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☆☆☆☆☆

出版者:Polity Press

作者:Nick Stevenson

出品人:

页数:232

译者:

出版时间:2006-06-27

价格:USD 19.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780745629407

丛书系列:

图书标签:

• 几度绚丽的彩虹
• David
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• 摇滚
• 流行音乐
• 大卫·鲍伊
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《大卫·鲍伊》（David Bowie） 引言：星尘的轨迹，永恒的回响 在大卫·鲍伊（David Bowie）短暂而辉煌的生命中，他留给世界的，不仅仅是音乐，更是一种精神，一种不断探索、颠覆与重塑自我的艺术态度。他的名字，已经超越了音乐人的范畴，成为一个时代的符号，一个文化现象。这本《大卫·鲍伊》，并非一份陈腐的传记，亦非详尽的唱片目录，它试图以一种更为立体、深刻的视角，去捕捉这位“变革者”生命中最动人心魄的瞬间，解读他那如同星尘般璀璨却又瞬息万变的艺术轨迹，以及这些轨迹如何映射并影响了一个时代。 第一章：初升的启明星——伦敦的街头与梦想的种子 故事的起点，总是从那个孕育了无数传奇的伦敦。1947年1月8日，大卫·罗伯特·琼斯（David Robert Jones）降生在布里克斯顿的一个普通家庭。那个时代的伦敦，在战后的阴影中努力复苏，年轻的鲍伊，如同当时无数追逐梦想的少年一样，在摇滚乐的激荡浪潮中找到了灵魂的归宿。这个章节，我们将追溯他早年的成长环境，那些贫瘠却又充满活力的街区，以及早期的音乐启蒙——从爵士乐的即兴到早期摇滚的粗粝。鲍伊并非一夜成名，他曾组建过多个不起眼的乐队，在小酒馆里磨练技艺，这些早期的尝试，虽然鲜为人知，却为他日后艺术的丰满和成熟埋下了伏笔。我们会看到，一个年轻人的好奇心、对艺术的渴望，以及对传统规则的天然排斥，是如何在他心中悄然生根发芽的。 第二章：划破天际的闪电——《Space Oddity》的诞生与太空迷航 1969年，一个划时代的声音响彻寰宇——《Space Oddity》。这首歌曲，以其独特的旋律、迷人的歌词，以及对太空探索的浪漫想象，瞬间将大卫·鲍伊推向了公众的视野。这个章节，我们将深入解析这首歌曲的创作背景，以及它为何能够如此精准地捕捉到那个时代人们对未知的好奇与憧憬。鲍伊，借由“Major Tom”这个虚构的宇航员形象，完成了他第一次重要的艺术“变身”。从一个略显青涩的音乐人，蜕变为一个具有神秘色彩的太空吟游诗人。我们会探讨，鲍伊是如何通过音乐，构建起一个独特的宇宙观，以及这种“太空迷航”的主题，如何在他日后的作品中不断回响，成为他艺术DNA的重要组成部分。 第三章：仙女座的变幻——Ziggy Stardust与华丽摇滚的盛宴 进入20世纪70年代，大卫·鲍伊迎来了他艺术生涯中最具标志性的时期之一——Ziggy Stardust的诞生。1972年的专辑《The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars》，不仅仅是一张概念专辑，更是一场视觉与听觉的革命。Ziggy Stardust，一个来自外太空的摇滚巨星，以其令人目眩神迷的造型、大胆的性暗示以及对社会秩序的挑战，成为了华丽摇滚（Glam Rock）的图腾。这个章节，我们将详细剖析Ziggy Stardust的形象构建，鲍伊如何在舞台上与这个角色融为一体，以及华丽摇滚如何挑战当时保守的音乐和审美观念。我们会看到，鲍伊是如何通过“扮演”不同的角色，来探索人性、社会以及艺术本身的边界。Ziggy Stardust的出现，不仅影响了无数音乐人，更重要的是，它鼓励了人们在自我表达上突破束缚，勇于展现真实的、甚至是被压抑的自我。 第四章：灵魂的蜕变——《Young Americans》与灵魂乐的融合 Ziggy Stardust的陨落，并没有让鲍伊停下探索的脚步。70年代中期，他将目光投向了美国，并将他的音乐触角伸向了灵魂乐（Soul Music）。专辑《Young Americans》的诞生，标志着鲍伊一次深刻的音乐转向。这个章节，我们将深入探讨鲍伊是如何受到费城灵魂乐的影响，并将这种浓郁的黑人音乐风格融入到他自己的创作中。他塑造了一个新的形象——“The Thin White Duke”（瘦削的白公爵），一个更为内敛、成熟却又充满危险魅力的形象。我们会分析，《Young Americans》中的音乐元素，如放克的节奏、R&B的旋律，以及鲍伊标志性的嗓音在这其中的变化。更重要的是，我们会解读，鲍伊在这次“灵魂蜕变”中，所试图表达的关于美国社会、身份认同以及人性中的复杂性。 第五章：柏林三部曲——实验、内省与电子的探索 70年代末，对于大卫·鲍伊而言，是充满实验与自我追寻的时期。他选择流亡柏林，与布莱恩·伊诺（Brian Eno）合作，创作了被称为“柏林三部曲”的专辑：《Low》（1977）、《“Heroes”》（1977）和《Lodger》（1979）。这个章节，我们将聚焦于这一极具影响力的时期。在柏林，鲍伊沉浸在冷战的氛围、实验电子音乐以及艺术的先锋潮流中。我们会详细解析这三张专辑的音乐特点，从《Low》中工业化的音效和 ambient 音乐的尝试，到《“Heroes”》中对希望与绝望的深刻描绘，再到《Lodger》中对世界音乐的融合。我们会探讨，鲍伊是如何在音乐中注入更深的内省，以及他对电子音乐、合成器等新技术的运用，如何为后来的音乐发展开辟了新的道路。柏林三部曲，是鲍伊在艺术上的高难度挑战，也是他个人精神世界的深度探索。 第六章：回归主流与商业的巅峰——《Let's Dance》的狂潮 80年代，大卫·鲍伊以一种令人惊叹的方式回归主流，并取得了商业上的巨大成功。1983年的专辑《Let's Dance》，在尼尔·罗杰斯（Nile Rodgers）的制作下，以其朗朗上口的旋律、动感的节奏和充满活力的表演，征服了全球的听众。这个章节，我们将分析《Let's Dance》成功的秘诀。我们会探讨，鲍伊是如何在保持艺术个性的同时，创作出符合大众口味的音乐。我们会解读，这张专辑在当时流行音乐史上的地位，以及它如何让更多人认识并喜爱上大卫·鲍伊。同时，我们也会审视，在巨大的商业成功面前，鲍伊是如何处理个人艺术追求与市场需求之间的平衡。 第七章：反思与重塑——后商业时代的艺术探索 《Let's Dance》的成功，并没有让鲍伊沉醉于商业的辉煌。进入90年代及之后，他开始了一系列更为多元和个人化的艺术探索。这个章节，我们将回顾鲍伊在90年代和21世纪初的创作。我们会关注他与工业摇滚（Industrial Rock）、电子舞曲（Electronic Dance Music）等不同风格的融合，如Tin Machine乐队时期的尝试，以及《Outside》（1995）、《Earthling》（1997）等专辑的实验性。我们会探讨，鲍伊是如何在不断变化的世界中，保持对艺术的好奇心和创新精神，并继续挑战自我。 第八章：视觉的魔术师——Beyond Music的艺术边界 大卫·鲍伊的影响力，早已超越了音乐本身。他是一位杰出的视觉艺术家，对时尚、电影、戏剧和表演艺术都有着深远的影响。这个章节，我们将聚焦于鲍伊的视觉艺术成就。我们会回顾他那些令人难忘的舞台造型、音乐录影带的创意，以及他在电影《圣诞快乐，劳伦斯先生》中的表演。我们会分析，鲍伊是如何将音乐、表演、时尚融为一体，创造出独具个性的艺术形式。我们会探讨，他如何利用视觉语言来强化音乐的情感和主题，以及他的艺术创作如何影响了后世的时尚界和流行文化。 第九章：思想的碰撞——鲍伊的哲学与社会评论 在大卫·鲍伊看似迷幻的艺术表象之下，隐藏着他对社会、人性、身份认同以及存在主义问题的深刻思考。这个章节，我们将尝试解读鲍伊音乐中蕴含的哲学思想。我们会从他歌曲的歌词入手，分析他对社会不公、权力结构、消费主义以及个体在现代社会中的孤独感的描绘。我们会探讨，鲍伊如何通过艺术来质疑传统的价值观，鼓励人们独立思考，并拥抱多样性。他的作品，往往带有某种程度的批判性，却又总是以一种包容和理解的方式呈现。 第十章：星辰落幕，余音绕梁——永恒的遗产 2016年1月10日，大卫·鲍伊在他70岁生日前夕，带着未完成的艺术追求，悄然离开了人世。他的离去，让世界失去了一位伟大的艺术家，却留下了无数闪耀的星辰。这个章节，我们将回顾鲍伊的最后时刻，以及他最后的专辑《Blackstar》所蕴含的告别与超越。我们会探讨，大卫·鲍伊留给后世的艺术遗产。他的音乐，他的精神，以及他对自我不断重塑的勇气，将继续激励着一代又一代的艺术家和追求自由精神的人们。我们将总结，为何大卫·鲍伊的名字，能够成为永恒的传奇，他的星尘，将永远在艺术的宇宙中闪耀。 结语：一位永远的“艺术家” 《大卫·鲍伊》这本书，并非试图给这位复杂而多面的艺术家下一个最终的定义。恰恰相反，它希望通过呈现他生命中那些精彩的瞬间、深刻的探索和不懈的追求，去鼓励读者以自己的方式去理解和感受。大卫·鲍伊，是一个永远在路上的艺术家，他的作品，是他与世界对话的方式，是他对存在意义的追问。希望通过这本书，我们能够更深入地理解，为何这位“摇滚变色龙”能够跨越时代，成为一位真正意义上的，永远的“艺术家”。

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阅读这本书的过程，与其说是吸收知识，不如说是一场身临其境的声光电体验。作者在描述每一次现场表演或录音棚工作时的场景时，那种感官的调动是极其到位的。比如，某段描述乐队在地下排练室中，汗水、劣质啤酒和嘶吼声混杂在一起的画面，我几乎能闻到那种潮湿的霉味，听到鼓点穿透胸腔的震动感。文字的描述达到了“电影化”的极致，每一个场景都自带景深、光线和情绪饱和度。这让我回想起自己沉迷于某种音乐的鼎盛时期，那种被艺术完全吞噬、忘却周遭世界的感觉，书中的文字精准地唤醒了这些沉睡已久的记忆碎片。它成功地将一种纯粹的听觉艺术，转化为了可以被触摸、被观看的文字景观，这份转译的功力，实在令人叹服。

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坦白讲，我一开始有些担心这本书会过于学术化或过于追捧，导致内容失焦。但出乎意料的是，作者找到了一种非常平衡的叙事腔调——既保持了专业研究者的严谨性，又保留了一个资深乐迷最真挚的热情。它既有对早期音乐理论影响源流的细致考证，也有对某张专辑中某个和弦进行突然变化的敏锐捕捉。这种兼顾“宏大叙事”与“微观细节”的能力，使得这本书不仅能满足对领域有深入了解的行家，也能让初次接触的读者轻松入门。书中没有冗长晦涩的术语堆砌，即便是相对专业的乐理分析，作者也总能用极其生动形象的比喻加以解释，使得那些复杂的音乐结构变得清晰可解。这本厚重的著作，读起来却丝毫不觉拖沓，反而让人依依不舍，生怕错过任何一个细微的注脚，因为你知道，每一个注脚都可能隐藏着一个全新的发现。

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这本书的装帧设计简直是视觉的盛宴，那种厚重的纸张，带着微微的哑光质感，拿在手里就有一种沉甸甸的历史感。封面那张照片，光影的处理极其考究，把人物的神韵抓得恰到好处，让人在翻开扉页之前，就已经被一种强烈的艺术气息所包裹。我尤其欣赏它在排版上的匠心独运，字体选择复古而又现代，行距和字间距的把握拿捏得恰到好处，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到疲劳。装帧侧边的切口处理得非常干净利落，甚至能闻到一种淡淡的油墨和纸张混合的独特气味，这对于一个热爱实体书的读者来说，简直是一种无可替代的享受。随书附赠的几张复刻照片卡片，质地也十分精良，仿佛能触摸到那个黄金时代的印记。这本书的实体感，远超出了“阅读材料”的范畴，更像是一件精心制作的艺术品，值得被郑重地收藏和摆放在书架最显眼的位置，让每一次目光的触及都能带来愉悦。这种对物质载体的极致尊重，本身就是对内容的一种无声的致敬。

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我是在一个非常偶然的契机下接触到这本书的，起初我对它并没有抱有太高的期望值，毕竟市面上探讨这类主题的作品已经汗牛充栋，很难再有什么新的角度能真正触动人心。然而，这本书的叙事结构却展现出一种令人惊叹的流畅与跳跃感。它并非采用传统的线性时间轴来铺陈，而是像一位技艺高超的DJ，将不同时期的碎片、访谈摘录、甚至是舞台剧本的残章，巧妙地混音剪辑在一起。这种非线性的叙事，极大地增强了阅读的参与感和探索欲，你必须主动地去填补那些留白，去连接那些看似不相关的点。我常常读到一半，不得不停下来，在脑海中重构刚刚读到的信息，那种“啊哈！”的顿悟时刻，是阅读体验中最为迷人的部分。作者的笔触看似漫不经心，实则充满了对信息节奏的精准控制，让故事始终保持着一种扑朔迷离的张力，而非枯燥的流水账记录。

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这本书中最让我心神震颤的，是它对“身份构建与解构”这一主题的深刻挖掘。它没有将那个人物简单地脸谱化，而是深入探讨了在聚光灯下，艺术与自我之间的那种永恒的拉锯战。书中大量引用的幕后花絮和私人信件，揭示了那些在公众面前光芒万丈的表演背后，隐藏着的脆弱、焦虑与不懈的自我审视。我仿佛能透过文字，看到艺术家如何用一层又一层的戏剧外壳来保护内心最柔软的部分，又如何利用这些外壳去探索人类情感的边界。特别是关于几次关键的形象转型期的心理分析，写得极其细腻，没有一味地美化，而是坦诚地展示了每一次蜕变所付出的巨大心力与情感代价。这种对人性复杂性的洞察，让这本书超越了一般的传记范畴，上升到了对“何为人”这一哲学命题的探讨。

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