艺术概论

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出版者:湖北美术出版社
作者:陈晶
出品人:
页数:140
译者:
出版时间:2006-9
价格:28.00元
装帧:简裝本
isbn号码:9787539418919
丛书系列:
图书标签:
  • 教材
  • 艺术史
  • 艺术理论
  • 艺术欣赏
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具体描述

《艺术概论》是作者在教学和科研的基础上,经过几年酝酿和艰苦编写完成的。该书主要针对大学本、专科艺术专业学生,根据教学的实际需要,除了内容覆盖教学大纲的要求以外,在编写中也考虑到一定的针对性和实用性。教材分为上下两编,上编为艺术的基本原理,宏观把握艺术的概念、整体特征、功能等问题;下编为艺术形态,分门别类地阐述各门类艺术的特征。

《万物之形:从符号到意象的视觉探源》 一本深入剖析人类感知、符号构建与视觉文化演变的核心著作。 --- 导言:被观看的世界与被编码的意义 自人类学会用赭石在洞穴岩壁上描绘野牛的那一刻起,我们便踏上了一条永无止境的视觉表达之路。然而,我们所见的并非只是光线的反射,而是经过心智过滤、文化编码后的意义结构。《万物之形》并非对既定艺术流派的梳理,而是对“视觉如何成为我们理解世界的基础”这一根本问题的追问。本书将带领读者穿越时间与地域的界限,探究符号如何凝固为图像,意象如何承载意识,以及技术如何重塑我们的“观看之道”。 本书的视角是跨学科的,它汇集了符号学、现象学、认知心理学与技术史的洞察,旨在揭示艺术现象背后更深层次的认知机制和文化逻辑。我们将讨论的不是“什么是美”,而是“我们如何感知到美或不美”的内在机制。 --- 第一部分:感知的基础与原始的刻印(The Primal Imprint) 第一章:眼睛与大脑的协同机制 视觉的获取并非被动接收,而是主动构建的过程。本章深入探讨了人类视觉皮层的运作机制,分析了格式塔心理学中关于组织、分组和闭合的底层规律,这些规律如何塑造了我们对形状和结构的初始判断。我们将分析原始图像(如点、线、面)如何在大脑中被赋予基本的可识别性,并讨论感知中的“阈限”现象——即信息何时从无序噪音转化为有意义的图像。 第二章:从印记到图腾:符号学的原点 在语言出现之前,人类通过模仿和抽象来交流。本章聚焦于史前艺术中的图腾和符号的诞生。我们研究了“指代”(Representation)与“模仿”(Mimesis)的早期辩证关系。图腾如何从对特定动物的描绘,跃升为部落身份、力量或精神的抽象载体?我们探讨了早期符号(如手印、几何标记)的“魔力”——它们如何被认为具有超越图像本身的效力,成为连接物质世界与精神世界的媒介。 第三章:空间构建的地理学 古代文明对空间的表征方式充满了线索。本书不局限于欧洲透视法的研究,而是横向比较了古埃及的平面叠加法、玛雅文明的层级空间划分以及中国传统画论中的“三远”(高远、深远、平远)理论。核心议题在于:不同的文化如何通过不同的“空间语法”来组织其宇宙观?空间并非中立的背景,而是承载着权力结构和叙事重点的“编码场域”。 --- 第二部分:媒介的物质性与意义的流动(Materiality and Meaning Flux) 第四章:物质的哲学:媒介的内在叙事 媒介不仅仅是承载图像的工具,它本身就是意义的一部分。本章细致考察了不同物质——岩石、泥土、丝绸、纸张、颜料的化学构成——对图像最终含义的影响。例如,蛋清(Tempera)的颗粒感与油画(Oil Paint)的光泽感如何改变了叙事的情感温度?我们引入了“物质铭刻”的概念,论述媒介的耐久性、稀缺性和加工难度如何反作用于作品的价值判断。 第五章:光影的心理学与情绪的投射 光线和阴影是视觉艺术中最古老的情绪调节器。本章超越了简单的明暗对比技法,转而研究光线在不同文化中的象征意义——从基督教艺术中的“神圣之光”(Lux)到卡拉瓦乔作品中强烈的戏剧性聚光(Tenebrism)。我们分析了人眼对高对比度和渐变色调的生理反应,以及这些反应如何被艺术家系统性地利用,以诱发特定的心理状态,如敬畏、恐惧或宁静。 第六章:重复、变异与批量生产的挑战 随着技术的发展,图像的稀缺性被打破。本章聚焦于印刷术、版画的兴起,以及信息复制技术对原创性概念的冲击。我们探讨了早期版画如何成为知识传播和政治宣传的强大工具。重点分析了“系列”和“变体”的出现,它们如何使得观众开始关注作品的“过程”而非仅仅是“结果”,预示着后世对序列艺术的探索。 --- 第三部分:现代性的形变与观看的主体性(Modern Shifts and Subjectivity) 第七章:解构主义的目光:从客体到过程 19世纪末至20世纪初,焦点从“描绘什么”转向“如何描绘”。本章重点分析印象派和后印象派如何从记录外部现实转向记录主观的视觉体验和感知瞬间。我们深入解析塞尚对几何基本形的还原,以及立体主义如何系统性地拆解了文艺复兴以来建立的单点透视框架。这不仅是风格的转变,更是认识论上的根本性动摇——世界不再是固定的,而是由观察者主动重组的。 第八章:非再现的边界:抽象的认知回归 当具象描绘让位于纯粹的形状、颜色和线条时,视觉艺术进入了对自身构成要素的纯粹探索。本章研究了抽象艺术的兴起,它并非是对现实的逃避,而是一种对“视觉语汇”本身的极限测试。我们探讨了抽象作品如何绕过既有的文化联想,直接作用于观众的直觉和情感网络。这要求观众放弃寻找“像什么”,转而专注于“感觉如何”。 第九章:屏幕时代的视觉语言:信息流与感知负荷 步入当代,图像的生产与消费速度达到了前所未有的水平。本章分析了数字化媒介(摄影、电影、网络界面)如何重塑我们的注意力结构。屏幕的光源特性、像素的离散性以及信息流的超载,导致了新的“符号疲劳”。我们探讨了当代图像如何利用“饱和度”、“动态”和“瞬时性”来强行抓住注意力,以及这种信息洪流如何影响我们对深度叙事和永恒主题的理解能力。 --- 结语:未来的视觉拓扑学 《万物之形》最终指向一个开放性的未来:当我们持续地与增强现实(AR)、虚拟现实(VR)技术以及AI生成图像互动时,“观看”的定义将再次被颠覆。本书提供的是一套稳固的分析框架,用于解剖任何形式的视觉构建——无论它是古老的岩画,还是未来的算法输出。我们所探索的,始终是人类心智在无限的视觉可能性中,构建意义的坚韧而迷人的努力。

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目录信息

读后感

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《艺术概论》这本书,与其说是一本教科书,不如说是一把钥匙,它为我打开了通往艺术世界的大门,而且是那种极其精巧、古朴的钥匙,轻轻转动,便能解锁无数尘封的奥秘。在翻阅这本书之前,我对艺术的认知,就像一个未经打磨的钻石,零散、粗糙,只知道一些表面的璀璨,却无法触及它内在的深邃。这本书的出现,则为我提供了系统性的视角和深入的理论支撑,让我得以从宏观的层面理解艺术的起源、发展以及其在人类文明进程中的独特地位。我惊叹于作者如何将如此庞杂的艺术史料、各流派的理论体系以及不同文化背景下的艺术表现形式,梳理得如此清晰、有条理。不仅仅是罗列事实,更重要的是,它教会了我如何去“看”艺术,如何去“理解”艺术背后的意图和情感。例如,在谈到古典艺术时,作者并没有仅仅停留在对雕塑、绘画技法的描述,而是深入剖析了那个时代社会结构、哲学思想对艺术创作的影响,让我了解到为何那些看似冰冷的作品,却蕴含着如此炽热的人文关怀和对理想美的极致追求。再比如,在探讨现代艺术时,作者也并没有简单地将之视为对传统的颠覆,而是揭示了技术革新、社会变迁如何催生了新的艺术语言和表达方式,让我在面对抽象、观念化的作品时,不再感到无所适从,而是能够尝试去捕捉创作者的思想火花。这本书的文字充满魅力,既有学术的严谨,又不失文学的雅致,阅读过程本身就是一种美的享受。它让我明白,艺术并非遥不可及,而是深深根植于我们的生活,反映着我们的情感、思考和对世界的感知。

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《艺术概论》这本书,给我最大的感受是它的“全面性”和“系统性”。在阅读之前,我对艺术的了解,就像是零散的拼图碎片,缺乏整体的框架。这本书就像是那张关键的底图,将这些碎片一一归位,让我看到了艺术的全貌。作者的知识储备令人惊叹,他能够将不同时期、不同地域、不同门类的艺术知识融会贯通,并以一种清晰、逻辑严谨的方式呈现出来。我尤其喜欢书中关于“艺术与哲学”的探讨,它让我明白了艺术并非孤立存在,而是与人类的思维方式、价值观念紧密相连。例如,书中对古希腊哲学与古典艺术之间关系的分析,让我看到了理性精神如何塑造了艺术的比例、和谐和均衡。再比如,对存在主义哲学如何影响了现代抽象艺术的解读,也让我对那些看似难以理解的作品有了更深的体悟。这本书的价值在于,它不仅仅是知识的传递,更重要的是,它能够培养读者的批判性思维和独立思考能力,让我在面对艺术作品时,能够形成自己的判断和见解。

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《艺术概论》这本书,对于我这样的艺术初学者来说,无疑是一份非常宝贵的“启蒙读物”。在我阅读这本书之前,我对艺术的理解,就像是一个在黑暗中摸索的孩子,只能感受到一些模糊的轮廓,却无法真正看清事物的全貌。这本书就像一盏明灯,为我照亮了艺术的道路,让我能够以一种更清晰、更系统的方式来认识和理解艺术。作者的叙述风格非常严谨而又不失生动,它不仅提供了丰富的艺术史料和理论知识,更重要的是,它教会了我如何去“思考”艺术,“理解”艺术。我尤其喜欢书中关于“艺术的意义”的探讨,它让我明白,艺术不仅仅是为了追求形式上的美,更是为了传达思想、表达情感、反映社会现实。书中对不同历史时期艺术作品的解读,以及对艺术家创作意图的分析,都让我对艺术有了更深层次的认识。此外,书中对不同艺术流派的介绍,也让我对艺术的多样性有了更直观的感受。阅读这本书,我感觉自己像是完成了一次“艺术之旅”,它不仅拓展了我的知识视野,更重要的是,它培养了我对艺术的鉴赏能力和独立思考能力,让我能够以一种更成熟、更理性的态度去面对艺术。

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《艺术概论》这本书,对我来说,不仅仅是一次知识的积累,更是一次思维方式的重塑。在阅读之前,我总觉得艺术是某种精英式的、遥不可及的东西,而这本书则像一位和蔼的长者,耐心地向我展示了艺术如何与我们的生活息息相关,如何渗透到我们生活的方方面面。作者在书中对不同文化艺术的比较分析,尤其让我印象深刻。它让我意识到,艺术是全人类的共同财富,不同地域、不同文明的艺术形式,都以其独特的方式,表达着人类对美、对生命、对宇宙的理解。我特别喜欢书中关于“形式”与“内容”辩证关系的论述,以及如何理解艺术品的形式美背后所蕴含的深层意义。作者通过对大量经典艺术作品的剖析,揭示了艺术家如何在形式的约束和突破中,表达自己的思想和情感。这种对艺术创作过程的深入挖掘,让我对艺术家的工作有了更深的敬意,也让我对艺术作品的理解更加立体和深刻。阅读这本书,我感觉自己像是走进了一个巨大的艺术博物馆,每一件展品都有其独特的历史和故事,而这本书就是那位最了解这些展品的导览员,它不仅告诉我“这是什么”,更告诉我“它为什么是这样的”。

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坦白说,我最初是被《艺术概论》的书名所吸引,总觉得“概论”二字,暗示着一种全面而深入的视角,仿佛能一次性地解决我对艺术的种种困惑。而当我真正沉浸在这本书的海洋中时,我发现它远超我的预期。它不仅仅是关于“什么”是艺术,更重要的是关于“为什么”艺术如此重要,以及“如何”去欣赏艺术。作者的笔触细腻而富有洞察力,能够将抽象的艺术理论,通过生动的语言和恰当的例子,转化成易于理解的知识。我印象最深刻的是关于“风格”的论述,书中详细分析了不同历史时期、不同文化背景下艺术风格的演变,以及这些风格背后的社会、经济、宗教因素。这让我意识到,艺术风格并非凭空产生,而是时代精神和社会现实的凝结。比如,从中世纪宗教艺术的庄重肃穆,到文艺复兴时期对人体美和现实感的重新发现,再到巴洛克艺术的华丽张扬,每一个转变都与当时的社会思潮和技术发展息息相关。作者还特别强调了艺术的“功能性”,从祭祀、记录到娱乐、批判,艺术在不同时代扮演着不同的角色。这种对艺术多维度的解读,让我对艺术的理解不再局限于其审美层面,而是将其视为一种社会现象、一种文化载体。阅读这本书,就像是在与一位学识渊博的智者对话,他引导我一步步深入艺术的肌理,让我能够更深刻地体悟到艺术的价值和力量。

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一直以来,我对艺术的理解都停留在“好看”、“不好看”的直观感受层面,《艺术概论》这本书则彻底改变了我的看法。它不是一本让你成为艺术家,而是让你成为一个有品位、有见识的艺术欣赏者的指导手册。书中对于艺术史的梳理,并不是简单的编年体叙述,而是着重于各个时期艺术的“内在逻辑”和“发展脉络”。作者善于从社会背景、哲学思想、技术条件等多个维度,来解释艺术风格的形成和流变,让我明白了为什么在某个时代,会出现某种特定的艺术形式,以及这种形式又承载了怎样的时代精神。我尤其喜欢书中关于“具象”与“抽象”艺术的讨论,以及如何理解后印象派、立体派等现代艺术流派的突破性意义。作者并没有简单地将这些流派视为离经叛道,而是深入分析了它们在艺术语言上的创新,以及对传统审美观念的挑战。阅读过程中,我发现自己的思维方式也在悄然发生变化,开始学会从更深层次去探究艺术品的内涵,去理解艺术家创作背后的思考。这本书的价值,在于它提供了一种“工具”,让你能够更有效地去解读和品味艺术,不再是茫然地观看,而是带着思考和理解去感受。

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这本书《艺术概论》的阅读体验,可以用“启迪”来形容。在翻阅这本书之前,我对艺术的认知,就像是站在一片未知的森林边缘,知道里面有许多奇妙的事物,却不知道如何踏入,更不知道如何去探索。这本书则提供了一张详细而清晰的地图,它不仅指引了我进入艺术的殿堂,更重要的是,它教给了我如何在其中自由地漫步和探索。作者的叙述方式非常引人入胜,它并没有采用枯燥乏味的学术语言,而是用一种富有感染力的文字,将复杂的艺术理论娓娓道来。我尤其欣赏书中关于“艺术的演变”的论述,它不仅仅是罗列艺术家和作品,更是深入分析了各个时期艺术风格的形成原因,以及这些风格之间的内在联系。例如,书中对文艺复兴时期人文主义思潮如何影响绘画和雕塑的分析,让我对那个时代的艺术有了更深刻的理解。此外,作者对不同艺术媒介的介绍,也让我大开眼界,让我明白艺术的表现形式是多么的丰富多彩。阅读这本书,我感觉自己不仅增长了知识,更重要的是,它点燃了我对艺术的兴趣,让我开始主动去关注、去学习、去欣赏艺术。

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《艺术概论》这本书,对我来说,就像是打开了一扇通往新世界的大门。在阅读之前,我对于艺术的理解,还停留在一些零散的、表面的认知上,总是觉得艺术是一种高高在上、与我无关的东西。这本书的出现,则彻底颠覆了我的看法。作者以一种极具吸引力的笔触,将浩瀚的艺术史展现在我面前,并以一种系统而深入的方式,为我剖析了艺术的本质、发展以及其在人类文明中的重要作用。我尤其欣赏书中关于“艺术的语言”的论述,它让我明白了艺术家是如何运用色彩、线条、形状、声音等元素来表达自己的思想和情感的。书中对不同艺术媒介的介绍,以及它们之间如何相互影响、相互借鉴的分析,也让我大开眼界,让我对艺术的丰富性和多样性有了更深刻的认识。例如,书中对音乐与戏剧的结合,以及文学与绘画的互文性解读,都让我对艺术的跨界融合有了新的理解。阅读这本书,我感觉自己不仅仅是获取了知识,更重要的是,它激发了我对艺术的强烈兴趣,让我开始主动去探索、去学习、去感受艺术的美好。

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从一个完全的艺术门外汉的角度来看,《艺术概论》这本书,简直就是一场及时雨。在我开始阅读之前,我总是觉得艺术离我太远,那些画作、雕塑、音乐,对我来说都是神秘的符号,无法解读。这本书的出现,则像一个友善的向导,耐心地为我一一揭示了艺术的面纱。作者的叙述风格非常平易近人,它并没有使用过于专业的术语,而是用通俗易懂的语言,向我解释了艺术的基本概念、发展历程以及重要流派。我尤其喜欢书中关于“美的构成”的讨论,它让我明白,美不仅仅是外表的吸引力,更是一种内在的和谐与秩序。书中对不同文化背景下“美”的理解的比较,也让我大开眼界,让我意识到美的标准是如此多元和主观。此外,书中对一些著名艺术作品的深入剖析,也让我受益匪浅。作者不仅仅是描述作品本身,更是深入挖掘了作品的创作背景、艺术家的意图以及其在艺术史上的地位,让我对艺术作品有了更深层次的理解。阅读这本书,我感觉自己像是经历了一场艺术的“扫盲”,它让我从迷茫走向清晰,从疏远走向亲近。

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《艺术概论》这本书,给我的感觉是,它不是一本让你死记硬背知识点的书,而是一本引导你思考、培养你鉴赏能力的“入门”指南。它并没有直接告诉你“这个艺术家是谁”、“这幅画是什么流派”,而是从更根本的层面,探讨了艺术的本质、艺术的分类、艺术的语言以及艺术的社会意义。我尤其欣赏作者在处理不同艺术门类时的平衡感,无论是绘画、雕塑、建筑、音乐、文学,还是戏剧、电影,都得到了充分的关注和深入的剖析。书中对不同门类之间的联系与区别的探讨,也让我茅塞顿开,理解了跨媒介的艺术表现形式如何丰富了人类的表达。例如,在谈到音乐与绘画的关系时,作者引用了许多不同时代的例子,说明了音乐的节奏、旋律如何影响了绘画的构图、色彩,反之亦然。这种跨领域的融会贯通,让我的艺术认知更加立体和全面。同时,作者的叙述风格也非常人性化,在讨论到一些复杂的理论时,会辅以通俗易懂的比喻和实例,避免了枯燥乏味的学术说教。阅读这本书,我仿佛经历了一场艺术的“洗礼”,它不仅提升了我的知识储备,更重要的是,它塑造了我对艺术的独特感知方式,让我能够以更开放、更包容的心态去接纳和理解各种形式的艺术。

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