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出版者:人民音乐

作者:南京艺术学院“中国当

出品人:

页数:514

译者:

出版时间:2006-12

价格:60.00元

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isbn号码:9787103031919

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窥探时代脉搏，聆听精神回响——一部关于中国当代文化思潮与艺术实践的探索 本书并非一部音乐学专著，不以乐理分析、作曲技法或音乐史梳理为主要旨趣。它是一次深入中国当代社会文化肌理的考察，一次对塑造了当下中国艺术生态与精神面貌的多元思潮的细致梳理，一次对艺术实践如何在时代洪流中寻找表达、回应现实的深度观察。 我们试图透过纷繁复杂的艺术现象，去捕捉那些潜藏在字里行间、音符起伏、色彩碰撞背后的精神脉络。从上世纪末至今，中国经历了前所未有的社会转型，经济的飞速发展、全球化的浪潮、信息技术的爆炸式革新，都在深刻地改变着人们的价值观念、思维方式和情感体验。这些宏大的社会变迁，如同巨石投入平静的湖面，激起的层层涟漪，无不映射在当代艺术的创作之中。 本书将目光聚焦于那些对中国当代文化产生深远影响的关键性思潮。我们将探讨市场经济浪潮下，艺术与商业的复杂关系如何演变，消费主义思潮对审美趣味的冲击，以及艺术家如何在商业化压力与艺术独立性之间寻求平衡。我们将审视后现代主义、解构主义等西方哲学思潮在中国的本土化过程，它们如何影响了艺术家的创作观念，挑战了既有的叙事模式和表达方式。同时，我们也无法忽视全球化背景下，文化认同的焦虑与重塑。在全球文化交流日益频繁的今天，中国艺术家如何在吸收外来文化养分的同时，坚守并重新定义自身的文化主体性，是本书着力探讨的议题之一。 除了宏观的思潮分析，本书更关注这些思潮在具体艺术实践中的落地与呈现。我们将深入探讨不同艺术门类——绘画、雕塑、装置、影像、戏剧、文学，乃至新兴的数字艺术——在当代中国所展现出的独特面貌。我们不是要对这些艺术作品进行美学评判，而是要理解它们是如何回应时代的。例如，某些艺术家如何通过其作品揭示社会现实的症结，如何以隐喻或直白的方式表达个体在巨变中的迷茫与抗争。一些作品又如何借助新技术、新媒介，拓展了艺术表达的可能性，创造出前所未有的视觉与感官体验。 本书特别关注那些“在场”的艺术，那些与当下社会生活紧密相连的实践。我们将考察公共艺术的兴起，艺术如何走出画廊与工作室，进入城市空间，成为公众生活的一部分。我们也将审视独立艺术机构、艺术节展等平台在孵化新人、推动实验性创作方面所扮演的重要角色。艺术介入社会、艺术与社区的互动，以及艺术家如何承担其社会责任，这些实践性的探索，构成了本书不可或缺的组成部分。 我们深知，任何对当下文化的解读都可能面临主观性的挑战。因此，本书秉持一种开放、多元的视角，不预设标准答案，而是鼓励读者一同参与这场思考。我们力求在严谨的学理分析与生动的案例呈现之间找到恰当的平衡，让抽象的思潮变得可感可触，让复杂的艺术现象得以清晰呈现。 本书的写作，源于对中国当代文化生命力的强烈好奇，源于对那些在时代洪流中默默耕耘、不断探索的艺术家们的敬意。我们相信，理解中国当代艺术的实践，就是理解中国当代社会的精神状态；洞察当代艺术的发展脉络，就是在聆听这个时代最真实、最深刻的回响。 这并非一本“如何做艺术”的指南，而是一次“看见艺术如何发生”的邀请。它希望能够为对中国当代文化、社会思潮以及艺术实践感兴趣的读者，提供一个理解当下中国的独特视角，激发更多关于时代、关于文化、关于艺术的深入思考。我们相信，在这片充满活力与变革的土地上，艺术的探索永无止境，而对艺术的解读，也将不断深化我们对自身与所处时代的理解。

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这本书的阅读过程，简直像是一次对听觉记忆的重塑。作者在描述音乐体验时，所使用的语言充满了画面感和感官的冲击力，即便我没有手边播放对应的作品，也能在脑海中重构出那些复杂的声响结构和情绪流转。他不像某些评论家那样，沉溺于浮夸的形容词堆砌，而是精准地运用音乐本体的语言去捕捉和传达听觉感受。例如，他对某种特定配器法带来的空间感描述，或者对某个旋律片段中节奏张力的微妙处理，都精准到了令人拍案叫绝的地步。这使得即便是对某些非常前卫或实验性的音乐作品，读者也能通过文字建立起一座通往其声学世界的桥梁。这种将抽象的声音转化为具体而富有张力的文字表达的能力，是这本书最让我震撼的地方。

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我必须得说，这本书对术语的界定和概念的梳理工作做得极其到位。在当代研究领域，很多核心概念往往因为使用频率过高而变得模糊不清，或者在不同流派之间产生歧义。然而，这位作者在这方面展现了惊人的严谨性，他对每一个关键术语，比如“现代性”、“文化批判”在音乐语境下的具体含义，都进行了细致入微的辨析和溯源。他不是简单地引用定义，而是深入到概念的生成语境中去剖析其内在张力。这对于我们这些希望进行严谨学术写作的读者来说，简直是如获至宝。它帮助我修正了过去一些模糊的认识，让我明白，对音乐进行批判性思考，首先必须对我们赖以思考的工具——语言和概念——有绝对清晰的把握。这本书在概念澄清上的努力，本身就构成了它重要的学术价值之一。

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坦率地说，这本书的阅读难度是相当高的，它绝不是那种可以轻松消遣的读物。它要求读者具备一定的音乐基础知识，并且需要投入相当的精力和专注力去消化那些深入的分析。不过，正因为它的“硬核”，才更显其珍贵。它不像市面上很多迎合大众的音乐普及读物那样流于表面，而是坚持在学术的深水区耕耘。我发现，每当我感到理解有些吃力时，稍作休息，然后带着新的思考回过头来重读某个段落，总能发现新的豁然开朗之处。这本书带来的不是即时的满足感，而是长期的智力积累和思维模式的优化。它强迫你跳出固有的思维定势，用更具穿透力的视角去审视那些我们习以为常的音乐现象，这对于任何严肃的音乐学习者来说，都是一次必要的“智力洗礼”。

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初读这本书的目录和前言时，我立刻意识到作者在构建这个研究体系时所下的苦功。它并非简单地罗列各个时期的音乐现象，而是构建了一个极具逻辑性和内在连贯性的分析框架。作者似乎没有急于给出结论，而是像一位经验丰富的考古学家，小心翼翼地剥开历史的尘土，引导读者深入理解特定历史背景下，音乐是如何作为一种文化载体和思想工具而存在的。特别是对于某些关键转折期的音乐思潮的梳理，作者展现了惊人的洞察力，他总能精准地捕捉到那些微妙的、不易察觉的观念变迁，并将其与宏大的社会思潮巧妙地联系起来。这种宏观与微观并重，历史与理论交织的叙事方式，极大地提升了阅读的层次感，让人感觉不是在读一本教科书，而是在跟随一位智者进行一场深入的思想漫游。

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这本书的装帧设计实在是太有品味了，厚实的纸张，略带哑光质感的封面，摸上去就有一种沉甸甸的学术分量感。我最喜欢的是它在版式上的处理，字体大小和行距拿捏得恰到好处，阅读起来眼睛一点都不费力，即便是长时间沉浸在那些复杂的理论分析中，也不会感到疲惫。封面设计上那抽象的线条和色彩组合，透露出一种既现代又深邃的艺术气息，完全不像某些学术著作那样古板沉闷，让人一拿到手就忍不住想翻开细读。里面的插图和乐谱排版也处理得极为精美，那些难懂的记号和图表，通过清晰的印刷和合理的布局，变得直观易懂。装订质量也相当可靠，书脊部分处理得很平整，翻开后可以完全摊平，这对需要对照不同章节进行研究的读者来说简直是福音。这本书的物理质感本身，就构成了一种对学术的尊重和对阅读体验的极致追求，让人愿意把它放在书架最显眼的位置，时不时地去抚摸一下，感受那种知识的厚度和艺术的美感。

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