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出版者:Macmillan Pub Co

作者:R. Murray Schafer

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1976-04

价格:USD 11.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780028723303

丛书系列:

图书标签:

• 音乐教育
• 创意教学
• 音乐创新
• 教学方法
• 课程设计
• 音乐启蒙
• 儿童音乐
• 艺术教育
• 教育心理学
• 音乐素养

《乐音的脉络：探索创造性的音乐学习路径》 在这本引人入胜的书籍中，我们将踏上一段深入探索音乐学习本质的旅程。本书并非专注于传授某种特定的音乐教学法或固定的练习曲目，而是致力于打开思维的边界，鼓励读者从全新的视角审视音乐的创造性潜能。我们将聚焦于如何培养个体在音乐世界中的主动性和个性化表达，而非被动地接受现成的规范。 我们首先会从音乐感知力这一根本出发，探讨如何通过细致的聆听来构建对音乐结构的理解。这包括对旋律的起伏、和声的色彩、节奏的律动以及音色的质感进行深入的分析和体验。我们将学习如何区分不同音乐风格的细微差别，理解它们背后蕴含的文化语境和情感表达。这并非要求读者成为音乐理论家，而是要培养一种敏锐的耳朵，能够从音乐中捕捉到最微妙的信号，并从中汲取灵感。 随后，本书将转向音乐的生成与创造。我们将讨论如何通过即兴演奏、创作练习以及对音乐元素的重组与变形来激发内在的音乐创意。这里没有“对”或“错”的绝对标准，只有对可能性边界的不断拓展。我们将探索如何利用简单的音乐材料，如音程、节奏型或动机，通过不同的组合与发展，创造出独具个性的音乐片段。本书会提供一系列激发创意的方法，鼓励读者尝试不同的音乐语言，甚至挑战传统的音乐形式。 此外，我们还将关注音乐学习与个体情感、认知以及社交体验的紧密联系。音乐不仅仅是声音的排列，更是情感的载体和思想的表达。我们将探讨如何利用音乐来促进情感的抒发、理解和共情。在认知层面，音乐的学习如何锻炼思维的灵活性、记忆力以及解决问题的能力，也将是本书的重要组成部分。在社交互动中，音乐如何成为沟通的桥梁，如何通过合作与交流来共同创造音乐体验，也将得到充分的讨论。 本书并非提供一套“标准答案”，而是倡导一种“过程导向”的学习理念。我们鼓励读者在音乐的海洋中自由探索，发现属于自己的学习节奏和表达方式。这意味着要拥抱不确定性，从错误中学习，并不断调整和完善自己的音乐实践。我们将提供一些引导性的思考框架和实践建议，帮助读者建立自信，克服对创造性音乐活动的畏惧心理。 最后，本书将鼓励读者将音乐学习延伸到更广阔的领域，思考音乐与生活的其他方面如何相互影响和启发。无论是视觉艺术、文学、戏剧，还是科技发展，都可能成为激发音乐创意的源泉。我们希望通过本书，能够唤醒每个人心中潜藏的音乐热情，让他们相信，每个人都有能力以自己的方式去理解、去创造、去享受音乐。这是一次关于音乐学习的解放，一次关于个体创造力释放的探索。

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这本书的编排和内容逻辑，简直是为那些厌倦了标准课程体系的实践者量身定制的“解药”。它的大部分篇幅都致力于解构传统音乐教育中那些看似神圣不可侵犯的教条。作者用充满活力的案例展示了如何让枯燥的音阶练习转化为一场充满探索欲的“声音寻宝游戏”。我特别欣赏其中关于“节奏的身体化理解”那一章节，它完全摒弃了复杂的节拍器和记谱法，而是通过舞蹈、肢体动作和集体共振来内化节奏的脉动。这种教学法，让那些对传统乐理感到恐惧的学生，第一次体会到了节奏的原始力量和乐趣。此外，书中对“技术赋能”的探讨也极其前沿且务实。它并非盲目推崇最新的App或硬件，而是精准地指出了如何利用数字工具来扩展学生的创作边界，特别是关于开放源代码音乐软件的介绍，为预算有限的学校提供了极佳的低成本高效率的解决方案。这本书的阅读体验是流动的，你仿佛在跟随一位经验丰富的向导，穿越一片知识的密林，每一步都充满惊喜和启发。它不谈虚的，全是硬核的实操策略和深刻的教育理念。

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当我打开这本书时，我期待看到的是一套结构化的、可立即套用的教学模块，但很快我意识到，我得到的是比那更珍贵的东西：一种全新的思维模式。这本书的独特之处在于，它将音乐教育定位为一种社会实践，而非仅仅是个人的技能培养。作者花费了大量篇幅来讨论音乐在社区构建、社会对话以及文化传承中的核心作用。书中有一个章节专门讨论了“音乐作为一种伦理立场”，探讨了教师如何通过引导学生创作关于社会议题的音乐作品，来培养他们的批判性思维和同理心。这完全颠覆了我过去只关注作品完成度和技巧准确性的片面看法。书中引用的案例，大多来自非西方或边缘化社区的音乐实践，这极大地拓宽了我对“什么是好音乐教育”的认知边界。读起来，它不像是一本教育学的专著，更像是一本社会学田野调查报告与教育哲学的融合体，其跨界的视野令人耳目一新。这本书的文字风格是极具穿透力的，它不使用空泛的赞美之词，而是通过无可辩驳的实例，展现了创造性音乐教育的巨大社会潜能。

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这本书的文本结构极为松散，却又巧妙地形成了一个有机整体，像是一首即兴创作的复调音乐，各个声部独立发展，却又互相交织。它的大部分篇幅都在挑战我们对“评估”和“成果”的固有认知。作者尖锐地指出，在创造性教育中，传统的考试和等级制度是最大的扼杀者。取而代之的，书中提出了一整套基于“过程记录”和“同伴反馈循环”的评估体系。这些方法论的描述极其细致，从如何设计有效的反馈卡片，到如何引导学生进行自我反思性的学习日志，都有明确的指导方针。我非常欣赏作者对“失败”这一概念的处理——在这里，“失败”被重新定义为“未预期的成功探索”。这种积极的重构，极大地降低了学生在尝试新事物时的心理负担。阅读过程中，我不断地在想，我现有的教学评估流程中，有多少部分是多余的、是阻碍了真正创造力萌发的枷锁。这本书的语气是鼓励性的、近乎亲密的，它没有高高在上的说教感，而是像一位资深的导师，在耐心、且带着一丝狡黠的幽默感，向你展示如何悄无声息地瓦解教育中的僵化结构，引领学生走向真正属于他们自己的音乐世界。

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这部作品简直是为那些在音乐教育领域寻找新思路的同行们准备的一剂强心针。它没有拘泥于传统的乐理教学或是枯燥的技巧训练，而是将视角投向了更广阔的“创造力”本身。我尤其欣赏作者在书中对“非结构化学习环境”的构建所投入的笔墨。书中详尽地描述了如何设计一系列开放式的音乐活动，这些活动鼓励学生们从零开始构建自己的音乐语言，而不是被动地接受现成的规则。例如，关于“声音雕塑”的章节，它引导教师如何利用日常生活中最寻常的物品——从厨房用具到自然界的声音——来激发孩子们对音色和质地的敏感度。这种从具体到抽象的引导方式，比单纯讲解和声学原理要来得更为直观和深刻。我尝试着在我的工作坊里实践了其中一个关于“即兴叙事音乐”的练习，发现那些平时在视唱练耳课上显得畏畏缩缩的孩子，竟然能够迅速地进入状态，用音乐讲述他们自己的故事。这本书的价值不在于提供标准答案，而在于提供了一套可以适应任何年龄层和文化背景的学习框架，这对于我们这些身处多元化教育环境中的教师来说，无疑是如虎添翼的宝贵资源。它真正做到了将“教育”从“传授”解放出来，转向了“激发”与“共创”。

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读完这本关于音乐学习的深思录，我的第一感受是，它仿佛带领我进行了一次彻底的思维重塑。很多音乐教育的著作往往停留在方法论的层面，告诉你“怎么做”，但这本书的野心明显更大，它探讨的是“为什么这么做”以及“在当今社会背景下，音乐教育的终极目标应该是什么”。作者对“聆听的艺术”进行了极其细致的哲学探讨，将听觉经验提升到了与审美、伦理同等重要的地位。书中分析了现代社会信息过载如何削弱了我们深度聆听的能力，并提出了通过深度参与式音乐体验来重建这种能力的具体路径。我印象最深的是关于“跨学科融合”的论述，它不仅仅是简单地将音乐与美术或戏剧结合，而是深入剖析了不同艺术形式在认知构建上的底层逻辑是如何相互映射和强化的。例如，书中详细阐述了如何利用空间设计理念来影响音乐的感知体验，这对于设计沉浸式的音乐课堂空间提供了全新的视角。整体来看，这本书的语言富有洞察力，论证逻辑严密，它迫使你跳出原有的教学舒适区，重新审视自己对“音乐素养”的定义。它更像是一部宣言，而非一本教科书，充满了对未来教育的坚定信念。

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