基本乐理与伴奏编配 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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页数:263

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出版时间:2006-6

价格:25.00元

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isbn号码:9787504554277

丛书系列:

图书标签:

• 乐理
• 伴奏
• 编配
• 音乐基础
• 和声
• 曲式
• 节奏
• 音阶
• 和弦
• 音乐教学

音乐的奥秘与实践：一部超越基础的作曲、编曲与演奏指南 图书名称： 音乐的奥秘与实践：一部超越基础的作曲、编曲与演奏指南 引言：从理论到创造的飞跃 本书旨在为所有对音乐创作、深入理解音乐结构以及提升演奏表现力抱有热忱的学习者，提供一条从扎实的理论认知迈向高级实践应用的清晰路径。我们深知，音乐不仅仅是音符的排列，更是一种情感的交流和复杂的结构艺术。因此，本书将避开对初学者而言可能过于冗余的入门级概念，直接聚焦于那些能让学习者真正掌握音乐“内在驱动力”的核心技艺与思维模式。我们相信，只有深刻理解了音乐的“为什么”和“如何实现”，才能真正自由地进行表达。 第一部分：和声的深度解析与色彩构建 本部分将深入探讨和声学的复杂维度，将和声视为色彩的调色盘，而非僵硬的规则集合。 第一章：高级和声功能与转调策略 本章着重剖析功能和声体系中那些最具表现力的元素。我们将不再满足于I、IV、V级的简单循环，而是深入探究代理和弦（Substitutions）在不同调式环境下的应用，如三级和弦的降七级替代（bVII7）在摇滚乐和爵士乐中的张力构建。 次属和弦的精妙运用： 重点讲解如何利用二级、三级和五级的次属和弦（Secondary Dominants）来精确导向目标和弦，从而实现平滑或戏剧性的调性色彩过渡。特别会分析如何使用带有九音、十一音和十三音的次属和弦，以增加和声的“穿透力”。 复杂功能和弦的解构： 详细阐述增六和弦（Augmented Sixth Chords）的种类（意大利式、法国式、德国式）及其在古典和浪漫主义音乐中的功能角色，并探讨它们在电影配乐中营造的悬疑或宏大氛围的现代应用。 调式互换与中性音响： 探讨不同调式（如弗里吉亚、利迪亚等）之间的相互借用（Modal Interchange）如何瞬间改变音乐的基调，以及如何在不明确转调的前提下，通过中性音响的和弦（如Neapolitan Chord，那不勒斯六和弦）创造出独特的听觉感受。 第二章：非功能性和声与现代色彩 本章超越了传统的大小调体系，探索那些赋予音乐现代、前卫或电影般质感的和声手法。 全音阶与八度音阶和声： 分析全音音阶（Whole-Tone Scale）在德彪西等印象派作曲家作品中的应用，以及如何利用其自身缺乏明确属音的特性来制造漂浮、不稳定的听感。八度音阶和声的结构特点及其在特定音乐流派中的效果。 集群音与音块理论： 引入亨利·考威尔和亨利·杜蒂埃的集群音（Tone Clusters）概念，探讨如何组织密集的音程来创造具有物理冲击力的音响，并将其应用于现代打击乐或前卫摇滚的编配中。 平行和声进行： 分析平行五度、八度（以及平行不协和音程）的合法性与表现力，特别是爵士乐中平行延伸和弦（Parallel Extended Chords）的进行方式，以及如何通过这种方式打破传统和声的束缚。 第二部分：旋律的结构、动机与人性化表达 旋律是音乐的灵魂。本部分专注于如何从无意识的音符堆砌，提升到有目的、有逻辑的音乐叙事。 第三章：动机发展与形式的内在逻辑 本章的核心在于如何将一个微小的音乐种子（动机）发展成宏大的音乐篇章。 动机的提炼与变体技术： 系统讲解移位（Transposition）、扩展（Augmentation）、缩减（Diminution）、倒影（Inversion）和逆行（Retrograde）等古典发展手法，并结合流行音乐中的“记忆点”打造，说明这些技术如何帮助构建连贯的音乐记忆。 对位法的精细雕琢： 介绍严格对位法的基本规则（如约束、自由对位）的应用场景，特别是如何利用两条或多条独立的旋律线，即使在和声结构复杂的情况下，依然保持清晰的线条感和逻辑关联。 节奏动机的独立性： 强调节奏型在音乐身份构建中的重要性，分析如何保持节奏动机不变，而仅改变音高（或反之），从而创造出既熟悉又新颖的音乐对比。 第四章：人声化旋律与情感曲线设计 本章关注旋律如何更有效地与听众产生共鸣，聚焦于演唱性和情感的传递。 音程的选择与张力释放： 分析大跳音程（如七度、九度）与级进音程的心理效应。如何策略性地安排高潮点（Apex）的音高和时机，确保其具有最大的情感冲击力，并设计有效的下行（Release）路径。 乐句的呼吸与停顿： 探讨“乐句”与“句子”的区别，如何运用休止符和非预期的重音来模仿人类语言的抑扬顿挫，使旋律听起来自然、有呼吸感，而非机械的音高序列。 第三部分：配器、音色设计与音乐场景构建 本部分将视野从“写什么音符”扩展到“用什么声音来表达”，是连接作曲与实际制作的关键环节。 第五章：管弦乐配器的高级技巧与效率 本章针对希望深入了解管弦乐编配的读者，提供超越标准乐器组合的方案。 木管乐器的音色融合： 探讨不同木管乐器（如双簧管、英国管、单簧管）在不同音域的交织技巧，如何利用它们音色的过渡性来平滑地连接和声色彩。 铜管乐器的动态层次： 分析圆号、小号、长号在不同力度下的实际响度差异，以及如何利用“弱奏圆号”与“强奏小号”的对比，构建宏大的动态范围，而非简单地将旋律平均分配给所有铜管。 弦乐的分组与纹理： 深入讲解分奏（Divisi）的艺术，如何通过增加弦乐组内部声部的细致划分来制造出丰满、细腻的音响纹理，而非仅是增加音量。 第六章：电子与合成器的音色设计与空间感 本章关注现代音乐制作中，如何创造出独一无二的声音世界。 合成器工作原理的实用化： 详细解析振荡器波形（锯齿波、方波、正弦波）对音色本质的影响，以及如何通过滤波器（Filter）的截止频率（Cutoff）和共振峰（Resonance）来塑造声音的“锐度”和“暖度”。 效果器的层次化应用： 区分混响（Reverb）与延迟（Delay）在创造空间深度中的不同角色。探讨如何使用调制效果（如颤音、镶边）来增加声音的动态变化，而非让声音始终保持静态。 节奏音色的选择与驱动力： 探讨鼓组（Drum Kit）中底鼓（Kick）和军鼓（Snare）的选择如何定义音乐的风格基调（如深沉的Sub Bass Kick对Techno的定义，或脆亮的Snare对Funk的定义），以及如何利用侧链压缩（Sidechain Compression）来增强整体的律动感。 第七章：编曲中的叙事结构与情感蓝图 本章将前述所有技术融汇贯通，探讨如何构建一首具有完整叙事弧线的音乐作品。 宏观结构设计： 摒弃传统的AABA或主歌-副歌结构，转而探讨奏鸣曲式、回旋曲式以及非线性叙事结构在现代音乐中的重构，关注引子（Intro）和尾声（Outro）如何作为情感的“框架”来限定主体内容。 能量管理与释放点： 分析如何通过音域、密度（同时发声的乐器数量）、节奏复杂性和和声紧张度这四个维度，系统地设计音乐的能量曲线。每一个副歌或高潮点都应是经过精心铺垫的能量释放，而非突兀的音量增加。 结语：超越指南，走向个人风格的建立 本书提供的不是一套食谱，而是一张通往无限可能性的地图。掌握这些高级技巧后，真正的挑战在于如何将它们内化，并以独特的方式将其投射到你的音乐创作中。我们鼓励读者将每一次练习都视为一次实验，不断打破既有的认知边界，最终形成不可替代的个人声音。

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