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出版者:第1版 (2006年11月1日)

作者:孔令海

出品人:

页数:231

译者:

出版时间:2006-11

价格:29.00元

装帧:平装

isbn号码:9787538147698

丛书系列:

图书标签:

• 食雕
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• 宴会摆盘

丹青妙手：中国传统花鸟画技法全览 本书聚焦于中国传统花鸟画的深厚底蕴与精湛技艺，旨在为初学者和进阶学习者提供一套全面、系统且富有启发性的学习路径。 本书不涉及任何关于“食雕手绘分步图解”的内容。我们专注于笔墨丹青，探索植物与动物入画的千年智慧。 第一部分：溯源与心法——花鸟画的哲学与精神 第一章：花鸟画的历史脉络与精神内核 花鸟画，作为中国画“花鸟、山水、人物”三大画科之一，承载着深厚的文化意蕴。本章将追溯其从魏晋的零星描绘，到唐宋的鼎盛，再到元明清的文人画高峰的发展历程。我们将重点剖析历代大家，如： “双绝”之誉的赵昌： 细致入微的写生精神。 文人画的旗手苏轼、文同： 论述“眼中之竹”与“胸中之竹”的写意哲学。 明清的转折： 陈淳、徐渭、八大山人如何将个人情感融入笔墨，开创写意一派。 本章强调的不是“如何画”，而是“为何而画”——花鸟画作为寄托文人情怀、象征君子品格（如梅之傲、兰之幽、竹之贞、菊之逸）的载体，其背后蕴含的东方美学思想，如天人合一、阴阳和谐等。 第二章：工具的理解与准备——笔墨纸砚的性情 工欲善其事，必先利其器。本章将详尽介绍传统花鸟画所需的全部材料，并阐述每种材料的特性如何影响最终的画面效果： 1. 笔的选择与养护： 涵盖狼毫（兼毫）、羊毫（白云、兼毫）的特性。讲解如何根据描绘对象（如画翎毛的细笔、画阔叶的兼毫）选择合适的笔头软硬度和大小。特别强调如何正确“蓄墨”与“养笔”。 2. 墨的研磨与调配： 论述徽墨、松烟墨的特点，以及如何通过研磨的时间和水量，调配出浓、重、焦、干、湿、淡等丰富的墨色层次，这是中国画“墨分五色”的基础。 3. 纸张的吸水性： 区分生宣纸（安徽泾县皮纸为主）和熟宣纸。讲解生宣的洇化特性如何用于表现水气淋漓的写意效果，以及熟宣（如托花、描金用纸）的稳定性能。同时介绍兼具两者特性的半生熟纸。 4. 色彩的运用： 介绍中国画的矿物质颜料（石青、石绿、朱砂、赭石）与植物性颜料（藤黄、胭脂、花青）的特性，及其在设色中的传统用法。 第二部分：技法精要——从临摹到写生的阶梯 第三章：点染之法——勾勒、皴擦与没骨 本章深入探讨花鸟画的三大基本造型和表现技法： 1. 工笔勾勒（界画基础）： 以细致的线条勾勒轮廓，讲解“铁线描”“游丝描”在表现植物茎干和昆虫肢体时的不同应用。重点练习对物体结构的精准捕捉，这是“形神兼备”的基础。 2. 写意笔法（大写意核心）： 探讨如何用中侧锋的运用，结合“一笔画”的理念，快速捕捉对象的神态。例如，如何用侧锋扫出竹叶的整体气势，如何用饱满的笔肚点出花瓣的丰腴。 3. 没骨法（色彩与墨色的融合）： 阐述不勾勒轮廓，直接以墨或色块铺陈形象的技法。深入分析墨分五色的运用，如何用淡墨打底，层层加深，最终形成立体感。 第四章：写形绘神——花卉的结构与形态解析 本章针对不同科属的花卉，提供结构分解与画法步骤（纯粹的绘画步骤分析，不涉及任何食物制作的图解）： 梅花系列： 重点解析“萼枝分法”，如何用“蟹爪枝”表现老干的苍劲，以及“点花法”中五瓣的聚散关系。 兰草系列： 强调线条的韵律感。讲解不同角度的叶片（如仰、俯、侧）的提按顿挫，以及花苞、花瓣的轻盈处理。 牡丹与荷花： 探讨如何用大笔触表现花头的饱满和雍容华贵。对比工笔重彩中对花瓣边缘的界线处理与写意画中墨色晕染的自然过渡。 第五章：飞羽走兽——禽鸟的动态捕捉与细节刻画 鸟类的描绘是花鸟画的另一高峰。本章专注于动态的捕捉： 1. 禽鸟的骨架结构： 分析鸟类的重心所在，如何通过躯干、翅膀、尾羽的比例安排，实现画面的稳定。 2. 翎毛的技法处理： 区分头顶的“绒毛”与翅膀、尾部的“硬羽”。讲解如何运用“积点法”和“界羽法”来表现不同质感的羽毛层次。 3. 动态表现： 讲解“高飞”“栖息”“啄食”等常见动态的瞬间捕捉。特别是对于眼睛——点睛之笔的运用，如何通过眼神体现鸟类的灵动与生机。 4. 昆虫的描绘： 细致讲解蝴蝶、蜜蜂、蜻蜓等昆虫的身体结构和翅膀的透明质感表现。 第三部分：章法布局与意境营造 第六章：章法布局的乾坤 一幅画的成功，一半在于笔墨，一半在于布局。本章侧重于空间的处理： 疏密得当： 如何利用“计白当黑”的原则，让空白（虚处）成为画面有力的组成部分，引导观者视线。 高低错落： 避免将所有元素安排在同一水平线上，利用高低、远近的布局制造层次感。 对角线与S形结构： 探讨传统构图中常用的稳定或动感的结构线，使画面富有生命力。 第七章：题款与钤印的艺术 题款和印章并非简单地附属物，而是画面意境的延伸和完成。 书法与绘画的统一： 讲解行书、草书在画作上题款的规范与意趣，字体的选择应与画面的风格相匹配（写意配草书，工笔配楷书）。 诗词意境： 如何选择与画作内容相呼应的诗句，提升画面的文化内涵。 印章的搭配： 讲解朱文、白文印的使用场合，以及“闲章”在补充画面氛围上的作用，实现“画、书、印”的完美结合。 本书旨在通过对中国传统花鸟画核心技法、哲学思想和章法布局的系统梳理，带领学习者进入一个充满生命力与东方美学的艺术世界。每一步骤的讲解都立足于中国传统笔墨语言本身，力求严谨而富有启发性。

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这本书的内容组织逻辑性强到让人佩服，完全是从一个零基础小白的角度出发，层层递进地构建知识体系。它没有那种高高在上、晦涩难懂的专业术语堆砌，而是用最朴素、最直观的语言来解释复杂的技法。最让我觉得惊喜的是它对“心态”和“准备工作”的强调，很多教程往往忽略了这些基础中的基础，但这本书却花了不少篇幅讲解如何选工具、如何调配介质，甚至包括如何调整坐姿以保证长时间作画的舒适度。每一个步骤都被拆分成了极小的单元，配以清晰的图示说明，仿佛有一位经验丰富的大师在你身边手把手地教导。尤其是那些关于光影和透视的章节，讲解得深入浅出，让原本令人望而生畏的几何学原理，在艺术创作的语境下变得简单易懂，极大地增强了读者的学习信心。

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这本书的实用价值远远超出了我最初的预期，它提供了一个非常完整的、可复制的“作品生成路径图”。我发现书中介绍的技法，不仅适用于书上展示的特定主题，更重要的是，它教会了我一套通用的观察世界和转化到二维平面上的思维框架。比如，对物体边缘的处理方式，对背景虚化的理解，以及如何通过色彩的冷暖对比来营造景深感，这些都是可以迁移到任何新创作中的核心技能。它提供的那些步骤，更像是一个灵活的模板，而不是僵硬的教条。我可以根据自己的喜好和手头的材料进行微调，却依然能保持作品的专业水准。这本书的价值不在于让你学会画出书中的那一个图案，而在于它彻底打通了你从“看懂”到“独立完成”之间的那道鸿沟，让创作从一个神秘的魔法，变成了一门可以学习和掌握的手艺。

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阅读体验方面，作者对节奏感的把握相当到位。它知道什么时候该放慢速度，详细描绘笔触的轻重缓急，什么时候可以加快节奏，快速带过一些重复性的练习。在一些相对简单的打底步骤，它会用非常简洁的文字和图示带过，确保不会让人感到拖沓。而一旦进入到核心的、需要精细控制的塑形阶段，文字描述就会变得极为详尽，甚至会用不同的字体或加粗来强调关键的操作要点，比如“运笔要轻柔”、“此处必须一气呵成”。这种节奏的张弛有度，使得整个学习过程保持了一种持续的新鲜感和专注度，不像有些教材，读着读着就觉得枯燥乏味，恨不得赶紧翻到下一页，这本书却让人愿意沉浸其中，细细品味每一个环节的妙处。

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我过去尝试过不少同类别的教程，但大多都陷入了“只展示结果，不展示过程”的怪圈，看完之后依旧不知道自己到底哪里出了问题。然而，这本书的“分步图解”真是做到了极致。它不是那种只给你看最终成品图然后告诉你“就这样画”的敷衍之作。它展示了从最基础的轮廓起稿，到第一层铺色，再到反复叠加的中间调处理，乃至最后的高光和细节刻画的全过程。更妙的是，它还贴心地加入了“常见错误示范与修正”的版块。比如，当你发现自己的作品看起来“平”的时候，书里会立刻指出是哪一步的层次感处理不够到位，并配图对比修正后的效果。这种细致入微的反馈机制，让学习者能够清晰地定位自己的盲点，避免了在错误的道路上越陷越深，可以说，它真正做到了“授人以渔”。

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这本书的装帧设计简直是艺术品，拿到手上就有一种爱不释手的感觉。硬壳封面带着微微的磨砂质感，摸上去非常舒服，让人忍不住想一直摩挲。内页纸张的选择也十分考究，那种带着一点点米黄的色调，不仅保护了视力，更衬托出书中那些细腻的插图。色彩的印刷精准得令人惊叹，无论是细腻的笔触过渡还是鲜艳的颜料渲染，都忠实地再现了原画的质感。装订工艺也极其扎实，即便是频繁翻阅，也不会出现散页或者松动的现象。我个人特别欣赏封面烫金的字体设计，那种低调却又不失华丽的感觉，完美地契合了“雕琢”二字的意境。它不仅仅是一本工具书，更像是一件可以陈列在家中的艺术品，每次翻开都能带来视觉上的享受和心灵上的愉悦，这种对书籍本身的重视程度，在如今这个快餐阅读时代，实在难能可贵。

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