具体描述
作者简介
迈克尔·拉毕格（Michael Rabiger），曾任芝加哥哥伦比亚学院影视系主任，并建立了该学院的纪录片中心，在欧洲为国际影视院校联合会（CILECT）主持跨国纪录片讲习班，曾导演、剪辑了超过35部电影作品。他是纽约大学艺术学院的客座教授，讲授故事创意、导演和高级制片课程。其他著作有《开发故事创意》（Developing Story Ideas）《纪录片创作完全手册》（Directing the Documentary），这些教材为世界各地电影院校、电影专业人士、电影爱好者所喜爱，并不断更新、再版，长销不衰。
唐培林，湖南永州人，副教授、硕士生导师。自1988 年起，先后求学于湖南师范大学，学习英语语言文学专业（学士）；北京广播学院（现中国传媒大学），学习广播电视艺术学专业电视艺术与技术方向（硕士）；中国传媒大学，学习广播电视艺术学专业电视剧历史与理论方向（博士）。2011年至2012 年公派赴美国纽约城市大学（CUNY）布鲁克林学院和南加州大学（USC）电影艺术学院访学一年。目前任教于中国传媒大学戏剧影视学院，主要讲授《摄影基础》《摄影构图》《视听语言》《中国电视剧史论》和《广播电视艺术学专业英语》等课程。
目录信息
读后感
一直对后浪充满崇敬，而也对本书毋庸置疑的崇高地位顶礼膜拜，因此，这部书从第三版就开始读了，真是受益匪浅！然而，此次我觉得后浪做了让人难以相信的甚至可以认为是无耻的事情，就是，该书根本不是第五版而是第四版。书中除了讲“第四版有什么新内容”改成“新版本有什么新...
评分这类书籍我看过不少，这本书绝对是有史以来我阅读过最清晰、最专业的专业类书籍了。我本身就是电影专业毕业的，所以对于电影知识早就有了一定了解，这本书中的内容可以说十分实用并具有普遍性。无论是哪个国家，对于电影摄影技巧其实都是大致相同的，都是为了拍出美的画面，并...
评分这类书籍我看过不少，这本书绝对是有史以来我阅读过最清晰、最专业的专业类书籍了。我本身就是电影专业毕业的，所以对于电影知识早就有了一定了解，这本书中的内容可以说十分实用并具有普遍性。无论是哪个国家，对于电影摄影技巧其实都是大致相同的，都是为了拍出美的画面，并...
评分一直对后浪充满崇敬，而也对本书毋庸置疑的崇高地位顶礼膜拜，因此，这部书从第三版就开始读了，真是受益匪浅！然而，此次我觉得后浪做了让人难以相信的甚至可以认为是无耻的事情，就是，该书根本不是第五版而是第四版。书中除了讲“第四版有什么新内容”改成“新版本有什么新...
评分这类书籍我看过不少，这本书绝对是有史以来我阅读过最清晰、最专业的专业类书籍了。我本身就是电影专业毕业的，所以对于电影知识早就有了一定了解，这本书中的内容可以说十分实用并具有普遍性。无论是哪个国家，对于电影摄影技巧其实都是大致相同的，都是为了拍出美的画面，并...
用户评价
《Directing, Third Edition》这本书，让我对“叙事结构与节奏控制”有了更加系统和深入的认识。在阅读这本书之前，我总是觉得一个好的故事，只要情节够吸引人，观众就会买账。然而，这本书却让我明白，一个引人入胜的故事，不仅仅在于“讲什么”，更在于“怎么讲”。书中详细分析了各种经典的叙事结构，例如线性叙事、非线性叙事、循环叙事等等，并解释了不同结构所带来的不同观影体验。它不仅仅是告诉我们有哪些结构，更重要的是教我们如何根据故事的内容和想要达到的效果，来选择最合适的叙事结构。我特别欣赏书中关于“时间感”的控制。作者通过对不同影片的案例分析，让我理解了如何通过剪辑的快慢、闪回的运用、以及声音的节奏来影响观众对时间的感知。有时候，加速的剪辑可以营造紧迫感，而舒缓的节奏则可以带来沉思。这种对时间的精妙控制，是导演能够让观众沉浸在电影世界中的关键。此外，书中关于“悬念的设置与释放”的讨论，也让我茅塞顿开。它不仅仅是简单地制造“想不到”的情节转折，更是关于如何在整个叙事过程中，巧妙地埋下伏笔，引导观众的预期，然后适时地释放这些悬念，带来最大的震撼。这本书让我明白，一个出色的导演，就像一个技艺精湛的建筑师，能够用镜头和剪辑，搭建起一个结构严谨、节奏分明、引人入胜的叙事空间。
评分《Directing, Third Edition》这本书，给我最大的启发在于它对“情绪的传递与控制”的深入探讨。作为一名初入导演行业的新人，我总是在思考如何才能让观众真正地感受到电影所要表达的情感。这本书，则从多个维度为我提供了答案。它不仅仅是关于如何通过画面来营造氛围，更是关于如何通过导演的“情绪引导”来影响演员的表演，进而影响到观众的情绪。书中有一章节专门讨论了“情绪的弧线”。它教导如何为角色设计一个完整的情绪发展过程，从最初的平静，到中间的起伏，再到最终的爆发或沉淀。这不仅仅是剧本上的设计，更需要在拍摄过程中，通过导演与演员的合作来实现。我记得书中分析了某个场景，导演是如何通过与演员多次深入的沟通，帮助演员找到角色的情感爆发点，并且是如何在拍摄时，通过音乐、灯光以及拍摄的节奏，来烘托这种情绪，最终让观众感同身受。此外，书中还强调了“间歇与留白”在情绪传递中的作用。有时候，过度的渲染反而会适得其反，而恰到好处的停顿和沉默，反而能够给观众留下思考的空间，让情感在内心深处发酵。这种“少即是多”的艺术理念，让我受益匪浅。这本书让我明白，导演的工作，不仅仅是构建一个视觉世界，更是要构建一个能够触动人心的情感世界。它让我更加关注表演的细节，关注画面的情绪张力，也让我学会了如何更有效地去控制和引导观众的情绪。
评分《Directing, Third Edition》这本书，让我对“创新与传统”在电影导演中的关系有了更深刻的理解。我一直认为，作为导演，就是要不断地突破边界，创造出前所未有的影像。但这本书却让我明白，真正的创新，往往不是凭空产生的，而是建立在对电影传统和既有规则的深刻理解之上的。书中在介绍各种拍摄技巧和叙事手法时，都会追溯其历史渊源，并分析它们是如何在不同的时代背景下被发展和演变的。这让我看到了电影艺术的传承和创新之间的辩证关系。我特别喜欢书中关于“视觉风格”的讨论。它不仅仅是告诉你应该如何运用某种特殊的镜头运动或色彩运用，而是鼓励导演去思考，什么样的视觉风格才最适合自己要讲述的故事。书中引用了许多不同风格的导演案例，例如那些坚持使用手持摄影来营造真实感的导演，以及那些偏爱使用固定机位来强调画面结构的导演。这些案例让我明白，风格并非孤立存在，而是与导演的创作理念、影片的主题以及观众的观影体验紧密相连。此外，书中还强调了“借鉴与模仿”的区别。它鼓励导演要从大师的作品中学习，但要学会的是他们的思维方式和创作理念，而不是简单地复制他们的手法。这种“博采众长，自成一家”的创作态度，让我深受启发。这本书让我认识到，作为导演，需要在尊重电影艺术的悠久传统的同时，也要勇敢地拥抱创新，找到属于自己的独特声音。
评分《Directing, Third Edition》这本书，最让我感到震撼的是它对“沟通”这一核心技能的深度剖析。我一直认为导演最核心的能力在于“ vision”，在于能够构思出精彩的画面和故事。但这本书让我意识到，再好的创意，如果无法有效地传达给团队成员，那也只是空中楼阁。书中对于“导演与演员的沟通”部分，我反复阅读了多遍。作者不仅给出了如何清晰传达表演指令的方法，更深入探讨了如何建立信任，如何理解演员的心理需求，以及如何通过引导而非强制来激发演员的最佳表现。我记得书中举了一个例子，关于如何与一位经验丰富但固执的演员沟通，导演并没有直接否定他的想法，而是先肯定他的观点，然后巧妙地将自己的想法融入其中，最终达到了预期的效果。这种“四两拨千斤”的沟通智慧，让我大开眼界。同样，书中对于“导演与摄影师的沟通”也进行了详尽的阐述。作者强调了建立共同的视觉语言的重要性，如何通过分镜脚本、参考图片，甚至是一起观看电影来达成共识。他解释了摄影师在技术上的考量，以及导演如何理解并指导他们，从而实现自己的艺术构想。这种跨部门的有效沟通，需要极高的情商和专业知识。这本书还特别提到了“导演与制片人的沟通”。很多时候，创意和现实之间存在着巨大的鸿沟，而导演需要在两者之间找到平衡点。书中教导如何清晰地解释自己的创作意图，如何合理地规划预算和时间，以及如何在遇到困难时，与制片人共同寻找解决方案。这让我明白，导演不仅仅是艺术家，也是一个出色的管理者和协调者。这本书的价值在于，它让我认识到，在电影制作的洪流中，沟通是连接一切的桥梁，是实现艺术愿景的基石。
评分这本《Directing, Third Edition》就像是一位经验丰富的老友，在你准备踏上导演之路的茫然时刻，伸出了援手。它不仅仅是一本技术手册，更像是一位孜孜不倦的导师，引导着你一步步理解电影制作的复杂流程。我尤其喜欢书中对于“视觉语言”的阐述，它不像其他书籍那样只是简单地罗列镜头运动和构图规则，而是深入浅出地剖析了每一个选择背后的意图和情感传达。比如，作者在讲解如何利用景深来营造人物关系时，引用了大量经典电影的例子，并进行了细致的画面分析，让你瞬间明白，一个简单的景别变化，可以传递出多少微妙的情感冲突和心理状态。读到这里，我仿佛能听到导演在片场对摄影师和演员的每一个指令，都能感受到其中蕴含的深思熟虑。书中还花了大篇幅讨论了“节奏感”的控制，这部分内容对初学者来说尤为重要。它不仅仅是剪辑的艺术，更是贯穿于表演、音乐、画面切换等方方面面。作者通过对不同类型电影的案例分析，让你理解快节奏如何带来紧张感，慢节奏如何营造沉思，以及如何通过剪辑的“跳跃”或“延续”来影响观众的情绪。每次读到这部分，我都忍不住去回想自己喜欢的电影，尝试去拆解其中的节奏奥秘。总而言之，这本书的价值在于它并非填鸭式的知识灌输，而是通过引导性的阐述，激发读者自身的思考和创造力，让你在掌握理论的同时，也能形成自己独特的导演视角。它更像是一次深度对话，让我受益匪浅。
评分《Directing, Third Edition》这本书给了我一种非常扎实的“掌控感”。在翻阅这本书之前，我对电影导演这个职业的理解，更多的是一种浪漫的想象，觉得需要天马行空的灵感和出色的运气。但随着阅读的深入，我逐渐意识到，伟大的导演并非仅仅依赖灵感，更重要的是他们对电影语言的深刻理解和对制作流程的精准把控。书中对于“剧本分析”这一环节的解读，让我耳目一新。它不仅仅是告诉你如何阅读剧本，更教你如何在剧本的字里行间挖掘出隐藏的情感线索、人物动机以及潜在的视觉表达方式。作者通过拆解几个不同风格的剧本，展示了如何从故事的骨架中提炼出导演的创作核心，如何将文字转化为可感知的影像。这一点对我这个初学者来说，无疑是打开了一扇新世界的大门。更让我印象深刻的是，书中详细阐述了“调度”的艺术。调度，这个词听起来似乎有些技术化，但作者却将其描绘得如同一场精心编排的舞蹈。他通过讲解人物在画面中的位置、走位、与环境的互动，以及如何通过运动来引导观众的视线，来阐释调度如何服务于叙事和情感表达。读到这一部分，我仿佛置身于一个繁忙而有序的片场，看着导演如何用他的指令，让演员和镜头如同齿轮般精密地运转，共同构建出富有张力的画面。这本书的另一大亮点在于它对于“表演指导”的深入探讨。作者并没有停留在泛泛而谈的“激发演员潜力”上，而是提供了一系列具体的方法和技巧，例如如何与演员沟通角色动机，如何通过排练来深化表演，甚至是如何利用现场环境来帮助演员进入状态。这些实操性的建议，让我觉得导演这项工作，既需要艺术家的感性，也需要工匠般的严谨。
评分《Directing, Third Edition》这本书，让我对“细节”的力量有了全新的认识。在接触这本书之前，我总是觉得导演的工作更多的是关注宏大的叙事和整体的风格，而那些微小的细节，似乎更多是属于美术、道具或者化妆等部门的范畴。然而，随着阅读的深入，我发现，真正的导演，恰恰是那些能够洞察并运用每一个细微之处，来强化影片主题、深化人物塑造的关键人物。书中在“构图与镜头语言”部分，花费了大量篇幅来讲解如何通过画面的每一个元素来传递信息。比如，人物在画面中的位置，是居中还是偏向一侧，都会传递出不同的心理状态。光线的运用，是明亮还是阴影，能够营造出截然不同的氛围。即使是道具的摆放，如一个随手丢弃的杯子，或者一个精心摆放的书籍，都可能成为角色内心世界的隐喻。作者通过对大量电影片段的分析，让我明白了这些看似微不足道的细节，是如何共同构建起影片的叙事和情感的。更让我印象深刻的是，书中关于“表演的微观层面”的讨论。它不仅仅是指导演员如何表现情绪，更是关注演员在镜头前的每一个细微的动作，每一次眼神的交流，甚至每一次呼吸的节奏。这些微观的表演，在镜头捕捉下，能够放大并传递出极其丰富的内涵。我记得书中举了一个例子，关于一个演员如何通过一个微小的耸肩动作，来表现角色的无奈和屈服，这种表演的精妙之处，让我惊叹不已。这本书让我认识到，导演的眼睛，必须是能够捕捉到宇宙间一切细微之处的显微镜，并且能够将这些细微之处，巧妙地编织进影片的整体结构中，最终成为打动人心的力量。
评分这本书《Directing, Third Edition》带给我的，是一种对电影制作“全局观”的全新认知。在阅读这本书之前，我总觉得导演的工作重心似乎都在于“创意”本身，对于那些幕后繁琐的流程，如制片、预算、日程安排等等，总是感到有些模糊和疏远。然而，这本书却用一种非常系统和有逻辑的方式，将导演在整个电影制作链条中的角色和责任进行了清晰的梳理。让我印象深刻的是，书中对于“前期准备”的强调。作者详细阐述了从剧本定稿、分镜脚本绘制、选角、场景勘景到技术方案的确定，每一个环节都至关重要，并且相互关联。他特别强调了导演如何在前期工作中，与制片、摄影、美术、录音等各个部门的负责人进行有效的沟通和协作，以确保拍摄过程的顺利进行。这让我理解到，一部电影的成功，绝非仅仅是导演个人的才华，更是一个团队紧密合作的结晶，而导演正是这个团队的核心驱动力。书中对于“现场执行”的描绘，也让我体会到了导演工作的复杂性和挑战性。面对不可预知的突发状况，如天气变化、设备故障、演员状态不佳等等，导演如何在压力之下迅速做出决策，并保持团队的士气，这部分内容让我看到了导演的“危机处理能力”。作者通过引用一些实际案例，展示了经验丰富的导演是如何化解难题，并将不利因素转化为创作灵感的。更让我觉得受益匪浅的是，书中对于“后期制作”的解读。导演并非在拍摄完成后就“下班”了，剪辑、声音设计、配乐、视觉特效等等，都需要导演的深度参与和把控，才能最终将影片的理念完整地呈现出来。这本书让我明白，导演是一个需要贯穿于电影生命全程的“总指挥”，他的视野和决策，直接影响着最终成品的质量。
评分《Directing, Third Edition》这本书，最让我感到触动的是它对于“人性与情感的洞察”这一核心主题的反复强调。我之前可能更多地将导演的工作理解为一种技术性的创作，是对画面、声音、表演的组合。但这本书让我深刻地认识到，电影艺术的本质，最终还是要回归到对人性的理解和对情感的表达。书中在讨论如何塑造人物时，并没有停留在简单的性格设定上，而是深入探讨了人物的内心世界，他们的动机、欲望、恐惧以及他们是如何在冲突中成长的。作者通过分析大量经典角色的塑造过程，让我看到了导演是如何通过细腻的观察和敏锐的洞察力，来挖掘出人物身上最真实、最动人的一面。我记得书中举了一个例子，关于一位导演如何通过一次与演员的深入访谈，挖掘出了角色内心深处被压抑的童年创伤，并将其巧妙地融入到角色的表演中，最终让这个角色变得极其令人信服和动容。此外，书中还强调了“共情”在电影中的重要性。它教导导演如何通过镜头语言、表演以及音乐等多种手段，来引导观众与角色产生共情，从而更好地理解和感受故事。这种对人性的关怀和对情感的尊重，贯穿于整本书的始终，也让我更加理解了为什么那些伟大的电影能够跨越时代和文化，触动无数观众的心灵。这本书让我明白，作为导演，最重要的能力之一，就是能够成为一个深刻的人性观察者和情感的捕捉者，用镜头去记录和呈现那些最真实、最动人的生命瞬间。
评分《Directing, Third Edition》这本书，为我打开了一扇关于“电影史与电影理论”的窗户，而且是以一种非常实用的方式。我一直对电影史和电影理论抱有浓厚的兴趣，但往往觉得这些理论知识与实际的拍摄操作之间存在一定的距离。这本书却巧妙地将理论与实践相结合，让我明白，那些伟大的导演之所以伟大，并非偶然，而是他们对电影语言发展脉络的深刻理解以及对核心电影理论的灵活运用。书中在阐述“电影类型”时，并没有简单地罗列不同类型的特点，而是追溯了每种类型的发展历史，以及在不同时代背景下，导演们是如何在既有框架内进行创新和突破的。这让我看到了电影艺术的演变和导演在其中扮演的角色。我尤其喜欢书中对于“蒙太奇理论”的解读。它不仅仅是简单地介绍了爱森斯坦的“冲突蒙太奇”，还结合了苏联蒙太奇学派的其他观点，以及蒙太奇在现代电影中的演变。作者通过分析不同影片的剪辑方式，让我理解了蒙太奇如何不仅仅是镜头的简单组合，更是思想和情感的碰撞与传递。此外，书中还涉及了“作者论”等重要的电影理论。它鼓励导演要形成自己独特的艺术风格和创作理念，并在这本书的字里行间，你可以感受到作者本人所具备的深厚的理论功底和丰富的实践经验，这种“言传身教”的方式，远比单纯的理论讲解更加有效。这本书让我意识到，作为一名导演，不仅要掌握技术，更需要对电影这门艺术有深入的理解和思考，而这本书恰恰为我提供了这样的理论基础和启发。
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