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出版者:上海人美

作者:孙乃树

出品人:

页数:212

译者:

出版时间:2006-12

价格:33.00元

装帧:

isbn号码:9787532246717

丛书系列:中国高等院校艺术素养丛书

图书标签:

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东方艺境：一场穿越时空的视觉盛宴 引言： 当人们谈论艺术时，“西方”二字似乎总被赋予一种至高无上的光环，它代表着古典的严谨、文艺复兴的辉煌，以及现代艺术的革新。然而，在这条被广泛描绘的艺术长河之外，另一片广袤而深邃的艺术星空，同样闪耀着独特的光芒，它便是东方艺术。本书《东方艺境》并非是对西方艺术史的简单补充或反驳，而是一次独立而完整的探索，旨在引领读者沉浸于东方文明孕育出的独特审美情趣、哲学思想与艺术表达之中，领略那份与西方截然不同的，充满东方韵味的视觉奇迹。 第一章：文明的曙光——早期东方艺术的萌芽与演进 东方艺术的根源深植于人类文明的幼年时期。本书将从中国、印度、日本、波斯等文明古国出发，追溯各自早期艺术的起源。在中国，我们将审视新石器时代彩陶上的神秘纹饰，商周青铜器上浑厚庄严的饕餮纹，以及早期玉器所蕴含的至高象征意义。这些原始的艺术形态，不仅是简单的装饰，更是先民们对自然、神灵以及宇宙秩序的初步认知与表达。 在印度，我们会探寻印度河流域文明的精美印章，以及早期佛教艺术的肇始。从莫卧儿王朝的宏伟建筑到笈多王朝时期精雕细琢的石窟壁画，佛教艺术在印度的发展历程，反映了宗教信仰如何深刻地塑造了艺术的形态与内容。 日本的早期艺术，则充满了自然崇拜与神道教的痕迹。从绳文时代的粗犷陶器，到弥生时代的铜器与土器，再到古坟时代的埴轮，都展现了日本民族独特的艺术气质。 波斯，作为连接东西方文明的重要枢纽，其早期艺术同样辉煌。从古波斯帝国的宫殿浮雕，到萨珊王朝的宝石雕刻，都透露出帝国强盛的国力与精湛的工艺。 本章将强调，这些早期艺术并非孤立存在，而是与各自的社会结构、宗教信仰、哲学思想以及自然环境紧密相连，共同构成了东方艺术最初的基石。我们将深入探讨这些早期艺术形式背后的文化密码，而非仅仅停留在表面的技法与风格。 第二章：精神的栖居——宗教与哲学对东方艺术的影响 宗教与哲学是塑造东方艺术灵魂的关键力量。本书将深入分析佛教、道教、儒家、印度教、伊斯兰教以及神道教等主要东方宗教与哲学思想，是如何在不同的地域和时代，以其独特的精神内核，渗透并引导着艺术创作的方向。 在佛教艺术方面，我们将重点关注中国、日本、西藏以及东南亚的佛教造像、壁画和寺庙建筑。从犍陀罗艺术中东西方风格的融合，到中国北朝石窟中佛陀形象的演变，再到唐代佛教艺术的鼎盛，以及日本净土宗寺院的庄严静谧，我们将看到佛教教义如何被转化为可视的形象，传递着慈悲、智慧与解脱的理念。我们将探讨不同地域的佛教艺术在表现佛陀、菩萨、罗汉时所展现出的不同地域特色与文化解读。 道家思想对中国艺术的影响同样深远。从水墨山水画中对“道”的体悟，到园林设计中对“自然”的模拟，再到文人画中对“意境”的追求，都体现了道家“道法自然”、“天人合一”的思想。我们将分析道家哲学如何促使艺术家们超越具象的描绘，追求一种更趋于精神性的表达。 儒家思想虽然更侧重于伦理与社会秩序，但它对东方艺术的间接影响也不容忽视。对“礼”的尊重，对“德”的追求，以及对“君子”形象的塑造，都体现在中国传统绘画、书法、以及建筑的规制与品格之中。 印度教艺术，以其繁复的神祇体系和对宇宙轮回的描绘，呈现出极为丰富的视觉语言。我们将审视印度神庙建筑的宏伟与精雕细琢，以及描绘印度教诸神的绘画与雕塑，它们是印度教信仰的生动载体。 伊斯兰艺术，虽然严格限制偶像崇拜，但其在建筑、书法、几何纹样和植物纹样上的高度发展，却展现了东方艺术的另一条发展路径。我们将探讨清真寺的宏伟穹顶、精美瓷砖、以及充满数学逻辑的几何图案，它们是如何在抽象与秩序中体现精神的崇高。 神道教对日本艺术的影响，则体现在对自然万物的敬畏与对“物哀”之美的感悟。神社建筑的朴素简洁，以及对自然景色的巧妙融入，都体现了神道教独特的精神气质。 本章的核心在于揭示，在东方艺术中，艺术的意义往往超越了纯粹的审美，它更是精神寄托、哲学思考与宗教信仰的载体。我们将深入剖析这些精神层面的驱动力，是如何影响艺术家的创作观念、表现手法以及作品的最终形态。 第三章：笔墨的乾坤——东方绘画的独特语言与发展 绘画是东方艺术中最具代表性的形式之一。本书将聚焦于东方绘画，尤其是中国、日本、韩国等地的绘画传统，深入剖析其独特的艺术语言、技法与发展历程。 中国绘画，以其水墨为主的媒介，以及独特的笔墨技法，在世界艺术史上占有举足轻重的地位。我们将详细介绍“笔墨”的概念，它不仅仅是绘画的工具，更是艺术家情感、思想与精神的直接流露。我们将探讨用笔的“飞白”、“侧锋”、“中锋”等变化，以及用墨的“浓淡干湿”层次，如何共同构建出水墨画的丰富表现力。 从早期壁画中的人物故事，到唐宋山水画的宏伟壮丽，再到元明清时期文人画的兴起，我们将梳理中国绘画的发展脉络。我们将重点分析山水画的“三远法”，以及构图的“留白”艺术，它们如何体现了中国人对空间、意境的独特理解。我们将探讨花鸟画中对生命力的捕捉，以及人物画中对人物精神气质的刻画。 日本绘画，虽然受到中国绘画的深刻影响，但也在长期的发展中形成了自己鲜明的特色。我们将介绍“大和绘”的细腻柔美，以及“浮世绘”的生动市井。我们将分析日本绘画在色彩运用、线条勾勒以及构图上的独到之处，例如浮世绘中对视角与构图的创新，以及“写意”与“写实”在不同风格中的融合。 韩国绘画，同样在吸收外来文化的同时，保持着自己的民族特色。我们将介绍韩国传统绘画中对自然景色的描绘，以及人物画的写实风格，它们在细节的刻画和色彩的运用上，都展现了独特的东方韵味。 本章还将探讨东方绘画中的“意境”概念，它并非简单的景物再现，而是艺术家通过笔墨，将个人的情感、哲学思考以及对自然的感悟融入其中，营造出一种可感可知的精神氛围。我们将通过具体的作品分析，来理解“言有尽而意无穷”的东方绘画之美。 第四章：形制的奥妙——雕塑、建筑与工艺的东方之魂 除了绘画，东方艺术在雕塑、建筑和工艺等领域同样展现出非凡的创造力与独特的审美价值。 东方雕塑，虽然在某些时期可能不如西方雕塑那样注重解剖学上的精确，但其在精神表现、象征意义以及与环境的融合上，却有着独到的优势。我们将重点关注中国佛教雕塑的石窟造像，如龙门石窟、云冈石窟中的佛像，它们如何从早期受外来影响，逐渐演变为具有民族特色的形象；以及中国古代的陶俑、玉雕，它们所传达的生命力与人文精神。 印度雕塑，则以其印度教神祇的繁复描绘和寺庙建筑上的精美雕饰而闻名。我们将审视印度神庙的宏伟规模，以及装饰在神庙墙壁上的无数神祇形象，它们是印度宗教文化的生动体现。 日本雕塑，尤其是佛教造像，如奈良东大寺的卢舍那佛，以及镰仓大佛，都展现了东方雕塑在精神庄严与材质运用上的独到之处。 东方建筑，不仅仅是物质的居所，更是文化、哲学与审美的载体。我们将深入探究中国传统建筑的木结构体系、对称布局以及“风水”理念，如故宫的宏伟庄严，园林的曲径通幽。我们将分析日本建筑的简洁朴素、对自然的巧妙融入，如京都的寺庙与町屋。我们将审视印度寺庙建筑的层层叠叠、繁复的雕饰，以及伊斯兰建筑的宏伟穹顶和宣礼塔。这些建筑无不体现了各自文化对空间、秩序以及与自然关系的独特理解。 在工艺美术方面，东方拥有着璀璨的文明。我们将赞叹中国瓷器的精美绝伦，丝绸的轻柔华贵，漆器的细腻光泽；印度珠宝的耀眼夺目，织物的精湛技艺；日本漆器、金属工艺的精致内敛；波斯地毯的华丽图案与精湛工艺。这些工艺品不仅是实用器物，更是承载着民族传统、审美情趣与匠人精神的艺术结晶。 本章将强调，在东方艺术中，雕塑、建筑与工艺并非孤立的门类，它们往往相互关联，共同构成了东方文明完整的艺术体系。它们都围绕着一个核心——如何在物质世界中，体现并传达精神的追求与文化的传承。 结论： 《东方艺境》的旅程并非终点，而是一扇开启更广阔艺术视野的大门。本书旨在打破对艺术的单一化认知，展现东方艺术的多元性、深刻性与独特魅力。它并非要取代或贬低任何一种艺术传统，而是希望通过深入的解读与细致的分析，让读者认识到，在人类文明的艺术画卷中，东方艺术同样占据着不可或缺的、独一无二的位置。它以其独特的语言、深邃的思想、以及与自然、精神的紧密连接，为我们提供了一种不同于西方的，同样令人着迷的艺术体验。希望本书能激发读者对东方艺术的浓厚兴趣，去发现、去欣赏、去感受那份沉淀了千年之久的东方艺术之美。

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这本书的排版风格，坦白说，非常传统，甚至有些老派。大量的黑白插图穿插在密集的文字之间，仿佛是从上个世纪八十年代的博物馆图录里直接“复印”出来的。我注意到，它对十八、十九世纪学院派的描述占据了相当大的篇幅，对于那些注重浪漫主义和印象派的读者来说，可能需要耐心才能读到自己感兴趣的部分。尤其是在描述洛可可风格时，作者的用词极为繁复和华丽，充满了对“精致”、“柔美”和“颓废”的浪漫化描绘，这种风格本身似乎也在模仿它所描述的那个时代的审美趣味。我尝试着快速浏览，但那些对光线、色彩和构图的冗长描述，迫使我不得不放慢速度，仔细辨认每一个专业术语。这本书的价值在于其详尽的资料汇编，它将无数散落的艺术史片段串联成一个完整的链条，但代价是牺牲了叙事的节奏感。读完某个章节后，我感觉自己像刚刚走完一个马拉松，虽然终点到了，但过程中的风景似乎被那厚重的文字之墙遮挡住了大半，留下的更多是知识的积累，而非情感上的共鸣。

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我注意到，这本书的语言风格在不同的章节间似乎存在着微妙的不一致性，这或许是由于不同时间段作者研究重心的转移所致。早期的章节，比如对古希腊雕塑的描述，充满了浪漫的赞美和对“完美比例”的近乎膜拜的语气，用词华丽，充满对黄金分割的推崇。然而，到了文艺复兴中后期，尤其是对北方尼德兰画派的介绍时，笔锋一转，变得异常冷静、客观，甚至略带一丝疏离，专注于对细节的描摹和对世俗生活的捕捉。这种风格的切换，让整本书读起来像是一部拼接而成的作品集，缺乏一个统一的、贯穿始终的“叙事声调”。它更像是一系列独立研究报告的集合，而不是一部由同一位作者精心打磨的、具有一致审美立场的论述。对于我来说，这种起伏不定的阅读感受，使得建立起对“西方美术”的整体把握变得有些困难，因为作者本人似乎也在不同的美学体系间摇摆不定，没有一个明确的价值判断作为灯塔。

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这本书的深度，我认为更多体现在对不同地域、不同历史时期艺术品“归属权”和“风格起源”的考据上。它花了大量的笔墨去探讨“何为西方”，这种边界感在作者的笔下变得异常清晰和具有争议性。例如，关于拜占庭艺术对早期意大利雕塑影响的章节，作者引用了大量对比材料，从建筑的结构到人物的面部表情，都进行了细致的比对分析，仿佛一位细致入微的侦探。然而，这种强烈的地域性和历史限定性，使得我对现代艺术的理解几乎无从谈起。书中对战后艺术的讨论戛然而止，仿佛那之后的一切都变得不再“正统”或“值得深入探讨”了一样。这让我感到非常遗憾，作为一个生活在当代的读者，我更希望看到艺术史如何回应我们这个破碎、多元的时代。这本书提供了一份坚实的“过去”的地图，但对于通往“现在”的路标，却显得有些模糊不清，甚至是不屑一顾。它更像是一份为古典艺术爱好者准备的珍藏版工具书，而非一本面向大众的艺术普及读物。

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这本书的封面设计极具现代感，那种深邃的蓝色背景上点缀着几笔跳跃的亮黄色线条，初看之下还以为是本关于当代艺术的理论著作，或者是什么抽象表现主义的深度剖析。我带着一种期待，想看看它如何解构那些我们习以为常的经典，是否会提供一些颠覆性的视角。然而，当我翻开内页，首先映入眼帘的是关于文艺复兴早期佛罗伦萨画派的详细考据，那种严谨到近乎学术的笔法，让我立刻意识到，这并非我预期的那种轻松的艺术漫谈。作者对乔托和马萨乔的光影处理、透视法运用进行了极其细致的分析，甚至精确到了颜料的化学构成。读起来就像是在听一位资深策展人做导览，每一个段落都充满了对历史细节的尊重和对技法精湛的赞叹。它更像是一部编年史，忠实地记录了艺术风格的流变，而不是对“西方艺术”这一宏大命题进行批判性的审视。虽然内容扎实无可挑剔，但对于一个渴望看到更多个人见解和哲学思考的读者来说，这种近乎教科书式的叙事，着实让我感到有些沉闷，缺乏那种能让人拍案叫绝的“啊哈”时刻。

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阅读体验上，这本书的互动性几乎为零。它就像一个固执的老教授，站在讲台上，慷慨激昂地输出着他毕生所学，却从不向下方的听众投去询问的一瞥。每一个论点都以绝对的权威姿态呈现，几乎没有提出任何开放性的问题供读者思考。比如，在讨论早期基督教艺术的象征主义时，所有的符号都被明确地赋予了单一的、官方的解释，没有留下任何解读的余地。这使得阅读过程变成了一种单向的知识灌输。我期待能有一些关于艺术作品“如何被观看”的讨论，探讨不同时代的观众在面对同一幅画作时可能产生的心理差异，或者一些关于艺术赞助人如何影响创作主题的八卦分析，来调剂一下纯粹的史料堆砌。但这本书完全避开了这些“非学术”的层面，专注于作品的创作背景和技术细节。总而言之，它是一部极好的“备忘录”，但对于那些追求阅读乐趣和启发性的读者来说，它提供的是一座知识的堡垒，而不是一片可以自由漫步的花园。

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在B站听完了孙老师西方美术史的课，又重新温习了一遍史论，并且得到了不一样的收获～

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孙教授讲课很有魄力！

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