漫画技法终极向导6 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:辽宁科学技术出版社

作者:[日] 林晃

出品人:

页数:143

译者:汇智天成

出版时间:2007-1

价格:19.80元

装帧:

isbn号码:9787538149517

丛书系列:漫画技法终极向导

图书标签:

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《艺术家的数字绘画入门：从零开始的笔刷与色彩探索》 本书简介 在数字艺术日益成为主流的今天，掌握强大的软件工具和高效的工作流程，是每一位有志于数字绘画的创作者的必修课。本书《艺术家的数字绘画入门：从零开始的笔刷与色彩探索》，并非侧重于特定风格或高阶技巧的描摹，而是致力于为初学者构建一个坚实、清晰、且充满探索乐趣的数字绘画基础框架。我们深知，面对Photoshop、Clip Studio Paint或其他专业绘图软件中琳琅满目的功能，新手往往会感到不知所措。因此，本书的设计宗旨是“去繁就简，聚焦核心”。 第一部分：硬件与软件的基石 本部分将带您跨越入门的第一道门槛——设备与工作环境的搭建。 第一章：选择你的数字画板 我们将详细分析市面上主流的数位板（Wacom、Huion、XP-Pen等）和数位屏（带屏和不带屏）的优缺点，重点讨论压力感应层级、倾斜感应的实际意义，以及如何根据预算和需求做出最适合自己的选择。我们不会推荐特定品牌，而是提供一套判断标准，让读者能够自行评估“哪种设备最符合我的手感和绘画习惯”。 第二章：软件环境的初探 虽然市面上有多种绘图软件，但本书将聚焦于行业内最通用且功能强大的几个平台（例如，选择讲解Photoshop或CSP的基础设置）。我们将从安装、界面布局的自定义开始，教读者如何根据自己的习惯重新排列工具栏，确保每一次打开软件都是一个高效、个性化的工作空间。本章会细致讲解图层（Layers）的概念——这是数字绘画的基石，区分基础图层、调整图层、分组图层的实用价值，以及如何通过图层命名和颜色标记来管理复杂的工程文件。 第二章的延伸：笔刷的哲学而非工具箱 许多初学者花费大量时间搜集和下载笔刷包，却不知如何运用。本书将“笔刷”的概念提升到“媒介模拟”的层面。我们不会提供上百种笔刷下载链接，而是教导读者理解笔刷的四大核心参数：形状动态（Shape Dynamics）、色彩动态（Color Dynamics）、纹理（Texture）以及不透明度与流量（Opacity & Flow）的相互作用。通过实际操作，读者将学会如何调整自带的基础圆头笔刷，使其模拟铅笔的粗粝感、水彩的渗化效果，或油画的厚涂质感。 第二部分：线条的构建与造型基础 数字绘画的精髓在于精确的控制。本部分旨在帮助读者摆脱“抖动”和“僵硬”，建立流畅的线条感和扎实的造型能力。 第三章：动态速写与线稿的流畅性 流畅的线条源于身体的运动，而非手腕的固定。本章将引入“慢速拉线练习法”和“动态追踪练习”，帮助读者建立手臂和肩膀发力的肌肉记忆。我们讨论如何利用软件的“防抖动/平滑度（Smoothing/Stabilization）”功能，但强调这只是辅助工具，核心仍在于练习。此外，本章会讲解如何使用“钢笔工具（Path Tool）”绘制精准的机械线条，以及何时该切换回自由手绘线条。 第四章：理解透视的二维投影 造型的基础是透视。本书不会陷入复杂的数学公式，而是聚焦于实际应用。我们将用最直观的方式解释“视平线（Horizon Line）”和“消失点（Vanity Point）”的概念，并指导读者在软件中利用“透视网格”或“透视辅助线”工具，快速搭建一、二、三点透视的场景框架。重点在于，如何利用透视规则来安排物体的前后关系和尺寸比例，确保画面具有空间深度感，而不是简单地将物体堆叠在一起。 第四部分：色彩的科学与情绪表达 色彩是赋予作品生命力的元素，但对于新手来说，色彩理论常常显得抽象而难以捉摸。 第五章：色轮的实用解读 告别死记硬背色环上的名称。本章着重讲解“色相（Hue）”、“明度（Value）”和“饱和度（Saturation）”这三个核心维度在数字工具中的实际意义。我们将演示如何使用软件内置的拾色器，通过调整明度和饱和度，快速地从一个基础色中衍生出高光、中间调和阴影色。 第六章：光影的定义与环境光照 光是造型的雕刻刀。本书强调“价值（Value，即黑白灰的层级）”的重要性，甚至高于色彩本身。本章通过解析不同光源（点光源、漫射光、侧光）对物体的影响，指导读者如何准确地描绘出“反光”、“接影”和“环境光遮蔽（Ambient Occlusion）”。我们会用黑白稿的绘制流程来训练读者的光影感，确保即使没有色彩，画面依然具有立体感和重量感。 第七章：色彩和谐与情绪定调 本章引导读者探索如何利用色彩心理学来引导观众的情绪。我们将重点解析几种基础且实用的配色方案，例如“互补色对比”、“邻近色统一”以及如何利用“色温（冷暖）”来区分前景与背景，从而增强画面的层次感和叙事性，而不是盲目堆砌鲜艳的色彩。 第五部分：工作流程与效率提升 数字绘画的优势在于其可修改性。掌握高效的工作流程，能极大地释放创造力。 第八章：从草图到精修的迭代过程 本书倡导一种结构化的绘制流程：草图定型 -> 结构线稿 -> 大色块铺设 -> 光影细化 -> 材质与细节添加。我们将示范如何在不破坏底层结构的前提下，利用图层模式（如叠加、柔光、线性减淡）快速地进行色彩和光效的试验。 第九章：效率工具的合理运用 本章探讨如何策略性地使用“参考图层（Reference Layers）”、“选区（Selection Tools）”和“图层蒙版（Layer Masks）”。蒙版的使用将被视为一种非破坏性的编辑方式，它允许创作者随时返回修改任何一个细节，而无需担心覆盖已完成的部分。我们还将讲解如何使用“变换工具”进行快速的比例微调，以优化构图。 总结：探索的起点 《艺术家的数字绘画入门》旨在提供一个坚实的“方法论”而非固定的“公式集”。它引导读者建立对数字媒介的内在理解，学会如何驾驭工具，将创意高效、精确地转化为视觉作品。掌握了这些基础，读者便能自信地迈入任何特定的艺术风格领域，开启属于自己的数字创作旅程。

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天哪，我最近真的挖到宝了！本来只是随便在书店里翻翻，结果就被一本封面设计得超吸引人的书抓住了眼球。书名嘛，好像叫什么“漫画技法终极向导6”，听起来就很厉害对不对？我虽然不是什么大神，但一直对漫画创作有着浓厚的兴趣，平时也爱捣鼓点小东西。拿到书的那一刻，我就迫不及待地翻了起来。里面的内容，真的让我大开眼界！比如，关于人物动态的讲解，简直是细致入微，从骨骼的走向到肌肉的拉伸，再到不同情绪下身体的细微变化，都描绘得一清二楚。我之前一直以为画好动态只是靠感觉，看了这本书才知道，原来背后有那么多科学和逻辑在里面。还有关于场景构图的章节，更是让我醍醐灌顶。我之前画背景总是乱七八糟，要么太拥挤，要么太空旷，不知道怎么把元素摆放得既美观又合理。这本书就给出了很多实用的构图法则，比如黄金分割、三分法等等，还用大量的范例来解释，我照着练习了一下，感觉画面一下子就有了层次感和故事性。最让我惊喜的是，这本书还涉及了光影和色彩的运用，这部分内容我一直觉得是我的软肋，总是画不好，但这本书里的讲解非常通俗易懂，还附带了很多不同光照条件下的人物和场景的绘画示例，我简直是如获至宝，感觉自己的漫画水平一下子提升了好几个档次！

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说实话，我一直觉得自己是个“画不好手”的人，每次画手都感觉像在画一团奇怪的肉球，完全没有那种灵巧和生动的感觉。《漫画技法终极向导6》这本书，简直就是我的救星！我花了很长时间来研究它关于手部绘制的章节，真的让我大为震撼。它不仅仅是教你手部的骨骼结构，更重要的是讲解了手指关节的运动规律，以及不同手势所蕴含的情感。比如，摊开的手掌代表着接纳，握紧的拳头则象征着愤怒或决心，就连轻微的指尖弯曲，都能传达出微妙的情绪。书中还有很多不同角度、不同姿势的手部练习图，配合着细致的讲解，我感觉自己终于找到了画好手的窍门。我尝试着画了几张，虽然离完美还有距离，但相比以前，进步真的太大了！而且，这本书对于表情的刻画也做了非常深入的分析。我之前画人物表情的时候，总是感觉千篇一律，很难表现出细微的情感差异。这本书就详细地拆解了各种表情，比如喜悦、悲伤、惊讶、愤怒等，分别对应着面部肌肉的哪些变化，以及眉毛、眼睛、嘴巴的联动。通过大量的示范图，我真的学会了如何让我的角色“活”起来，他们的情绪也能通过脸部表情得到淋漓尽致的表达。

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哇，这本《漫画技法终极向导6》简直就是为我量身定做的！我一直以来都觉得自己画线条的时候不够流畅，有时候看起来生硬而且缺乏生命力。这本书里面关于线条的运用，我真的要好好夸一夸。它不仅仅是教你如何握笔，而是深入探讨了不同线条所能传达的情感和质感。比如，粗犷有力的线条可以表现力量感和张力，细腻流畅的线条则能营造出柔美和精致。书中还举了很多例子，对比了用不同线条画同一个物体所产生的不同效果，让我一下子就明白了线条的奥秘。而且，它还讲到了如何利用线条来引导读者的视线，让画面更有节奏感。我之前画人物的时候，总觉得五官不够立体，特别是眼睛，总是画得死气沉沉的。这本书里关于眼睛的刻画，简直是教科书级别的！从眼球的结构、瞳孔的光泽，到眼睑的层次、睫毛的走向，每一个细节都讲解得非常到位。我按照书里的方法去练习，感觉自己画出来的眼睛一下子就有了神采，变得生动起来。还有关于服装的褶皱处理，这部分内容我之前也一直觉得很头疼，不知道怎么画得自然。书里用了很多不同材质的布料来举例，比如丝绸的垂坠感，棉麻的粗糙感，毛衣的蓬松感，都讲解得非常细致。我跟着练习，感觉自己画的衣服不再是“布片”，而是真正有了立体感和材质感。

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我不得不说，《漫画技法终极向导6》这本书，简直就像一个经验丰富的老师，耐心地指导着我一步步前进。它有一个非常棒的特点，就是“由浅入深，循序渐进”。我之前一直以为漫画创作就是速写、描线、上色这么简单，但这本书让我认识到了，原来在这些基础之上，还有那么多需要学习和掌握的技巧。它在讲解人物比例的时候，不仅仅给出了标准比例，还讲解了如何根据人物的性格和故事设定来调整比例，比如有些角色可以画得更高挑，有些则可以显得矮壮。这种“个性化”的讲解，让我觉得非常实用。还有关于“动态平衡”的解释，更是让我茅塞顿开。我之前画人物动起来的时候，总是觉得身体某个部分很奇怪，或者重心不稳。这本书就详细地分析了不同动态下身体的重心转移和支撑点，让我能够画出更自然、更有说服力的动作。最让我印象深刻的是，这本书还涉及到了“镜头语言”的运用。我之前只想着画好画面本身，但这本书却告诉我，如何通过镜头的角度、景别来叙事，如何利用构图来引导观众的情绪。这让我意识到，漫画创作不仅仅是绘画技能的展现，更是一种视觉叙事能力的体现。这本书为我打开了一个全新的视角，让我对漫画创作有了更深刻的理解。

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这本书，绝对是我近年来接触到的最实用、最有价值的漫画技法书籍之一。我特别欣赏它在“细节”方面的极致追求。比如，在描绘头发的部分，我之前总是觉得只要画出大概的轮廓就行了，但这本书却深入地讲解了头发的生长方向、发丝的粗细变化、不同发质（比如卷发、直发、爆炸头）的表现方式，甚至是如何通过光泽来区分不同的发质。它还提供了很多不同发型的人物绘制示范，让我能够更好地理解如何将理论知识应用到实践中。这让我意识到，原来头发的绘制也是一门大学问！另外，关于“透视”的讲解，也是我一直以来都感到困惑的领域。这本书用非常清晰易懂的方式，解释了不同类型的透视（一点透视、两点透视、三点透视）是如何工作的，并且提供了大量的辅助线和范例，让我能够更好地理解和运用透视原理来构建真实且有深度的场景。我以前画场景总是显得扁平，看了这本书之后，感觉画面一下子就有了空间感和纵深感，仿佛真的能够走进那个世界一样。这本书不仅仅是教你“怎么画”，更是让你理解“为什么这么画”，这种底层逻辑的讲解，对于我这种想要真正提升自己绘画水平的人来说，真是太重要了。

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画风有些跟不上时代，但是依旧值得学习

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