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出版者:中国文联出版社

作者:刘江

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2012-9

价格:268.00元

装帧:

isbn号码:9787505972728

丛书系列:

图书标签:

• 时尚
• 随笔
• 现代诗
• 杂
• 诗意
• 时尚
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• 设计
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• 意境

编织光影的絮语：一个关于建筑、材料与记忆的探索 图书名称：建筑的物质性与时间的印记 图书简介 本书并非描绘流光溢彩的时装秀场，也无意探讨T台之上瞬息万变的审美趋势。相反，我们选择了一条更为沉静、深远的道路，潜入那些构成我们日常栖居的“硬性”实体——建筑的物质性，以及时间如何在这些实体上刻下不可磨灭的印记。 《建筑的物质性与时间的印记》是一部深入剖析建筑本体语言的著作。它拒绝将建筑视为一种纯粹的视觉符号或功能容器，而是将其置于一个更广阔的、关于材料、工艺、感知和历史的场域中进行审视。全书围绕一个核心命题展开：材料本身如何承载意义，以及建筑如何通过其物质形态，成为凝固的时间胶囊。 全书共分为四个主要部分，逻辑层层递进，从微观的肌理延伸至宏观的城市文脉。 --- 第一部：肌肤与骨骼——材料的本体论考察 这一部分着重于对建筑“身体”的解剖。我们不再将钢筋、混凝土、木材或石材视为简单的建造元素，而是将其视为具有自身生命史和哲学意味的“物质”。 1. 混凝土的哲学：从原始泥土到现代理性 本章详细追溯了混凝土——这种现代性最显著的标志——的演变史。我们不仅考察了其化学构成和结构性能，更深入探讨了勒·柯布西耶的“粗野主义”如何将混凝土的原始肌理（Béton Brut）提升为一种审美宣言。书中探讨了浇筑过程中留下的模板痕迹、雨水冲刷下的氧化斑点，如何揭示了材料在抵抗或顺应自然力量时的挣扎与妥协。特别对比了日本安藤忠雄作品中，清水混凝土那种近乎宗教般的纯净与精度，以及其如何通过光影的切割，使冰冷的物质散发出内省的静谧。 2. 木材的记忆：时间的层理与触觉的回归 木材，作为最古老、最具生命力的建筑材料，在本章中被赋予了“叙事性”。我们聚焦于日本传统木结构中的榫卯连接，这种无钉的接合方式，不仅是工程学的奇迹，更是对材料柔韧性与可逆性的深刻理解。书中详细分析了老旧木材表面的包浆——那层由无数双手触摸、阳光照射、岁月侵蚀形成的独特光泽——如何成为“被使用”的明确证据，这与我们对新材料的盲目崇拜形成了鲜明对比。此外，还探讨了地域性木材（如雪松、橡木）在气候适应性上所体现出的地域智慧。 3. 石材的重量：地质学与权力 石材，因其永恒感和重量感，常常被赋予纪念性与权力象征。本章对比了古埃及神庙的巨石阵列与文艺复兴时期巴洛克建筑的精雕细琢。我们关注的重点在于“采掘”的过程——材料是如何被从大地中剥离，并被赋予人为秩序的。书中插图对比了不同产地花岗岩的晶体结构，并讨论了这些微观差异如何在大尺度的立面上产生宏大的视觉效果。我们尝试回答：石材的“重量感”究竟是物理属性，还是心理投射？ --- 第二部：光影的雕刻——空间中的物质转化 建筑的物质性只有在被感知时才真正“活着”。第二部分将焦点转向光线与材料的互动，探讨物质形态如何引导人类的感知和体验。 4. 穿透与反射：玻璃的透明困境 玻璃，作为现代建筑中实现“轻盈”和“通透”的关键，在本章中被审视其复杂性。我们探讨了早期工业玻璃的粗糙与现代低辐射（Low-E）玻璃的精准之间的分野。一个核心议题是“透明度的悖论”：当建筑试图变得完全透明时，它是否反而暴露了内部活动的脆弱性？书中分析了路易·康如何使用多层玻璃和光井，将自然光转化为一种柔和、可控的媒介，而非简单地将外部景色引入室内。 5. 纹理与触感：被忽略的细节 本章深入到人机工程学的边缘，关注那些我们无意识中接触到的表面——墙壁的粗糙度、栏杆的温度、地板的摩擦力。我们考察了在不同湿度下，不同的墙面涂料（如灰泥、硅藻土）如何发出不同的“声音”——不是真正的声响，而是对环境湿度的微妙反馈。这部分内容是对极简主义过度光滑表面的反思，强调了人类感官对细微物质差异的渴望。 --- 第三部：时间的刻度——风化、修复与遗忘 建筑是时间的容器。第三部分关注时间这一非物质力量，是如何通过侵蚀、积累和干预，重塑物质的意义。 6. 锈蚀的诗意：金属的化学演化 钢铁和铜的氧化过程，是物质自我老化的最佳例证。书中详细描述了科尔滕钢（Corten Steel）如何在控制范围内生成保护性锈层，以及这种锈层如何被一些建筑师视为一种“主动的完成度”。我们对比了维多利亚时代铁结构上自然生成的红褐色锈斑，与那些试图通过化学手段“加速老化”的现代尝试，探讨这种“人工的自然”是否能真正捕捉到时间的重量。 7. 裂缝的学问：结构失效与记忆的固化 裂缝常常被视为失败的标志，但在这本书中，它们被重新解读为历史的断代线。本章研究了地震、沉降或单纯的热胀冷缩在结构上留下的永久性印记。书中特别分析了那些被故意保留、甚至被强调的裂缝，它们不仅记录了建筑的“创伤史”，也成为区分“新”与“旧”的最直接物质证据。我们探讨了修复与“保持衰败”之间的伦理界限。 --- 第四部：文脉的编织——物质在场域中的对话 最后一部分将视野拉回到城市肌理，考察单个建筑的物质性如何在更广阔的环境中与其他物质实体进行对话、冲突或融合。 8. 城市皮肤的更替：新旧材料的共存逻辑 城市景观是一个动态的物质拼贴画。本章分析了新的玻璃幕墙建筑如何“漂浮”在老旧砖石建筑之上时，它们之间的材料张力是如何被视觉化呈现的。我们考察了“语境性设计”中，建筑师如何选择本地材料或模仿旧有材料的质感，以求达到视觉上的和谐，并反思这种“模仿”是否是对历史的尊重，还是对物质真实性的回避。 9. “物性”的未来：可持续性与可逆性 在当代建筑语境下，物质性探讨必然触及可持续发展。本书的结语部分，回归到材料的“生命周期”。我们探讨了如何设计能够轻松解构、材料可以被回收或回归自然的建筑。这不仅仅是关于使用回收材料，更是关于结构本身的可逆性设计哲学——建筑是否应该像一个可以被拆解和重组的工具箱，而非一个终极的、不可更改的实体？ --- 目标读者： 本书面向所有对建筑历史、材料科学、感官哲学以及城市变迁感兴趣的读者。它尤其适合建筑学、城市规划、艺术史、工业设计专业的学生和从业者。它旨在提供一种超越美学和功能的、对我们所处物质世界更深刻的理解。 《建筑的物质性与时间的印记》——让那些沉默的墙壁开始说话。

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这本读物给我的感觉是极其疏离和清冷的，但这种清冷恰恰构建了一种独特的、高傲的美感。它的叙事节奏缓慢，像一条被精心铺陈的河流，不急不躁地展示着那些转瞬即逝的灵感碎片。我很少在书籍中读到如此克制的表达，作者似乎刻意避开了所有热烈的情感渲染，而是用精确、近乎科学的笔触去描摹那些转瞬即逝的“瞬间的永恒”。例如，书中对光影在特定材质上反射角度的描写，精确到让人仿佛能用指尖触摸到那种冰凉的质感。它更像是一本高级时装设计师的私人手稿集，充满了对材料、结构和剪裁近乎偏执的迷恋。虽然内容相对晦涩，但如果你是一个追求极致细节、不满足于表面光鲜的人，你会沉醉于这种冷静的分析之中。它强迫你放慢呼吸，去品味那些被快节奏生活遗忘的“慢工细活”的精神内核。

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说实话，我带着一丝怀疑开始阅读这本所谓的“时尚”著作，因为市面上太多浮夸的口号和空洞的理论了。然而，这本书的深度远远超出了我的预期。它没有给我提供任何“今年流行什么”的答案，反而像一把精密的解剖刀，剖析了“美”的本质是如何在不同文化、不同社会背景下被构建和解构的。作者的论述逻辑严密，引用了大量的哲学和艺术史观点，读起来需要全神贯注，但那种智力上的满足感是无与伦比的。比如，它探讨了“实用性”与“装饰性”之间的永恒张力，将一件简单的衬衫提升到了存在主义的高度。我特别欣赏它拒绝迎合主流审美的勇气，它更像是一本思想的启迪录，而非潮流的宣传册。对于那些真正想理解时尚背后的文化符号和权力结构的人来说，这本书提供了非常扎实且富有启发性的视角，读完后，你会发现自己看时尚杂志的角度都变得更加批判和深刻了。

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这本书的叙事语言充满了温暖的怀旧感，读起来让人感觉像是在一位老友的书房里，听他娓娓道来那些尘封已久的故事。它没有宏大的理论，也没有冰冷的分析，而是充满了人情味和对“被遗忘的工艺”的深切同情。作者似乎将每一种面料、每一种缝制方式，都看作是一个有生命的个体，讲述着它们的来历、它们如何被使用，以及最终如何被时代淘汰的命运。我被其中对那些手工技艺的细致描述深深打动，那些需要数年才能磨练出来的技巧，在作者的笔下重获新生，让人体会到了一种时间沉淀下来的厚重感。它让我意识到，我们今天所穿的每一件衣服，背后都凝结了无数劳动者的汗水和智慧。这本书读完后，我对待衣物的态度都变得更加珍惜和负责，不再是简单的消费，而是一种对传统的致敬和继承，充满了温柔的力量。

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这本书简直就是一场感官的盛宴！我本来以为这只是一本关于服饰搭配的指南，没想到它却带领我进入了一个全新的审美领域。作者的文字带着一种轻盈的魔力，仿佛能把那些华丽的丝绸、坚硬的皮革，甚至是粗粝的麻布，都赋予了生命和故事。我尤其喜欢其中对于色彩运用的描述，那种细腻到近乎奢侈的描绘，让我仿佛能闻到染料散发出的植物的清香，或者感受到阳光穿过薄纱时的那种温柔。它不仅仅在教你“穿什么”，更在引导你“感受美”。书中那些对不同时代风格的追溯，不是简单的历史罗列，而是像在与过去的裁缝和设计师进行一场跨越时空的对话，充满了对匠心独运的敬意。读完之后，我照镜子时都有了新的视角，看待日常的衣物，都多了几分诗意和敬畏。这本书的排版和装帧也极其考究，拿在手上就像捧着一件艺术品，每一次翻阅都是一次享受，绝对是提升个人气质和生活情趣的必备良书。

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我承认，这本书的阅读体验是相当“跳跃”的，它不像一本传统的书，更像是一系列精心策划的展览目录，充满了意想不到的并置和冲突。作者似乎特别热衷于打破既有的分类界限，将原本看似毫不相关的元素并置在一起，比如将古典雕塑的褶皱与现代建筑的线条进行类比。这种跨界思维极大地拓展了我的想象力边界。读到某些章节时，我感觉自己不是在看文字，而是在一个巨大的、充满奇思妙想的装置艺术空间里漫步。其中对“失败”和“不完美”的讨论尤为精彩，它颠覆了我对“完美”设计的一贯认知，提出了结构性缺陷本身也可以成为一种独特美学的观点。这本书对那些需要不断寻找新灵感、渴望打破思维定势的创意工作者来说，无疑是一剂强效的兴奋剂，让人读完后脑子里充满了各种尚未成型的、激动人心的念头。

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恶心死了 一个土逼讲时尚

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