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出版者:Oxbow Books Limited

作者:Smith, Barry

出品人:

页数:80

译者:

出版时间:2001-12

价格:USD 18.00

装帧:Paperback

isbn号码:9781842170229

丛书系列:

图书标签:

• 数字表演
• 表演资源
• 数字媒体
• 教学设计
• 在线学习
• 教育技术
• 戏剧教学
• 表演艺术
• 资源开发
• 教学材料

好的，这是一份关于一本名为《数字表演资源创建》的图书的简介，其中不包含该书内容的具体描述，而是着重于该领域相关的、但非本书内容的广泛背景和前沿探索。 --- 图书简介：【探索与构建：数字时代表演实践的边界】 导言：媒介的重塑与表演的未来 在当代文化生态中，表演艺术正经历着一场深刻的、由技术驱动的范式转变。传统上依赖于物理空间、现场互动和人体表达的表演形式，如今正与日益成熟的数字媒介深度交织。这种融合不仅改变了我们理解“在场性”的方式，更彻底颠覆了作品的创作、传播与消费路径。本书系聚焦于这场变革的宏观图景，旨在剖析当前数字表演领域面临的机遇、挑战，以及未来可能出现的形态，为我们理解和参与这一新兴领域提供一个广阔的视角。 我们正处于一个“媒介即环境”的时代。数字技术不再仅仅是工具，而是构成表演经验本身的基础设施。从沉浸式技术到分布式创作网络，这些元素共同绘制了一幅复杂而充满活力的艺术地图。本导览将着眼于这些宏观结构，而非具体的技术手册或资源列表，探讨数字媒介如何重塑表演的本质。 第一部分：表演本体论的数字转向 表演艺术的核心在于“存在”与“时间性”。然而，数字环境对这两种基本要素提出了新的质疑。当观众通过屏幕而非直接面对面接触艺术家时，现场感（liveness）如何得以维系？当作品不再受限于单一的物理剧场，而是以流媒体、交互装置或虚拟现实体验的形式存在时，表演的“时间轴”又该如何被界定？ 这一部分将深入考察数字技术如何挑战并扩展我们对“在场”的理解。我们探讨了“延迟的在场”（liveness through delay）的概念，即网络延迟如何被有意识地融入表演的节奏和张力之中。同时，我们也审视了分布式创作模式的兴起——艺术家们在全球各地通过数字平台共同构建作品，这种跨越地理界限的合作，如何影响了表演的权威性与即兴性？ 特别值得关注的是，数字媒介引入了“可回放性”的维度。传统表演一旦发生便消逝，但数字作品往往以数据流的形式被永久记录或存档。这种可回放性如何影响了观众对当下体验的重视程度？它是否催生了一种新的“怀旧”——对已逝数字表演的追忆？ 第二部分：交互、沉浸与感知的新疆域 数字表演的魅力很大程度上源于其提供超越传统舞台边界的感官体验。本部分聚焦于交互设计和沉浸式叙事在当代艺术实践中的应用，以及它们如何改变了观众的角色。 观众不再是被动的接收者，而是潜藏的合作者。通过传感器、生物反馈系统或移动设备，观众的输入直接影响着作品的走向。我们分析了“参与式叙事”（participatory narrative）的结构，探讨了艺术家如何设计系统，引导观众在开放的环境中做出选择，从而共同生成叙事。这种基于算法和用户数据的即时反馈循环，是数字表演区别于传统戏剧的最显著特征之一。 此外，虚拟现实（VR）、增强现实（AR）和混合现实（MR）技术的成熟，为表演艺术家提供了构建完全自主的感官世界的工具。在这些三维数字空间中，物理定律可以被打破，尺度可以被扭曲，表演者与观众的身体界限变得模糊。我们考察了这些空间如何被用来探索身份、空间认知以及集体潜意识的主题，并讨论了这些技术如何挑战了我们对“真实”与“模拟”的二元对立。 第三部分：数字基础设施与艺术生态 任何艺术形式的发展都离不开其支撑的基础设施。对于数字表演而言，网络带宽、数据处理能力、平台政策以及版权法规，共同构成了其生存的生态系统。本部分将宏观审视支撑当代数字表演实践的关键技术与社会结构。 我们探讨了去中心化技术（如区块链）对表演版权和数字所有权可能带来的颠覆性影响。在数据驱动的时代，艺术家如何确保其数字劳动成果的价值和完整性？同时，主流社交媒体平台和流媒体服务在多大程度上决定了数字表演的可见度和美学倾向？艺术家们在利用这些强大的传播工具的同时，也必须与其潜在的商业化和算法中心化倾向进行博弈。 此外，可持续性是数字艺术界日益关注的议题。高性能计算和持续的网络连接需要巨大的能源投入。如何在追求极致的数字体验与环境责任之间找到平衡点，是未来数字表演工作者必须面对的伦理挑战。 结语：跨界融合的未来图景 数字表演领域是一个不断演化的前沿阵地。它模糊了剧场、装置艺术、游戏设计、计算机科学与社会学的边界。理解这一领域的复杂性，需要我们超越对单一技术的迷恋，转而关注技术如何改变了我们构建意义、连接彼此以及体验时间的方式。 本书旨在提供一个高屋建瓴的框架，用以审视这些跨学科的探索。它预示着一个表演艺术与计算思维深度融合的未来，一个不再受限于实体舞台的、流动且无限的艺术宇宙。对于任何致力于理解当代艺术、技术哲学或新兴媒体实践的读者而言，把握这些结构性的变革至关重要。 ---

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这本书最让我惊艳的地方，在于其对未来趋势的洞察力和语言的音乐性。作者的文字充满了一种诗意的张力，尽管讨论的是技术和资源构建，但读起来却一点也不枯燥。他似乎能够预见到下一波数字表演浪潮的形态，并且提前为我们搭建了理解这些新形态的认知工具。在探讨人机共创（Human-Machine Co-creation）的部分，作者的论述充满了对创造力本质的敬畏，他没有把AI简单地视为工具，而是将其视为一种新的“协作者”或“激发源”。这种富有哲理且充满人文关怀的视角，让整本书的格调拔高了一个层次。它不仅仅是关于“创建资源”，更是关于“如何在新媒介环境中保持创作的灵魂”，这种对艺术本体的坚守，使它在众多技术导向的读物中脱颖而出，成为一本真正能够启发心灵的佳作。

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读完这本书，我有一种醍醐灌顶的感觉，它彻底颠覆了我对传统表演资源构建的固有认知。作者并没有停留在对现有工具的简单介绍，而是深入探讨了“数字”和“表演”这两个概念在当代语境下的深层融合点。书中对互动性、沉浸感以及观众参与度的分析，极其深刻且富有前瞻性，尤其是在讨论虚拟现实（VR）和增强现实（AR）技术如何重塑剧场体验时，提供了许多我从未考虑过的角度。我发现，很多理论性的阐述都紧密结合了最新的行业案例，这使得抽象的概念立刻变得生动起来，读者可以清晰地看到这些理论是如何在实际操作中落地生根的。更难得的是，作者的论述逻辑严密，层层递进，从基础的概念框架搭建，到高级的跨媒介叙事策略，每一个环节都铺垫得恰到好处，让人感觉思路十分清晰，犹如跟着一位经验丰富的向导在迷宫中前行，总能找到通往核心的捷径。

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我必须说，这本书的实用价值超乎我的预期，尤其是在关于跨学科合作和项目管理的章节。作者以一种近乎实操手册的严谨态度，拆解了从概念生成到最终呈现的每一个关键节点，将复杂的数字项目流程梳理得井井有条。书中列举的多种项目管理模型，并分析了它们在数字表演资源创建中的适用性与局限性，这对于团队协作至关重要。我立刻在手头的项目中试用了其中一个敏捷开发框架，效果立竿见影，极大地提高了我们团队的沟通效率和迭代速度。这种将理论完美地嵌入到具体工作流中的处理方式，让这本书的价值瞬间从“参考书”提升到了“工作伴侣”的级别。它并没有回避项目中的常见陷阱，反而坦诚地剖析了许多团队在技术选型和版权处理上容易遭遇的困境，并提供了成熟的规避策略。

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这本书的叙事方式非常具有启发性，它不像教科书那样板着脸孔，而是更像是一场与行业内顶尖专家的深度对话。作者似乎深知，面对日新月异的数字技术，任何固定的“配方”都会迅速过时，因此，书中着重强调的是一种“思维框架”的建立，而非具体的软件操作指南。这种强调底层逻辑和哲学思考的倾向，让这本书拥有了极强的生命力。我特别赞赏作者在探讨“去中心化创作”和“实时数据驱动表演”时的那种批判性反思，这迫使我跳出舒适区，去审视当前数字内容生产中的一些盲点和局限。对于一个长期从事创意工作的人来说，这种能引发深入思考的材料是极其宝贵的。它教会的不是“如何做”，而是“为什么这样做”，这种内在驱动力的培养，远比掌握某一项特定技术要重要得多。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，我喜欢它那种既复古又带着未来感的排版风格。拿到手上的时候，首先吸引我的是封面的纹理，摸上去有一种独特的触感，仿佛预示着即将展开的数字世界之旅。内页的纸张选择也十分考究，字体排布疏密有致，阅读起来非常舒适，即使长时间沉浸其中也不会感到视觉疲劳。作者在章节之间的过渡部分，巧妙地运用了一些极简主义的图形元素，这些小设计虽然不直接承载大量信息，但却有效地引导了读者的注意力，让阅读节奏张弛有度。我特别欣赏它在处理大量技术概念时所展现出的克制美学，没有过度堆砌华丽的辞藻或复杂的图表，而是用最精炼的语言勾勒出核心思想的轮廓。这让我觉得，这本书不仅仅是一本工具书，更像是一件经过精心打磨的艺术品，它的每一个细节都在邀请读者去探索和感受数字创作背后的美学理念。这种对视觉体验的重视，极大地提升了阅读的愉悦感，让人愿意反复翻阅，每次都能从中发现新的细微之处。

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