的高反差锐化或Dodging & Burning技术，增强皮肤的自然立体感，而非平面化。 第三步：色彩均匀化与光影重塑： 利用曲线和可选颜色，修正肤色不均，并使用中性灰进行精确的加深与减淡，塑造面部轮廓（Sculpting）。 2. 眼睛与牙齿的精准提亮与美化： 讲解如何利用针对性的色彩范围蒙版，只对虹膜和牙齿的特定色调范围进行提亮和饱和度调整，避免不自然的“死白”效果。重点介绍如何通过叠加特定的高光图层，模拟专业影棚中的眼神光（Catchlight）效果。 3. 身体比例的艺术化调整与服装光影校正： 超越基础的液化工具，本书侧重于使用透视变形（Perspective Warp）和网格液化（Mesh Warp）来处理复杂的透视畸变。更重要的是，讲解当形体发生改变时，如何使用高级的Dodging & Burning技术，重塑被扭曲的服装褶皱、阴影和高光，以维持光影的物理真实感。 --- 第三部分：风光与建筑的史诗级构建——宏大场面的驾驭 风光摄影后期，是将瞬间的美感转化为永恒的视觉叙事。 1. 高级 HDR 合成与伪 HDR 模拟： 本书不局限于使用单张照片进行局部调整。深入讲解多张包围曝光（Bracketed Exposure）照片的精确对齐与无缝合成技巧，以应对极端光比。同时，详细解析如何使用明度/通道混合技术，对单张照片进行“伪 HDR”处理，模拟出丰富的细节层次，特别是针对天空和地面的分离处理。 2. 影调的宏大控制：区域性对比与清晰度管理： 介绍如何使用径向滤镜（Radial Filters）和渐变滤镜（Graduated Filters）的组合，实现画面中不同景深区域的对比度差异化控制。重点讲解清晰度（Clarity）和去朦胧（Dehaze）工具在不同场景（如海边雾气、远山层次）下的最佳应用策略，避免产生“光晕”或“数字感”过重的问题。 3. 色彩的情感注入：冷暖对比与三色调划分： 风光色彩的魅力在于平衡。讲解如何通过分离色调（Split Toning），在亮部添加温暖的琥珀色调，在暗部引入冷峻的青色，以增强画面的空间感和情绪张力。 --- 第四部分：商业产品与创意合成的终极挑战 本部分是通往专业修图师的桥梁，涵盖了复杂的合成技术与光影重塑。 1. 精准的产品光效重建（Recreating Studio Lighting）： 对于白色或反光产品（如珠宝、电子产品），本书提供了一套系统的方法来重建理想的影棚光效。包括如何利用曲线和遮罩创建干净、锐利的边缘高光反射，以及如何通过全局光照模拟，使产品与背景完美融合，消除合成痕迹。 2. 复杂场景的无缝合成与光影一致性： 讲解如何处理多光源、多影深元素的合成。核心在于匹配光线方向和色温。详细介绍如何利用环境光遮蔽（Ambient Occlusion, AO）通道，确保合成元素在新的环境中拥有正确的环境光照和阴影投射，实现物理上的合理性。 3. 图层样式、混合模式与脚本的效率革命： 高效工作需要掌握工具背后的逻辑。深度解析叠加（Overlay）、柔光（Soft Light）等混合模式在增加对比度和纹理时的独特效果，并指导读者如何将常用操作流程（如特定风格的曲线调整、复杂的蒙版提取）录制成动作（Action）或编写基础脚本（Scripting），极大地提升处理速度。 --- 本书特色总结： 本书的理念是“技术为人像服务，艺术指导技术”。我们侧重于原理和思维模式的传授，而非对特定版本工具栏的罗列。读者学到的不仅仅是如何操作按钮，而是如何像一位经验丰富的后期总监一样思考：“这张照片需要什么样的光影结构？什么样的色彩情感来支撑主体？” 这是一本真正旨在帮助摄影师建立起一套独立、强大且面向未来的后期处理系统的深度学习手册。

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这本书在讲解高级图像修复与润饰技术时，展现出了令人信服的深度和广度。我曾尝试用其他软件的教程来处理一些老照片的瑕疵，总是不得要领，不是细节丢失就是过渡生硬。但这本书对“污点修复画笔工具”和“仿制图章工具”的协同运用，描述得细致入微，它甚至专门辟了一个章节来探讨如何应对高频噪点和低对比度区域的修复难题。最让我惊叹的是其对非破坏性编辑理念的贯彻。作者反复强调，真正的专业操作应该尽可能保留原始信息，书中对于“智能对象”和“调整图层”的运用场景讲解得极其透彻，远超出了仅仅“学会使用”的层面，而是提升到了“理解其设计哲学”的高度。例如，在讲解皮肤修饰时，它并没有推荐一键磨皮的粗暴方法，而是详细剖析了如何利用高低频分离技术来分别处理皮肤的纹理和色块，这种对细节的执着，让最终的修饰效果显得自然且具有质感，完全摆脱了早期数码照片的“塑料感”。这种对细节的尊重和对工作流效率的关注，使得这本书即便是对于已经使用过一段时间PS的进阶用户，也具有极高的参考价值。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，那种略带磨砂质感的封面，拿在手里沉甸甸的，透露出一种专业的气息。光是翻阅目录，就能感受到编者在内容组织上的匠心独运。它似乎并没有急于带你进入那些晦涩难懂的专业术语，而是像一位耐心十足的向导，从最基础的软件界面认知开始，一步步引导读者适应Photoshop的环境。我特别欣赏它在色彩理论和图层管理上的初期讲解，没有采用那种干巴巴的教科书式罗列，而是结合了实际的视觉案例，比如如何通过调整色阶来“拯救”一张曝光过度的照片，或者如何巧妙运用图层蒙版来制作精妙的合成效果。这种“先看效果，再解原理”的叙述方式，极大地激发了我的学习热情，让我不再畏惧这个看似庞大的软件。特别是关于选区工具的介绍，它没有简单地说“按Ctrl+A全选”，而是深入探讨了魔棒工具的容差设置对不同背景图片的适用性，以及钢笔工具路径的精细调整技巧，这些都是我在其他入门书籍中常常被一带而过的关键点。整体来看，这本书的开篇导览非常扎实，为后续更复杂的图像编辑打下了坚实的逻辑基础，让人感觉每翻过一页，自己的“图像思维”都在同步升级，而非仅仅学会了几个快捷键。

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从一个长期与平面设计打交道的自由职业者角度来看，这本书对于“创意实现”方面的支持力度，是我此前接触的教程中少有的。它不仅仅停留在工具的机械性操作，更深入探讨了如何利用Photoshop的强大功能去构建复杂的设计叙事。书中关于图层样式（Layer Styles）的运用部分，简直可以称得上是一本“样式艺术指南”。它没有仅仅罗列出阴影、描边这些选项，而是通过构建一个虚拟的三维场景，解释了光照角度如何影响投影的深度和柔和度，从而让读者理解这些样式背后的光学原理。此外，书中对于“动作（Actions）”的录制与批处理功能的介绍，对于需要处理大量重复性任务的用户来说，简直是效率的革命。作者详尽地演示了如何录制一套包含色彩校正、尺寸调整和水印添加的完整流程，并展示了如何在几分钟内批量处理上百张图片。这种对“流程优化”的重视，体现了作者对现代数字工作环境的深刻理解，让这本书超越了一般入门读物的范畴，更像是一份实用的“工作效率手册”。

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与其他一些教程相比，这本书最大的独特之处在于它对“设计美学”的潜移默化渗透。在教授诸如“渐变工具”和“形状工具”的使用时，作者的配图往往选择的是一些具有现代感和艺术气息的范例，而不是那种老旧的、充斥着“闪光文字”的演示效果。比如，在讲解混合模式（Blending Modes）时，它用到了“正片叠底”来模拟油墨叠加的真实感，以及用“滤色”来模拟光线穿透半透明材质的效果，这些讲解的落脚点始终在于“为什么这样做更美观”，而非仅仅“怎样点那个按钮”。这种将技术与审美紧密结合的教学方法，对于那些想从“操作员”升级为“创作者”的读者来说，无疑具有极大的吸引力。它培养的不是重复指令的能力，而是对图像构成和视觉平衡的敏感度。读完这本书，我感觉自己对如何用Photoshop构建视觉层次、如何控制画面的情绪表达，都有了更深层次的感悟，这是一种由内而外的能力提升，远非单纯的软件技能掌握可以比拟。

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这本书的排版和视觉呈现风格，与市面上那些充斥着大块文字和模糊截图的教程形成了鲜明的对比。它的页面设计非常“干净”，大量的留白让复杂的步骤分解显得清晰易懂。在讲解复杂菜单操作时，作者巧妙地使用了定制的箭头和高亮标记，精确地指引读者的视线，避免了在软件界面中“迷路”的窘境。我特别喜欢它在每章末尾设置的“疑难杂症快速解答”栏目，这部分内容像是经验丰富的老师傅在耳边点拨，直击初学者最容易犯的错误。比如，关于“CMYK和RGB模式转换”中可能出现的色彩偏差问题，它没有仅仅停留在“转换”这个动作上，而是追溯到了色彩空间管理的源头，并提供了针对印刷和网络发布的最佳实践方案。这种以问题为导向的教学结构，使得学习过程非常高效，让人感觉每一步学习都是有针对性的“靶向治疗”，而不是漫无目的的知识灌输。总而言之，这本书在“可读性”和“视觉引导性”方面做到了教科书级别的典范。

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