中国画二十家(第一辑)-平治 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:北京美影

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页数:0

译者:

出版时间:2004-03-01

价格:26.0

装帧:

isbn号码:9787805012698

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• 中国画
• 绘画
• 艺术
• 平治
• 二十家
• 中国美术
• 传统绘画
• 艺术史
• 文化
• 艺术作品

中国画坛的时代风貌与艺术探索：聚焦当代名家之作 （本书系“中国画坛名家系列”之一，旨在深入剖析二十世纪下半叶至今中国画坛的多元发展脉络，精选二十位在不同领域做出杰出贡献的艺术家的代表作品，力求展现一个立体、丰富、充满活力的当代中国画图景。） 导言：时代的笔墨，历史的镜鉴 中国画，作为中华文明传承数千年的独特艺术形式，从未停滞于历史的回响之中。进入二十一世纪，在全球化、信息化浪潮的冲击下，传统水墨艺术正经历着一场深刻的变革与再生。本辑《中国画坛二十家（系列）》并非是对某个流派或地域的简单汇编，而是力求捕捉当代中国画发展中那些最具代表性的“声音”与“方向”。我们聚焦的这二十位画家，他们或深耕于传统笔墨的精微之处，以古为师，力求“师古而化古”；或勇于探索，将现代观念、西方写实技巧、乃至装置、影像等当代艺术语言融入水墨创作，试图构建全新的视觉体系。 本书旨在引导读者超越对传统山水、花鸟、人物的刻板印象，去理解当代中国画家是如何应对“何为中国画”这一世纪性命题的。他们不再仅仅是山水风物的描摹者，更是社会变迁的记录者、个体精神的投射者，以及文化身份的重塑者。通过对他们作品风格、创作理念及艺术史地位的梳理，我们得以窥见当代中国画坛在继承与创新之间所进行的艰苦卓绝的平衡与超越。 第一部分：山水精神的现代转换与重构 中国山水画历来被视为“可居、可游、可观”的哲学载体。在当代，面对城市化进程带来的自然景观的剧烈变化，以及摄影技术对客观再现能力的超越，传统山水画的重心不得不进行转移。本辑中涉及的几位重要画家，他们对山水精神的解读呈现出显著的现代性。 一、“意象”的山水：精神内观与形式实验 部分艺术家放弃了对具体名山大川的写生依赖，转而专注于“胸中山水”的营造。他们的作品往往使用极简的笔墨语言，或夸张变形的构图，来表达一种对自然秩序的理解，而非对自然表象的复制。 笔墨语言的拓宽： 笔触的力度、墨色的层次感被提升到前所未有的高度。他们可能使用大泼墨、焦墨的对比，创造出强烈的视觉冲击力，模糊了“实景”与“幻景”的界限。例如，某些作品中出现的巨幅留白，不再仅仅是处理空间的手法，而是成为一种“虚空”或“永恒”的哲学象征。 空间观念的打破： 传统三远法（高远、深远、平远）的运用变得更加自由和主观。一些作品甚至采用了类似蒙太奇的手法，将不同时间、不同地点的意象并置于同一画面中，体现了时间的复杂性在山水叙事中的介入。 二、对“大地”的关怀：社会介入的山水 另一些画家则将目光投向了被工业化和城市建设所破坏或重塑的现实景观。他们的山水画不再是远离尘嚣的“避世之所”，而是对当下生存环境的深刻反思。 现实元素的融入： 画面中可能出现几何化的城市建筑轮廓、被污染的水源或是被开采殆尽的矿区景象，这些元素被巧妙地融入到传统的皴法与点苔之中，形成一种强烈的反讽或悲悯。 材料的实验性： 为增强表现力，部分作品尝试使用非传统材料，如掺入沙砾、矿物颜料，甚至结合拼贴技术，使画面质感更加粗粝、更具雕塑感，以契合现代人对物质世界的直观感受。 第二部分：人物画的叙事转向与个体表达 当代人物画的创作，正经历着从宏大叙事向个体生命体验的深刻回归。在经历了革命历史题材的鼎盛期后，当代画家将更多的笔墨投向了对“普通人”命运的关注和对“自我”的探寻。 一、世俗生活的诗意化捕捉 本辑中有多位人物画家，他们擅长捕捉日常生活中转瞬即逝的瞬间，以细腻的笔触赋予平凡场景以诗意的光芒。 细节的真实性与概括性： 他们在人物的衣着、姿态、面部表情上力求准确，但又不拘泥于完全写实。例如，对眼神的处理，往往是内敛而深沉的，暗示着人物复杂的内心世界，而不是外露的情绪。 场景的限定性： 很多场景被限定在狭小的室内、拥挤的街道或特定的劳作环境中，这种“限定”反而加强了人物与环境之间的张力，突显了人的存在感。 二、文化身份的视觉呈现 在民族身份认同日益重要的背景下，一些人物画家致力于挖掘本土文化符号，并以现代审美进行重塑。 传统题材的当代演绎： 对古代仕女、历史人物的再创作，不再是简单的复古，而是通过现代的审美视角重新解读其精神内核。例如，运用现代光影效果来处理传统线描，或以夸张的人体比例来表达特定文化语境下的审美趣味。 符号的并置与冲突： 画面中可能会出现传统服饰与现代物品的并置，如老人在摩天大楼下阅读，这种视觉上的并置，直接反映了文化在时间河流中相互影响、碰撞的现实。 第三部分：花鸟画的象征意义与抽象探索 花鸟画，作为中国画中最具文人雅趣的门类，在当代也展现出惊人的活力。它不再仅仅是“四君子”的重复，而是成为了画家表达生命哲学、审美情趣乃至反思生态危机的有力媒介。 一、生命力的极致张扬 部分画家回归传统大写意，但其“写”的程度远超以往，达到了近乎抽象的表现。 笔墨的“速度”与“激情”： 墨与色的挥洒充满了动感，特别是对竹、荷等题材的处理，强调了植物在生长过程中爆发出的那种原始的生命能量。线条的粗细、干湿的变化，被用来模拟风的流向、水的冲击，具有强烈的节奏感。 色彩的解放： 传统花鸟画多以水墨或清淡设色为主，但当代部分画家大胆引入了强烈的矿物色、洋红色、深蓝色等，使花鸟题材获得了前所未有的视觉冲击力，挑战了传统“淡雅”的审美定势。 二、微观世界的哲学沉思 与宏大叙事相对的，是对微小生命的细致入微的观察和描绘，这其中蕴含着深沉的哲学思考。 生态意识的体现： 对昆虫、枯枝、苔藓等“边缘”元素的关注，往往是对生态系统平衡被打破的一种隐晦表达。 工笔的复兴与创新： 几位工笔大家，通过极为精细的描摹，使画面具有了摄影般的质感，但其精妙之处在于，他们通过对光线和纹理的极致处理，赋予了这些静物以“时间感”和“物质的永恒性”。 结语：在传统与未来之间架设桥梁 《中国画坛二十家（第一辑）》所呈现的，是中国画在当代语境下“多中心”的发展格局。这二十位艺术家，无论他们身处何方，从事何种题材，其核心都在于对中国绘画语言的深度挖掘和对时代精神的真诚回应。他们用笔墨证明，中国画不仅是历史的遗存，更是当下强有力的艺术表达方式。通过本书的深入研究，读者可以更全面、更深入地理解当代中国画艺术的广阔疆域与不竭生命力。

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这本书的选篇角度实在太有洞察力了，它没有拘泥于传统意义上那些耳熟能详的“大师”，而是挑选了一些在特定时代背景下，那些默默耕耘、风格独特的画家。这种筛选标准，体现出了一种更为深层次的艺术史观，让人耳目一新。通过这些画家的作品，我们得以窥见中国画在近现代发展过程中，那些细微而重要的分支脉络是如何形成的。我尤其欣赏它对不同地域、不同画派风格差异的呈现，通过对比，能更清晰地把握住中国画内在的张力与演变。这不仅仅是简单的作品集，更像是一份精心编纂的“视觉研究报告”，引导着读者去思考，到底是什么样的时代精神，催生了这些独树一帜的笔墨语言。对于一个想深入了解中国画发展肌理的爱好者来说，这本书提供的视角是极其宝贵和稀有的。

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这本书的装帧设计真是一绝，拿到手的时候就被它沉甸甸的质感和精美的封面吸引住了。纸张的选择非常考究，那种微微泛着哑光的质地，摸起来就很舒服，即便是印刷的墨色也显得格外沉稳大气。内页的排版布局也看得出是用心设计的，留白恰到好处，让那些精美的图版有了足够的呼吸空间，即便是长时间欣赏也不会感到视觉疲劳。看得出来，出版方在制作这本书时，绝对是倾注了极大的热情和对艺术品的敬畏之心。这种对物质载体的重视，无疑提升了阅读和鉴赏的体验，让人在翻阅的过程中，就能感受到一种扑面而来的艺术气息。它不仅仅是一本画册，更像是一件值得收藏的艺术品本身。那种将艺术的精髓用高品质的物料去承载的匠人精神，是现在很多快餐式出版物中所难以寻觅的。每翻开一页，都像是在进行一场庄重的仪式。

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作为一位资深的艺术评论者，我关注的重点往往在于作品背后的学术支撑和论述的严谨性。这本书在这一点上做得相当到位。那些伴随作品出现的导读文字，虽然篇幅不长，但字字珠玑，逻辑清晰，对每位入选画家的艺术历程和风格特点把握得极其精准到位。它避免了空泛的溢美之词，而是用扎实的艺术史知识去构建评价体系，这种理性的分析框架，为我们这些专业人士提供了极大的便利。尤其是一些关于技法转折点和社会背景影响的论述，提供了全新的解读视角，让人在欣赏作品的同时，也能获得更广阔的学术视野。这本书的价值，已经超越了单纯的“鉴赏”范畴，它具备了作为小型学术参考资料的潜力。

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坦白说，我购买这本书是带着一丝“碰运气”的心态，因为这类汇集不同艺术家的画册，常常会出现质量参差不齐的问题，要么是印刷色差严重，要么是焦点模糊不清。然而，这本书完全颠覆了我的预期。图像的还原度高得惊人，即便是最细腻的皴法和最微妙的淡墨过渡，都得到了忠实的再现。这对于研究中国画的笔墨语言来说至关重要，因为在中国画中，细节往往决定了整体的气韵。我特别对比了其中几幅特定年代的作品，那种特有的“时间感”——纸张的微黄、墨色的沉淀——都通过高质量的印刷被保留了下来。对于那些无法时常前往博物馆或美术馆进行原作研究的爱好者来说，这本书提供了一个近乎完美的“替代方案”，极大地拓宽了我们接触和学习经典艺术的途径。

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阅读这本书的过程，与其说是“看画”，不如说更像是一场与古人对话的心灵漫步。那些线条的抑扬顿挫，墨色的浓淡干湿之间，仿佛都能听到画家运笔时的呼吸声。有些画作的意境是如此的深远和辽阔，仅仅是看图，我的思绪就已经被拉到了那片山水之间，体会到了那种“可行、可望、可游、可居”的哲学思考。它教会了我如何去“读”一幅画，不只是看它画了什么，更要去感受它“没画”的部分，去体会创作者在构图、留白时所倾注的全部心力与情感。这种深度的沉浸感，是任何走马观花式的展览都无法给予的。每当我感到生活有些许的芜杂和喧嚣时，翻开这本书的某一页，就能立刻找到一处宁静的港湾，瞬间让心绪沉淀下来。

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