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出版者:西泠印社出版社

作者:阮延陵

出品人:

页数:543

译者:

出版时间:2006-3

价格:28.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787807350446

丛书系列:

图书标签:

• 美学
• 哲学
• 艺术史
• 文化研究
• 思想
• 审美
• 艺术理论
• 西方美学
• 中国美学
• 现代美学

《古建筑的呼吸：中国传统木结构体系的生命与智慧》 一本深入探索中国古建筑精髓的百科全书式著作 内容简介： 《古建筑的呼吸：中国传统木结构体系的生命与智慧》并非仅仅是一部关于建筑技术的图录，它是一场深入中国传统文化深处，对数千年建筑智慧进行系统梳理与深度解读的史诗级探索。本书以宏大而细腻的笔触，聚焦于中国独有的木结构体系——这一被誉为“活的艺术”的建筑哲学。它旨在揭示，这些看似静止的梁柱之间，蕴含着何种关于天人合一、结构力学、材料哲学以及社会伦理的深刻思考。 第一卷：木的哲学与文化的根基 本卷追溯了中国木结构体系的哲学源头。从远古的穴居到新石器时代的干栏式建筑，作者构建了木材在中国文明中作为核心建材的演变图谱。重点探讨了“礼制”与“等级”如何通过木材的选用、规格、加工方式被编码进建筑形制之中。 材料的伦理： 深入分析了“择木而用”的考量，不仅仅是强度与耐久性，更涉及林业的可持续性观念和对自然资源的敬畏。我们考察了不同树种（如松、柏、楠木）在不同等级建筑中的应用，及其背后所代表的社会象征意义。 榫卯的宇宙观： 榫卯结构被视为中国传统哲学在物质世界中的精确映射。本卷详细剖析了斗栱、穿斗、抬梁三大体系下，数以百计的榫卯连接方式。这不是简单的机械连接，而是力学与美学、柔韧性与稳定性的完美平衡。我们探讨了“刚柔相济”的理念如何通过木材自身的弹性在地震等自然灾害中发挥作用，展现了古人对“韧性”的深刻理解。 第二卷：结构的诗意与力的平衡 本卷是全书的技术核心，但以极具文学性和场景感的叙事方式展开，使非专业读者也能领会其中精妙。重点在于解构复杂的结构如何协同工作，呼吸般地应对环境变化。 模数制与标准化： 追溯了中国建筑中“材分制”的起源与发展，解析了这一早于西方成熟体系的标准化模数系统，如何在不同地域和不同历史时期保证了建筑的规模和比例的协调性。 斗栱的交响： 斗栱被誉为“中国古建筑的基因”。本书以历代官式建筑和地方民居的对比研究为基础，细致描绘了斗栱从结构支撑向装饰母题过渡的演变历程。通过对复杂翘角、昂等构件的力学剖析，揭示其如何将屋顶的巨大荷载，层层递进、柔性地转化为对柱身的推力，实现“墙不承重”的结构自由。 屋顶的“呼吸”： 分析了中国传统屋顶（歇山、庑殿、悬山等）的复杂几何形态。屋顶的坡度、出檐深度、瓦片的铺设，不仅关乎防水，更直接影响了室内光照、通风和热力学效应。我们探讨了屋顶如何像生物的皮肤一样，调节着建筑内部微气候，实现“冬暖夏凉”。 第三卷：地域的差异与匠人的传承 中国幅员辽阔，气候各异，本卷着重考察了木结构体系在不同地理环境中的适应性与区域性创新，并聚焦于知识的非文字化传承——匠人精神。 南北形制的对话： 对比了北方庄重、规整的官式风格（如北京、山西的院落）与南方轻盈、多变（如徽派、闽南的骑楼与天井）的木结构处理方式。研究了气候（如多雨的南方对穿斗结构的需求）如何塑造了建筑的形态。 营造法的口诀与身教： 深入探访了现存的古建筑群落，记录了营造技艺在口传心授中的细节。通过对木匠家族、地方工匠的访谈记录，展现了“匠心”如何通过手感、经验而非完全依赖图纸来维系这一复杂体系的生命力。 防蛀与防腐的智慧： 探讨了古代工匠如何运用天然材料和物理处理（如地基的抬高、木材的陈化、灰浆的使用）来对抗时间和湿度的侵蚀，使得这些木构建筑能够历经数百年依然矗立不倒。 第四卷：现代语境下的回响与新生 本书最后一部分将目光投向当代，探讨在钢筋混凝土主导的时代，传统木结构体系的价值如何被重新审视和激活。 当代修复的挑战与抉择： 分析了在古建筑修复过程中，如何平衡“原真性”与现代结构安全规范的冲突。是完全依赖传统材料与工艺，还是适度引入现代加固技术，每一种选择背后的文化代价和技术考量。 结构美学的当代启示： 考察了当代建筑师如何从榫卯的逻辑、斗栱的韵律中汲取灵感，将其转化为现代可持续建筑设计的新语言。揭示了木结构体系作为一种高效、可再生的技术方案，在应对气候变化背景下的巨大潜力。 本书的特色： 本书的独特之处在于，它不仅是技术手册，更是一部对中国传统“工匠精神”的深度致敬。通过结合历史文献考证、田野调查的细致记录以及现代结构工程学的视角，力求为读者描绘出中国古建筑那份“呼吸的生命力”——这份生命力源于对自然秩序的理解，对材料特性的尊重，以及一代代匠人代代相传的精微技艺。阅读此书，如同亲手触摸历史的纹理，感受木材内部流淌的千年智慧。

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这本书的装帧设计简直是匠心独运，那种低调的奢华感透过纸张的纹理和扉页的排版便扑面而来。初翻阅时，我立刻被它那种沉稳而又富有洞察力的文字风格所吸引。作者似乎拥有一种罕见的能力，能将那些平日里看似模糊、难以捉摸的艺术现象，用一种极其精准且富有画面感的方式勾勒出来。阅读的过程更像是一次精心策划的智力探险，跟随作者的思路，穿梭于不同的历史时期和文化背景之间，每一次转折都伴随着新的发现和对既有观念的挑战。它不是那种生硬的理论堆砌，而是将深刻的思考融入到流畅的叙事之中，让人在享受阅读愉悦的同时，不知不觉地拓宽了自己的审美疆界。尤其欣赏它对细节的把握，那些看似微不足道的艺术品局部，在作者的笔下竟能焕发出全新的生命力和解读空间，让人对“美”的理解不再停留于表象。

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坦率地说，这本书的阅读体验是极富挑战性的，但这种挑战感恰恰是它最大的魅力所在。开篇部分，对于某些哲学思辨的引入，起初让我感到有些晦涩难懂，需要反复咀嚼才能领会其中的精妙之处。然而，一旦跨过了那道门槛，后面的内容就如同打开了一个全新的知识宇宙。作者的语言充满了张力，常用对比和悖论的手法来阐述观点，使得原本枯燥的理论讨论变得如同精彩的辩论赛一般引人入胜。我尤其欣赏它在处理跨学科议题时的游刃有余，将哲学、心理学乃至于科学的最新发现，巧妙地融入到对艺术现象的探讨中，构建起一个无比宏大且自洽的知识体系。这本书绝对不是用来消磨时间的闲书，它更像是一本需要被认真对待的案头工具书，随时翻阅都能从中汲取新的养分，激发新的灵感火花。

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这本书的结构设计非常巧妙，它没有采取那种传统的时间线叙事，而是像一幅精心编织的挂毯，各个章节之间看似独立，实则通过某些主题性的线索紧密联系在一起。这种非线性的组织方式，反而更符合我们现代人碎片化的认知习惯。我特别喜欢其中穿插的那些小故事和轶闻，它们往往是引出宏大理论的绝佳切入点，使得冰冷的理论瞬间有了人情味和烟火气。例如，作者在探讨某种古典构图原则时，穿插了一个关于某位艺术家创作时的心路历程，那种鲜活的细节一下子就让抽象的原则变得生动可感。读完整本书，我感觉自己对艺术史的理解不再是孤立的知识点集合，而是一个相互影响、不断演化的有机整体，充满了流动的生命力。

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如果要用一个词来形容这本书给我的感受，那一定是“启迪”。这不是一本告诉你“什么东西是美的”的书，而是一本教你“如何去思考美是什么”的书。作者的笔触带着一种温和的坚韧，他从不给出标准答案，而是通过层层递进的提问，引导读者自己去构建判断的框架。我尤其欣赏它对当代流行文化现象的关注，没有对大众审美持有一种居高临下的姿态，而是以一种平等对话的姿态去剖析其产生的社会根源和心理动因。这种包容性极强的视角，让我这个非专业读者也能毫无障碍地进入其中，并感受到强烈的共鸣。合上书本，我发现自己看待日常生活中那些习以为常的场景，都产生了一种微妙而积极的变化，仿佛多了一双可以洞察本质的眼睛，这是最宝贵的收获。

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这本书读起来，给我的感觉是如同品尝了一杯陈年的威士忌，初入口时略带辛辣，需要时间去体会其复杂醇厚的内涵。它真正打动我的地方在于其批判性的深度。作者并没有满足于对经典作品进行简单的赞美或归类，而是大胆地解构了许多约定俗成的审美标准，揭示了“美”背后隐藏的权力结构和社会机制。这种直面问题的勇气和犀利的分析角度，让这本书超越了一般的艺术鉴赏指南，更像是一部深刻的文化批判之作。我特别留意到其中对于媒介变迁如何重塑我们感知方式的论述，它强迫我停下来，反思我们这个时代“快餐式”审美是如何被制造出来的。读完后，我感觉自己看待周围的一切都多了一层“滤镜”，那种审视的眼光不再那么容易被华丽的表象所迷惑，而是试图去探寻其更深层的逻辑与意义。

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