动漫美术基础

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出版者:高等教育
作者:郑向虹 编
出品人:
页数:149
译者:
出版时间:2007-7
价格:24.20元
装帧:
isbn号码:9787040210125
丛书系列:
图书标签:
  • 动漫美术
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  • 绘画
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具体描述

《动漫美术基础(彩色版)》是计算机应用与软件技术专业电脑动漫制作方向主干课程教材,根据电脑动漫专业教学指导方案编写。《动漫美术基础(彩色版)》旨在将初学者领入动漫美术设计的大门,使其了解优秀设计所包含的要素,循序渐进地掌握美术设计的全过程,包括迈向动漫设计的第一步、美术设计从绘画起步、动漫设计技法、动漫造型原理、动漫设计的构图原则、色彩设计与应用等内容。《动漫美术基础(彩色版)》采用出版物短信防伪系统,同时配套学习卡资源。用封底下方的防伪码,按照《动漫美术基础(彩色版)》最后一页“郑重声明”下方的使用说明进行操作。《动漫美术基础(彩色版)》可作为中等职业学校计算机应用与软件技术专业电脑动漫制作方向及其相关方向的动漫美术设计课程教材,也可作为各类电脑动漫培训班教材,还可供电脑动漫从业人员参考。

《光影的叙事:西方油画中的色彩与空间》 一、 导论:从摹想到创造——西方油画的流变史诗 本书旨在深入剖析自文艺复兴早期至20世纪中叶,西方油画艺术在色彩运用、空间构建以及光影处理上所经历的革命性演变。我们不将油画视为孤立的技术集合,而是将其置于深刻的社会、哲学和科学背景之下,探究艺术家如何利用油基媒介这一载体,重塑我们对现实世界的认知和情感表达。全书结构围绕“技术革新如何推动美学表达的边界”这一核心命题展开,层层递进,辅以大量经典作品的细致入微的图解分析。 第二章:材料的觉醒——蛋彩到油画的媒介转型及其影响(约200字) 在油画大规模普及之前,蛋彩画主导了中世纪和早期文艺复兴的艺术舞台。本章将详尽介绍油基媒介——特别是亚麻籽油、核桃油等媒介的引入,如何彻底改变了绘画的可能性。我们将讨论油画在干燥时间、颜料混合的透明度(Glazing)、以及色彩的饱和度上对传统蛋彩画的颠覆性优势。重点分析早期尼德兰画派(如凡·艾克)如何将油画的湿性混合技术运用到极致,实现前所未有的细节刻画与光泽质感。 第三章:文艺复兴的透视法则与光线的理性:古典空间的确立(约350字) 本章聚焦于文艺复兴时期,艺术家们如何将数学和几何学引入绘画,构建出“可信赖的”三维空间。内容将细致阐述线性透视法的原理(单点与多点透视),以及大气透视法(Aerial Perspective)的运用,解释透视如何服务于叙事结构和宗教主题的庄严感。 随后,我们将转向“光线”的处理。探讨在达芬奇的“晕染法”(Sfumato)中,光线如何被柔化、模糊,以营造心理深度而非单纯的物理描绘;并对比同期威尼斯画派(如提香)如何利用“色彩优先”的策略,弱化硬朗的轮廓线,让色彩本身成为构建体积和光感的决定性因素。这部分将深入解析文艺复兴盛期“明暗对比”(Chiaroscuro)的初步形式,即光与影的清晰界限在构建戏剧张力上的作用。 第四章:巴洛克的激情与戏剧:强光下的情感聚焦(约300字) 巴洛克艺术将光影的运用推向了极致的情感宣泄。本章的核心是卡拉瓦乔(Caravaggio)及其追随者对“明暗对照法”(Tenebrism)的开创性运用。我们将详细拆解Tenebrism的技法特点:极端的、聚光灯般强烈的局部光源,与背景中深不可测的黑暗形成尖锐的对立。这种处理方式如何服务于巴洛克艺术对瞬间、激情和精神震撼的追求。 此外,我们将分析鲁本斯和伦勃朗在光影处理上的差异。伦勃朗如何通过对中心焦点的微妙照明,引导观众的目光,并利用光线来揭示人物的内心世界(即“心灵之光”),而非仅仅是场景的照明。 第五章:洛可可的轻盈与浪漫主义的自然光:色彩温度的转向(约250字) 随着艺术风尚的演变,洛可可时期(如华托、布歇)对早期油画中那种厚重、严肃的光影结构进行了“去戏剧化”处理。本章探讨如何使用更柔和、更分散的笔触和高饱和度的暖色调来营造愉悦、私密和感性的氛围。 紧接着,浪漫主义的兴起要求绘画回归自然与情感的真实体验。我们将分析德拉克洛瓦和特纳如何开始“解构”古典的精确光线,转而捕捉光线转瞬即逝的大气效果和色彩的振动。这预示着印象派对自然光研究的到来。 第六章:印象派的光谱革命:色彩的科学与瞬间的捕捉(约300字) 印象派是油画史上对“光”研究最彻底的一次飞跃。本章将重点介绍十九世纪晚期光学理论(如谢弗勒尔的色彩对比定律)对莫奈、雷诺阿等艺术家的影响。我们将详细探讨他们如何放弃传统的明暗体积塑造,转而采用并置纯色的技法(Optical Mixing),让色彩在观众眼中自行融合,以捕捉特定时间点上空气中光线的细微变化。 本章还会区分后印象派对光线处理的进一步深化:塞尚如何用色彩的冷暖关系来构建稳定的空间结构,以及梵高如何利用强烈的色彩对比(如黄色与蓝紫色的并置)来表达强烈的主观感受,而非客观再现。 结语:媒介的未来与经典的回响(约50字) 最后,本书简要回顾了油画媒介如何从技术工具演变为表达哲学观念的载体,并展望了这些对光影和色彩的深刻理解如何影响了后续的现代艺术探索。

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读后感

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说实话,我一直对**漫画分镜和叙事节奏**感到头疼,我的故事画出来总是平铺直叙,缺乏张力。这本书,简直是为我这种想做原创漫画却卡在“讲故事”瓶颈的人准备的!它完全是站在导演的角度来讲解镜头语言的运用。书中系统地讲解了从特写、中景到全景的切换逻辑,以及如何利用不同焦距的镜头来控制信息量和观众的代入感。最让我惊喜的是,它专门用一整章的篇幅讲解了“视觉导线”和“视线引导”,如何通过背景元素、人物朝向甚至对话框的布局,潜移默化地将读者的目光引向下一个关键信息点,避免了画面拥挤和叙事混乱。我以前总觉得分镜就是把图画排列起来,但这本书告诉我,每一个格子的留白、每一个气泡的位置,都是在和读者“对话”。它还提供了大量的“坏例子”和“好例子”对比,清晰地展示了错误的运镜会导致的阅读障碍。学完之后,我立刻尝试用书里教的“三幕式分镜结构”来重构我之前的故事草稿,效果立竿见影,故事的推进突然变得紧凑而富有节奏感了。

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天呐,我简直不敢相信!我最近淘到了一本关于**数字绘画软件操作技巧**的书,简直是我的救星!我一直苦于自己画出来的线条不够流畅,上色总是灰蒙蒙的,总觉得自己的数位板像是没开窍一样。这本书简直是为我这种“数位绝缘体”量身定制的,它没有故弄玄虚地谈什么艺术理论,而是实实在在地教你Photoshop和Clip Studio Paint里那些看似复杂却极其实用的快捷键和图层混合模式。我尤其喜欢它对笔刷自定义的讲解,简直是打开了新世界的大门!以前我总觉得要画出那种细腻的皮肤质感,需要买一堆昂贵的笔刷包,结果作者用内置的基础笔刷,通过调整笔触压力和抖动修正,就轻松模拟出了水彩和铅笔的真实手感。书里还有好几章专门讲动态捕捉和透视网格的设置,对于画复杂场景和多人构图时,简直是效率神器。读完这部分,我感觉自己的作图速度至少提升了30%,而且最重要的是,作品的专业度一下子就上来了,那种机械、精确的美感,让人看了就觉得赏心悦目。这本书的排版也非常清晰,大图对比做得特别到位,直接就能看出“操作前”和“操作后”的巨大差别,非常直观,学起来毫无压力。

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这本书简直是为我这个科班出身、但实践能力有待提高的美术生准备的“秘密武器”!我一直对**传统素描中的光影结构和解剖学**有些模糊的概念,尤其是在处理复杂人体动态时,总感觉哪里不对劲,但又说不上来。这本书的讲解方式简直是把抽象的理论具象化了。它不是简单地贴出肌肉群的名称,而是用非常精妙的图解方式,展示了光线在不同曲面上是如何产生高光、灰面和投影的。特别是它对“体积感”的强调,简直让我茅塞顿开。作者用了大量的石膏像写生案例,深入剖析了头骨和四肢骨骼在不同角度下的透视变化,告诉我如何“用形体”而不是“用线条”去塑造角色。看到书里关于骨骼受光面和背光面的处理,我才真正理解了为什么有些大师的作品看起来那么“立体”。而且,这本书并没有停留在理论层面,它还结合了人体动态速写,教你如何在几秒钟的观察中捕捉到主要的受力点和形体转折,这对提升我的写生速度和准确性帮助太大了。读完后,我重新审视了我以前画的那些人物,感觉像是带着X光片在看世界,那种对内在结构的洞察力,真的让人佩服得五体投地。

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我对外文原版画集一直有种敬畏,感觉很多顶尖艺术家的灵感和技巧都藏在那些厚重的画册里,但又苦于没有专业的解读。这本书,我的天,它简直是**欧洲文艺复兴大师作品的“大众翻译官”**!它聚焦于提香、卡拉瓦乔等巨匠,但切入点非常新颖,完全避开了枯燥的生平介绍,而是深入剖析了他们如何运用“色彩心理学”来引导观者的情绪。比如,书中对卡拉瓦乔的“明暗对比法”进行了一次彻底的解构,不仅仅是说“他用黑白对比”,而是细致地分析了每一处高光的‘温度’和阴影的‘层次’,是如何精确地烘托人物内心挣扎的。我最震撼的是它关于“色彩情绪板”的构建分析,它居然能用现代色彩理论来解释十五、十六世纪的艺术家的用色倾向,比如提香对“红宝石色”的偏爱如何象征着权力和激情。这本书的图片印刷质量极高,色彩还原度令人发指,我甚至能透过屏幕感受到画布上的笔触纹理。它让我明白了,艺术的表达是跨越时代的,掌握了色彩的底层逻辑,就能解开任何时代作品的密码。

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我对**水墨写意画**一直有种“可望而不可即”的感觉,总觉得那是一种需要多年功力才能掌握的玄学。然而,这本书却用一种非常科学和现代的视角,来拆解了水墨的“道”与“法”。它没有让我去揣摩老先生们说的“心法”,而是直接进入了“墨的物理特性”和“纸张的吸水性”的探讨。书中详细分析了不同浓度的墨在宣纸上扩散的规律,以及如何通过控制笔的侧锋和中锋来表现“飞白”和“润墨”的微妙变化。我特别喜欢它关于“留白”哲学的阐述——它不是简单的“空着”,而是被作者定义为“呼吸的空间”和“未完待续的意境”。书中列举了大量不同类型的水墨画案例,从山水到花鸟,并用图示清晰地标明了“墨的干湿点”和“笔触的运行轨迹”。这让原本看似飘渺的技法,变得可以被捕捉和模仿。它教会我,真正的写意不是随意乱画,而是极度克制的笔墨控制下,对物象神韵的提炼,这种理性与感性的完美结合,让我对中国传统艺术的理解提升到了一个新的高度。

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