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出版者:

作者:Wolfgang Amadeus Mozart

出品人:

页数:285

译者:

出版时间:1974-6

价格:162.27元

装帧:

isbn号码:9780486230528

丛书系列:

图书标签:

• 古典音乐
• 交响乐
• 贝多芬
• 勃拉姆斯
• 马勒
• 晚期作品
• 音乐史
• 音乐分析
• 浪漫主义
• 管弦乐

《未竟的乐章：交响曲的演进与创新》 在古典音乐浩瀚的星空中，交响曲无疑是最璀璨的星辰之一。它以其宏大的结构、丰富的情感表达和精妙的织体，征服了无数听众的心。本书《未竟的乐章：交响曲的演进与创新》并非对某个特定时期交响曲的简单罗列，而是深入探寻这一音乐体裁从萌芽到繁盛，再到不断革新与演变的漫长旅程。我们将目光投向那些塑造了交响曲面貌的伟大作曲家们，剖析他们如何继承传统，又如何大胆突破，为后世留下了宝贵的音乐遗产。 本书将从巴洛克晚期交响曲的雛形——意大利序曲和德国序曲——开始，追溯其与歌剧序曲之间千丝万缕的联系。我们将考察海顿如何奠定古典交响曲的经典四乐章结构，赋予每个乐章独特的性格与功能。他的作品，被誉为“交响曲之父”的杰作，不仅确立了奏鸣曲式在第一乐章的核心地位，更以其清晰的逻辑、明快的旋律和丰富的情趣，为后来的作曲家们树立了典范。我们也将审视莫扎特在古典交响曲的框架内所展现出的惊人创造力，他如何将歌唱性的旋律、戏剧性的张力与精致的和声巧妙融合，将交响曲推向了新的高度。 进入浪漫主义时期，交响曲迎来了其最为辉煌的时代。贝多芬，这位连接古典与浪漫的巨人，以其不屈的精神和划时代的创新，彻底颠覆了交响曲的面貌。他的九部交响曲，每一部都是一次思想的爆发，情感的宣泄，以及对人类命运的深刻思考。《第三交响曲》“英雄”的宏伟叙事，《第五交响曲》“命运”的戏剧性冲突，《第九交响曲》“合唱”将人声引入交响的壮丽篇章，无不展现了他作为音乐革命家的远见卓识。 随着浪漫主义的深入，交响曲的面貌变得更加多元和个性化。舒伯特以其舒缓悠扬的旋律和深邃的情感，描绘了细腻而诗意的音乐画卷。勃拉姆斯，在严谨的古典结构中注入了浓郁的浪漫主义情怀，他的四部交响曲被誉为“维也纳的传统”的继承与发展。柴可夫斯基则以其热情奔放的旋律、鲜明的情感对比和深刻的民族特色，将俄罗斯交响音乐推向了世界舞台。 本书还将关注那些在浪漫主义后期，开始探索新的音乐语言和表现手法的作曲家。马勒，这位晚期浪漫主义的巨匠，以其史诗般的体裁、庞大的编制和深刻的哲学思考，将交响曲的边界推向了极致。他的作品，如《第二交响曲》“复活”和《第八交响曲》“千人”，不仅是对音乐形式的挑战，更是对生命、死亡、信仰等宏大命题的探索。 同时，我们不会忽略那些在交响曲发展中扮演重要角色的其他作曲家，如门德尔松、舒曼、德沃夏克、西贝柳斯等等。他们各自以独特的风格和创新，丰富了交响曲的内涵。我们将考察他们在曲式、配器、和声以及音乐表现力等方面的贡献。 进入20世纪，交响曲面临着前所未有的挑战与变革。勋伯格及其十二音技法、序列音乐等新技术的出现，对传统的调性体系和音乐结构发起了冲击。斯克里亚宾、斯特拉文斯基、勋伯格、巴托克、肖斯塔科维奇等作曲家，在各自的探索中，或坚持对传统技法的重塑，或开辟全新的音乐领域。本书将分析这些作曲家如何回应时代的呼唤，如何将现代社会的精神、科技的进步、心理学的洞察融入音乐创作，使得交响曲在新的时代背景下焕发新的生命力。 本书并非旨在梳理每一位交响曲作曲家的作品目录，而是希望通过对关键作曲家及其代表作的深入解读，揭示交响曲在不同历史时期所呈现的特征、发展脉络以及创新动因。我们将重点关注作曲家在曲式结构、主题发展、配器技巧、和声语言以及音乐思想等方面的创新与突破。通过对这些“未竟的乐章”的细致梳理，读者将能更深刻地理解交响曲为何能够成为一种如此持久而富有生命力的音乐体裁，以及作曲家们如何不断地在继承与创新的道路上，赋予这一古老体裁以新的意义和可能。 《未竟的乐章：交响曲的演进与创新》旨在为音乐爱好者、学生和专业人士提供一个全面而深入的视角，去理解交响曲这一音乐形式的丰富历史、艺术魅力及其持续的生命力。本书将引导读者穿越历史的迷雾，聆听那些伟大灵魂在音符间的回响，感受交响曲永不止息的探索与创造。

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购买这本书的初衷是想了解特定时期的管弦乐配器发展，但读完之后，我发现自己收获了远超预期的体验。它成功地架设起了一座理解“古典主义的终结与浪漫主义的黎明”的桥梁。书中对和声语言演变的描述，尤其精彩，它不只是简单地罗列“和弦变了”，而是解释了为什么会变——比如工业革命带来的社会对“个人情感表达”的集体渴望，是如何反作用于音乐家对“音域拓展”和“色彩变化”的追求上的。这种宏观的历史观和微观的音乐技术分析相结合的写法，让人在思考某个具体的交响乐章时，能立刻将其置于整个西方文明演进的背景之下。我感觉自己对音乐的“听觉记忆”被重新校准了，以前听到某些激昂的段落只是觉得“很震撼”，现在则能隐约体会到其中蕴含的对既有规范的反叛和对新时代的呼唤。这本书培养的不仅是知识，更是一种批判性的鉴赏能力。

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我最看重的是这本书的深度和广度，它显然不是那种浅尝辄止的“入门指南”。作者（或者说编者团队）显然对所涉猎的音乐时期有着极为深刻的理解，他们没有仅仅停留在对旋律的赞美上，而是深入挖掘了创作背后的社会思潮、技术革新乃至作曲家个人的心理挣扎。读到关于某个三声部赋格曲的结构分析时，我感觉自己仿佛站在了建筑师的脚下，被一层层解构和重组的逻辑所震撼。这种分析的精细度，让我对以往匆匆听过的那些乐章有了全新的认识。比如，书中对某个协奏曲中“卡登扎”部分的处理，居然能追溯到早期巴洛克风格对即兴演奏的偏好，并论证了这种古典结构如何在浪漫主义的宏大叙事中找到了新的出口。这种跨越时空的对话感，着实令人着迷。对于一个追求知识的深度而不是表面光鲜的听众来说，这本书提供的洞察力是无价的，它让“聆听”变成了一种需要主动参与的智力活动。

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这本书的装帧设计实在是太精美了，那种厚重又不失典雅的感觉，拿在手里就让人有种庄重感。封面选用的深蓝色调，配上烫金的标题，在光线下闪烁着低调的奢华，仿佛预示着内里收录的音乐作品定会是精品中的精品。我尤其欣赏它在排版上的用心，字体大小和行间距的拿捏恰到好处，即便是初次接触古典音乐的读者，也能轻松阅读那些深奥的乐理分析和历史背景介绍。我原本以为这样的“合集”难免会显得有些零散，但编辑的功力体现在了章节间的过渡上，行云流水，让人沉浸其中，完全忘记了自己是在翻阅一本厚重的乐谱或评论集。书中的插图和历史照片也起到了极佳的辅助作用，它们不仅是视觉的点缀，更是帮助理解那个时代氛围的窗口。我花了好长时间对着其中一张描绘某位作曲家在昏暗灯光下伏案工作的素描图发呆，那种专注和执着仿佛能穿透纸张直达人心。总的来说，这本书的物理呈现就已经达到了艺术品的级别，光是摆在书架上，都能提升整个房间的文化气息。

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这本书的叙事风格极其富有感染力，它没有采用那种刻板的学术论文腔调，反而更像是一位经验老到的音乐史学家，带着你穿梭于欧洲各大音乐厅的幕后。作者的笔触时而热情洋溢，仿佛在描述一场高潮迭起的首演；时而又变得极其内敛和哀伤，描摹作曲家在失意或病痛中的最后创作片段。我尤其喜欢其中穿插的那些轶事，它们让那些高高在上的音乐巨匠变得有血有肉。譬如，关于某位以脾气暴躁著称的指挥家，在后台与小提琴首席因为一个休止符的处理而差点发生肢体冲突的记载，读来让人忍俊不禁，但也从中体会到艺术追求上的绝对严苛。这种“人情味”的叙述，极大地降低了古典音乐的门槛，让原本觉得遥不可及的艺术殿堂变得亲切了许多。它不仅仅是知识的传递，更是一种情绪的共振，读起来一点也不觉得枯燥乏味，时间不知不觉就溜走了。

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从图书馆借来的这个版本，纸张的触感非常令人愉悦，那种略带粗糙的哑光质感，使得大段的文字阅读起来非常舒适，不像有些印刷品用那种反光的铜版纸，读久了眼睛会涩。更重要的是，这本书的索引和附录部分做得极为专业和详尽。我常常发现自己在阅读正文时，遇到不熟悉的术语或人名，习惯性地翻到书后查找。那个按作品编号排列的目录，简直是为研究者准备的利器。我曾尝试用它来快速定位某一特定时期（比如18世纪中叶的维也纳学派）的关键文献，发现其交叉引用功能强大到令人惊叹。这表明，这本书的编写团队在资料整合和检索效率上投入了巨大的精力，绝非简单的文摘汇编。对于那些需要引用、查阅资料的严肃爱好者或学生来说，这本书的实用价值远超其本身的阅读价值，它更像是一本可以信赖的“工具书”。

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