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出版者:江西美术出版社

作者:白云

出品人:

页数:24

译者:

出版时间:2007-1

价格:19.00元

装帧:

isbn号码:9787807490470

丛书系列:

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艺术史的宏大叙事：一部穿越时空的中国艺术通鉴 书名：《江山万里：中国艺术史纲要》 作者：[虚构历史学家姓名，如：李博远] 出版社：[虚构出版社名称，如：东方文脉出版社] --- 导言：凝视历史的“形”与“神” 《江山万里：中国艺术史纲要》并非一本专注于技法或某个细分门类的手册，而是一部宏大、深邃、力求勾勒出中国艺术发展脉络的通史性著作。它试图回答的核心问题是：在数千年的历史长河中，中国人民是如何通过绘画、雕塑、建筑、陶瓷乃至工艺美术等多元载体，构建起其独特的宇宙观、生命哲学和社会秩序的？ 本书的视角是建立在对“气韵生动”这一核心美学范畴的深度剖析之上，通过梳理不同历史时期的社会结构、哲学思潮（如儒、释、道的影响）与艺术形式之间的内在张力与相互塑造，为读者呈现一幅立体、多维的中国艺术全景图。我们相信，艺术不仅是对现实的模仿，更是对“道”的追寻与“人伦”的寄托。 第一部分：萌芽与定型——远古至秦汉的文明基石 (约占全书篇幅 15%) 本部分着重考察中国艺术的起源，从新石器时代的彩陶纹饰中寻找早期人类对自然秩序的初步认知。重点分析了良渚文化玉器的“神人兽面纹”如何奠定了神秘主义与权力象征的早期母题。 进入青铜时代，本书深入探讨了商周青铜礼器的造型语言及其背后的社会功能。这些铭文与饕餮纹饰，如何从单纯的宗教符号，演变为维护周代宗法制度的“器物政治”。我们详细考察了“礼”的概念如何塑造了早期艺术的庄重与规范性。 秦汉时期，艺术开始走向世俗化和实用化。秦始皇陵兵马俑被置于政治意志的体现角度进行解读，强调其强大的组织性与写实性初探。汉代的画像石和壁画，则被视为社会生活与孝道伦理的图像记录，标志着艺术叙事能力的显著提升。 第二部分：风骨与精神——魏晋南北朝至隋唐的转型与高峰 (约占全书篇幅 25%) 这一阶段是理解中国艺术“精神性”的关键时期。 魏晋风度部分，我们探讨了玄学思潮对艺术审美的影响。士大夫阶层对“自然”的推崇，如何催生了山水画的雏形，以及对“魏晋风度”这种潇洒、不羁的个人气质的审美化。顾恺之的“传神写照”理论，被视为中国早期肖像画和人物画理论的奠基石。 进入隋唐，本书将艺术中心从区域性的风格转向国家层面的宏大叙事。 1. 雕塑艺术的黄金时代： 以敦煌莫高窟、云冈石窟和龙门石窟为核心案例，分析佛教艺术如何从中亚传入并与本土审美相融合，形成“褒衣博带”的盛唐气象。重点解析了佛像面容从早期略带异域色彩到盛唐饱满圆润的转变过程，体现了文化自信的提升。 2. 绘画的定型： 详细剖析了阎立本、吴道子等人的风格，以及“北宗”与“南宗”在早期对立与融合的倾向。唐代“青绿山水”的装饰性与“水墨画”的萌芽被作为对比分析的重点。 3. 陶瓷的变革： 重点研究唐三彩的造型特点与烧制工艺，标志着中国手工艺技术达到一个空前的成熟期。 第三部分：文人化与地域性——宋元时期的转向与审美深化 (约占全书篇幅 30%) 宋代是中国艺术从“教化”向“审美自律”转型的关键节点。本书认为，宋代理学（程朱理学）的兴盛，深刻地影响了艺术的内在追求。 宋代绘画的“理”与“趣”： 院体画的精微： 以徽宗朝的写生画为代表，探讨了宋代如何将“格物致知”的精神注入到对自然形态的精确描摹中，这与欧洲的文艺复兴有异曲同工之处，但其核心驱动力在于“修身养性”。 文人画的崛起： 重点分析了苏轼、米芾等如何确立了以“意”为主导的文人画理论，将个人学养和诗文融入笔墨，开启了抒情艺术的新篇章。 山水画的成熟： 详述“北宋三大家”（范宽、郭熙、李成）的宏大构图，以及南宋马远、夏圭的“边角式”构图，探讨其背后对空间感和时间感的哲学处理。 元代的“遗民情结”与笔墨的解放： 元代，蒙古统治下的汉族文人将艺术视为精神的避难所。本书详述“元四家”（黄公望、倪瓒等）如何将笔墨技巧推向极致，通过枯淡、简率的笔触来表达对故国的眷恋与对世俗的疏离，使笔墨语言获得了前所未有的独立性和表现力。 第四部分：世俗化与程式化——明清时期的繁盛与局限 (约占全书篇幅 20%) 明清艺术呈现出高度的繁荣和风格的复杂性，既有对前代的集大成，也出现了新的商业化倾向。 明代的多样性探索： 探讨了以吴门画派为代表的文人画的精致化，以及“浙派”的工整写实风格。晚明时期，市民阶层的崛起催生了仇英、唐寅等人的世俗化、装饰性绘画风格，市场对艺术的驱动力增强。 清代的古典回归与地域流派： 康乾盛世下，艺术走向了对“四王”的推崇，强调对元明古法的全面继承与融会，这在一定程度上导致了风格上的程式化。然而，本书也着重介绍了突破主流的“扬州八怪”等地方性流派，他们如何将民间趣味、个人情感（如金石趣味、怪诞造型）注入传统笔墨，为晚清艺术变革积蓄力量。 第五部分：冲击与重塑——近代艺术的艰难转型 (约占全书篇幅 10%) 最后一部分聚焦于晚清至民国时期，中国艺术面对西方现代性的挑战所做出的反应。 本书详细分析了以康有为、陈独秀等为代表的知识分子对传统艺术（特别是科举制度下对八股文式绘画的批判）的激烈反思。探讨了林风眠、徐悲鸿等人如何在新文化运动的背景下，引进西方写实主义、印象派等理念，试图为中国画注入新的“科学”与“生命力”，以及他们与守旧派之间的论战。这一阶段的艺术实践，是传统文脉在现代语境下艰难求存与自我革新的缩影。 结语：未竟的对话 《江山万里》旨在提供一个宏观的参照系，帮助读者理解中国艺术的内在逻辑和连续性。它强调的不是如何“画好”一笔，而是为何要如此落笔——笔墨背后承载的是数千年哲学思想、社会伦理与个体情感的复杂交织。阅读此书，如同走入一条由无数代艺术家精心铺就的文化长廊，去感受那份跨越时空、永不褪色的“江山气象”。

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这本书的排版布局简直是一场视觉上的享受，它巧妙地平衡了“信息密度”和“阅读舒适度”。与许多将所有内容塞满页面的教学书籍不同，作者或者编者显然深谙留白的美学。在讲解复杂技法的部分，旁边的空白区域不仅没有浪费，反而被用来放置了关键的提示性小图示或者只言片语的要点总结，像一个个精心布置的焦点，引导读者的目光。文字的字体选择也十分到位，宋体和黑体穿插使用，既保证了专业术语的清晰度，又使得整体阅读体验不至于过于刻板。更令人称赞的是，不同章节之间的过渡页设计，它们往往采用一种略微淡化的、与主体内容风格统一的背景纹理，仿佛是一次深呼吸，让读者的心绪得以沉淀，准备迎接下一阶段的学习挑战。这种对阅读节奏的把控，体现出编者对读者心境的深刻理解，而不是简单地堆砌知识点，使得学习过程本身也成了一种愉悦的体验。

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这本书在理论阐述上，非常注重传统文脉的传承与现代视角的结合。它不仅仅是复述古人的画论，而是巧妙地引入了现代艺术理论中关于“构成”、“视觉心理学”的一些概念来辅助解释为何古人要那样下笔。比如，在探讨如何处理画面的空间感时，它联系到了现代摄影的景深概念，让习惯了当代视觉语言的学习者能够更快地领悟到中国画中“计白当黑”的精妙之处。更难能可贵的是，它没有陷入故纸堆，对一些历史流派的介绍，都聚焦于其对当代创作的借鉴意义，而不是纯粹的史学考据。这种“古为今用”的智慧贯穿始终，使得这本书读起来不枯燥，充满了启发性，让人感觉手中的画笔连接的不仅是古老的传统，也直指当下的艺术表达。

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这本书的装帧设计非常考究，封面采用了一种很有质感的哑光纸张，摸上去温润细腻，而不是那种市面上常见的廉价光面纸。色彩的搭配上也看得出设计者的用心，那种深沉的黛青和淡雅的米白相互映衬，一下子就将人带入了一种古典雅致的氛围中。翻开内页，纸张的厚度适中，很好地承载了印刷出来的墨色层次，即便是印着一些细节复杂的线条，过渡也显得自然而不过渡。装订方面，平装却做到了近乎精装的牢固，翻阅时书页没有丝毫松动的感觉，这对于经常需要反复翻看的学习资料来说，无疑是个巨大的加分项。尤其是书脊的处理，非常平整，即便是用力压平展开来，也不会对内页造成损伤。这种对手工质感的重视，让我觉得出版方是真的在用心做产品，而不是仅仅为了快速流通。拿到手的时候，那种油墨的清香混合着纸张特有的纤维味道，让人有种迫不及待想要开始研习的冲动，这绝不是一本随便印印就可以糊弄读者的工具书所能比拟的。

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随书附赠的学习资源包，绝对是超乎预期的惊喜。通常这种教材的附赠品要么就是几张模糊不清的图例，要么就是一些无关痛痒的电子文档。然而，这套书的配套资源设计得异常贴心。音频讲解部分，并非是机械的朗读，而是由一位资深的书画教育者进行口述，他的语速沉稳，对某些难点会特意放慢并加入个人体会和口诀，这比书本上的文字更有温度和引导性。视频教程则更像是进入了大师的工作室，镜头对焦精准，无论是磨墨的力度还是勾线的起承转合，都能看得一清二楚，特别是对“气势”的捕捉，是静态图片永远无法传达的。这种多媒体的立体化学习体验，极大地弥补了单一媒介的局限性，让学习者能够全方位地沉浸其中，真正做到了“手、眼、耳”并用的高效训练。

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内容逻辑的推进，简直是教科书级别的严谨与循序渐进。它没有一开始就抛出那些令人望而生畏的复杂笔墨技巧，而是从最基础的“气韵”和“观察”入手，这才是国画的根基。第一部分对不同画科（比如山水、花鸟）的用笔习惯进行了宏观的区分，但很快就聚焦到了“点”与“线”的力度控制上。我特别欣赏它如何处理“由简入繁”的过程，例如，在讲解“皴法”时，它不是直接展示最终形态，而是将皴法的形成拆解为“干笔的拉扯”、“湿笔的渲染”以及“墨色的渗透”这三个微小步骤，每一个步骤都有大量的细节示范图佐证。这种将复杂分解为可操作单元的能力，极大地降低了初学者的挫败感。每学完一个单元，都会有一个“自检清单”，让你对照自身的练习效果，这比起单纯的理论讲解要有效得多，让人感觉每一步都是踏实地在进步。

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