具体描述
《影视技术概论》(修订版)作者李念芦，女，北京电影学院教授，浙江传媒学院特聘教授。有译著《电影摄影与照明设备》和《影视制作者指南》，著作《影视技术概论》(1998)，担任《中国电影专业史研究。电影技术卷》的主要撰写人，并参与《数字时代的影像制作》和《现代影视技术词典》的撰稿。
作者简介
李念芦，女，北京电影学院教授，浙江传媒学院特聘教授。
1937年生于西安，1960年毕业于天津大学机械系。后即到北京电影学院工程系任教，1973～1985年间先后在八七五电影洗印场和中国电影科学技术研究所工作，1985年返回电影学院任教至今。现任学院“影视技术概论”课程的主讲教师、电影技术类硕士生导师，曾任中国电影电视技术学会理事。在工厂和研究所工作期间，曾参与和领导过多项技术改造和科学技术研究课题，其中“超8mm影片制作工艺与设备”研究和“窄胶片制作工艺的择优选择”两课题的成果曾分别获文化部科技进步二等奖和三等奖。曾在各种刊物上发表论文和文章，如《影视复合性人才培养的紧迫性》、《数字环境下的电影制作和放映》等。有译著《电影摄影与照明设备》和《影视制作者指南》，著作《影视技术概论》(1998)，担任《中国电影专业史研究。电影技术卷》的主要撰写人，并参与《数字时代的影像制作》和《现代影视技术词典》的撰稿。
目录信息
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读后感
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用户评价
这本书的出现，简直是为我这样一个对电影拍摄过程充满好奇心的“技术宅”量身打造的。我一直以来都对电影拍摄现场的各种复杂设备和流程感到神秘，而这本书就像一个详尽的操作手册，为我一一揭开了这些谜团。书中详细地介绍了“摄影机的类型和规格”，以及它们在不同场景下的选择和运用。我尤其对“运镜手法”的讲解印象深刻，无论是稳定的推拉镜头，还是充满动感的摇臂镜头，每一种运镜都有其独特的视觉效果和叙事功能。书里还提到了“稳定器”和“斯坦尼康”的应用，它们如何帮助摄影师克服手持拍摄的抖动，从而获得更加平滑流畅的画面。我还学会了理解“焦点控制”的重要性，如何通过精确地调整焦点，来引导观众的视线，突出画面的重点。书中还列举了大量的实际拍摄案例，分析了它们是如何运用各种技术来达到预期的视觉效果。我明白了，电影的拍摄不仅仅是拿起摄影机进行记录，更是一个充满技术挑战和艺术创意的过程，每一个镜头，都是摄影团队精心策划和执行的结果。这本书让我对电影的“现场感”有了更深的体会，原来那些逼真的画面，背后是无数技术人员在努力工作，他们用专业的知识和技能，为我们呈现了精彩的视觉盛宴。
评分这本书对于我这种一直以来对电影剪辑这个概念感到模糊的观众来说，简直是一次醍醐灌顶的体验。我一直认为剪辑就是把片段剪在一起，但这本书却让我看到了它背后深厚的艺术和技术含量。书中详细地阐述了“叙事剪辑”的原则，如何通过画面的切换和连接，来讲述一个故事，引导观众的思考，甚至制造悬念。我尤其对“蒙太奇”的讲解印象深刻，它不仅是一种剪辑技巧，更是一种思维方式，通过快速的画面组合，来传达复杂的情感和意义，例如《洛奇》中经典的训练片段，就是通过一系列的蒙太奇镜头，展现了主角的成长和决心。书里还提到了“节奏感”的重要性，如何通过不同时长和频率的剪辑，来控制观众的情绪，时而紧张，时而舒缓。我明白了，一个好的剪辑师，就像一位优秀的指挥家，能够用画面和时间来谱写电影的旋律。书中甚至还介绍了不同类型的剪辑，例如“跳切”在某些风格化影片中的运用，以及“交叉剪辑”如何制造出同时发生的事件带来的紧张感。这本书让我对电影的“时空”有了全新的理解，原来在看似连续的画面背后，隐藏着无数次的“断裂”和“连接”，而正是这些巧妙的连接，构成了电影的灵魂。我开始主动去分析我看过的电影的剪辑方式，试图从中找出规律和亮点。
评分当我翻开这本书的关于“声音设计”的部分时，我才真正意识到，原来电影不仅仅是用眼睛去看的，更是需要用心去听的。我一直以为声音只是背景音乐或者对话的衬托，但这本书却让我看到了声音在塑造电影情绪、推动剧情发展方面的巨大能量。书中详细介绍了“声音的层次感”，如何通过不同的音效来构建一个逼真的环境，比如雨滴落在不同材质上的声音，或是远处传来的风声，这些细节都让观众更加沉浸在电影的世界里。我还学会了理解“音效剪辑”的重要性，它不仅仅是简单的声音素材的堆砌，更是通过精妙的剪辑和混音，来营造出戏剧性的张力，例如一次突如其来的巨响，或者一段渐弱的背景音乐，都能在瞬间抓住观众的情绪。书中还提到了“拟音”的艺术，那些动物的叫声、脚步声，甚至是细微的呼吸声，很多都是由专业人员通过各种道具和技巧模仿出来的，这让我对那些幕后默默付出的声音艺术家们充满了敬意。我开始更加留意电影中的声音细节，那些环境音、动作音，甚至是沉默本身，都传递着丰富的信息。这本书让我明白了，声音是连接观众情感的另一条重要纽带，它能够直接触及观众的内心，唤醒他们深层的感受。我甚至开始在生活中，尝试去聆听那些被忽略的声音，去感受它们所带来的不同意境。
评分当我拿到这本书，尤其是看到关于“电影的叙事结构”那部分时，我感觉自己就像一个突然被授予了一张地图的探险家。我一直以来都是被动地接受电影传递给我的信息，但这本书却给了我一个框架，一个理解故事是如何被构建、如何一步步吸引我的工具。书中详细地介绍了“三幕式结构”，从开端、发展到结局，每一个环节在推动剧情发展中的作用，以及如何设置“冲突”和“转折”来保持观众的兴趣。我尤其对“人物弧光”的讲解感到着迷，它不仅仅是主角经历了一番冒险，更是主角在整个过程中所经历的心理变化和成长，这种内在的转变，才是最打动人心的。书里还提到了“情节线”和“副情节线”的运用，如何通过多条线索的交织，来丰富故事的层次，让人物关系更加立体。我还学会了理解“时间线”的运用，比如“倒叙”和“插叙”如何能够制造出悬念，或者提供更多的背景信息。这本书让我明白，一个引人入胜的故事，不仅仅是情节的堆砌，更是对观众心理的精准把握和引导。它让我开始思考，为什么有些电影我一看就停不下来，而有些则让我昏昏欲睡，原来这背后有着如此多的叙事技巧在支撑。我甚至开始尝试着去构思自己的故事，运用书中学到的原理，去构建一个完整的情节。
评分这本书的出现，简直是为我这样从小就沉迷于各种特效和视觉奇观的观众量身定做的。我一直很好奇，那些在银幕上飞天遁地的超级英雄，那些令人惊叹的数字世界，究竟是如何在技术层面实现的。这本书就像一个秘密宝库，一点点揭开了那些神秘的面纱。从最早的定格动画，到如今令人叹为观止的CGI技术，书中的每一个章节都让我大开眼界。特别是关于“动态捕捉”的描述，它详细解释了如何通过传感器捕捉演员的动作，然后将其转化为数字模型，这让我对《阿凡达》中那些逼真的潘多拉生物产生了新的认识。书里还提到了“绿幕技术”的应用，不仅仅是简单的抠像，更包含了复杂的灯光布置和后期合成，以确保人物与虚拟背景能够无缝衔接。我最着迷的部分是关于“概念设计”的环节，它展示了艺术家们如何从零开始，通过绘画和建模，创造出电影中的各种场景、道具和生物，这是一个充满想象力和创造力的过程。这本书让我明白了，每一个令人惊叹的视觉效果背后，都凝聚了无数技术人员和艺术家的心血。它不仅仅是关于技术，更是关于如何运用技术去实现艺术家的想象。我甚至开始尝试用一些简单的软件，模仿书中的一些方法，虽然结果不尽如人意，但这过程本身就充满了乐趣。我感觉自己仿佛也加入到了那个充满创造力的团队中，体验着将奇思妙想变为现实的魅力。
评分这本书，我拿到手的时候，就被它沉甸甸的厚度给震撼到了，感觉就像捧着一本百科全书，里面一定藏着无数的宝藏。翻开第一页，我就被那精美的排版和清晰的字体吸引了，每一个字都仿佛带着一种专业的力量，预示着即将开启一段精彩的探索之旅。我一直对电影的幕后制作充满好奇，那些光影交错、情节跌宕的故事是如何被创造出来的？这本书从最基础的摄影器材讲起，细致地描述了不同焦距镜头对画面构图的影响，以及光线在营造氛围中的关键作用。我尤其对书中关于“景深”的讲解印象深刻，它用生动的比喻解释了如何通过调整光圈和焦距来突出主体，虚化背景，从而引导观众的视线。这让我开始重新审视我平时观看的电影，原来那些看似不经意的构图背后，蕴含着如此多的艺术和技术考量。我还学会了理解“白平衡”的重要性，它不仅仅是让色彩看起来真实，更是艺术家们用来传递情绪和信息的一种手段。这本书没有回避那些略显枯燥的技术术语，而是用一种非常易懂的方式进行了阐释，甚至还穿插了一些历史故事，比如早期电影是如何克服技术限制来实现运动画面的，这让我对电影的每一次技术革新都充满了敬畏。我迫不及待地想去实践，哪怕是用手机，也能尝试着去运用这些知识，去捕捉生活中的那些“电影感”瞬间。这不仅仅是一本书，更像是一扇门，为我打开了一个全新的视觉世界，让我看到了无数的可能性，期待着通过这些技术，将脑海中的故事具象化。
评分这本书在我手中，就像一本打开的通往未知世界的地图，每一页都充满了新的发现。我一直以来都对电影的“美术指导”这个角色感到好奇，他们是如何将导演的想象转化为具体的场景和道具的？这本书详细地解释了这个过程，从早期的手工布景，到如今运用电脑软件进行三维建模，美术指导们的工作贯穿了电影的每一个角落。书中特别强调了“场景设计”的重要性，它不仅仅是背景的搭建，更是与故事、人物和情绪紧密相连的，一个好的场景设计，能够瞬间将观众带入到特定的时代和环境中。我尤其对“道具设计”的部分印象深刻，那些在电影中闪过的每一个道具，都可能承载着特殊的意义，它们可能是人物身份的象征，也可能是推动剧情的关键。书中还提到了“服装设计”对人物塑造的影响，一件剪裁合体的西装，一条随风飘动的连衣裙，都能够立刻展现出角色的性格和气质。我明白了，电影的美术设计是一个庞大而细致的系统工程，它需要艺术家的创意、技术人员的执行，以及对历史和文化的深刻理解。这本书让我看到了电影视觉呈现的背后，是一个充满想象力和执行力的团队在默默付出，他们用色彩、线条和材质，为我们构建了一个个令人难忘的电影世界。
评分拿到这本书，尤其是在读到关于“灯光在电影中的运用”的那几章时，我才真正意识到，原来我们看到的每一个画面，都是经过精心设计的“光影艺术”。我之前一直以为灯光只是为了让画面亮一点，但这本书却让我看到了它背后所蕴含的深刻含义。书中详细地介绍了“三点布光法”，如何通过主光、辅光和轮廓光来塑造人物的立体感和空间感，让画面看起来更加真实而有层次。我尤其对“阴影”在电影中的作用印象深刻，它不仅仅是黑暗的区域，更是用来营造情绪、隐藏信息、突出人物内心状态的强大工具。书中还提到了“冷暖色调”在灯光设计中的运用，例如冷色调的灯光往往带来疏离感和神秘感，而暖色调则能传递温暖和亲切。我明白了，那些看似随意的灯光，实际上都是经过精心计算和布置的，它们在潜移默化地影响着观众的情绪和对角色的认知。书中还举了很多经典电影的例子，分析了它们是如何运用灯光来烘托气氛，例如黑色电影中大量的阴影和对比，就成功地营造出了一种压抑和危险的氛围。这本书让我对“视觉语言”有了更深层次的理解，原来光线本身就是一种叙事的方式，它能够讲述一个无声的故事。我开始在生活中，更加留意身边光线的变化，去感受它们如何影响着我的心情和对事物的感知。
评分当我翻开这本书，特别是关于“电影的后期制作”那部分时，我才真正意识到，原来电影的生命，并不仅仅是在拍摄现场完成的，而是在后期剪辑、调色、混音等一系列复杂而精妙的流程中得以升华。我之前一直以为后期制作就是把拍好的素材简单的拼凑一下，但这本书却让我看到了它背后所蕴含的庞大而精密的工业体系。书中详细地介绍了“非线性剪辑”的优势，以及如何通过强大的剪辑软件，实现快速高效的素材管理和剪辑。我尤其对“数字调色”的部分印象深刻，它不仅仅是调整画面的亮度和对比度，更是一种艺术化的再创作，通过色彩的运用，来烘托电影的情绪，甚至改变观众对画面的感知。书里还提到了“声音后期处理”，包括音效的添加、混音的平衡，以及如何通过声音来营造空间感和氛围感。我还学会了理解“视觉特效”（VFX）的制作流程，从模型创建、动画制作，到最终的合成，每一步都充满了技术挑战和艺术想象。书中还举了很多经典电影的后期制作案例，分析了它们是如何通过后期技术的运用，将一个普通的故事，打造成一部令人惊叹的艺术品。这本书让我明白了，电影的魅力，离不开后期制作人员的精雕细琢，他们用技术和艺术，为我们呈现了一个个精彩绝伦的视觉世界，让我对电影的每一个细节都充满了感激和敬意。
评分翻开这本书，特别是关于“电影的表演技巧”那部分，我感觉就像走进了一个演员的内心世界，看到了那些光鲜亮丽的表演背后，是多么深刻的思考和准备。我一直以来都觉得演员演得好不好，就是看他们是否投入情感，但这本书却让我看到了表演的科学性和艺术性。书中详细地介绍了“斯坦尼斯拉夫斯基表演体系”，以及如何通过“体验派”和“表现派”等不同的方法，来塑造鲜活的角色。我尤其对“人物小传”的构思感到着迷，演员需要深入了解角色的背景、性格、动机，甚至是如何思考和感受，才能真正地“成为”那个角色。书里还提到了“形体表演”的重要性，演员的每一个眼神、每一个手势，都可能蕴含着丰富的信息，能够与观众进行无声的交流。我还学会了理解“即兴表演”的魅力，如何在预设的情境中， spontaneouy地做出反应，从而让表演更加真实和富有生命力。书中还分析了一些经典角色的塑造过程，例如如何通过微小的表情变化，来展现人物内心的巨大波澜。这本书让我对演员这个职业有了全新的认识，他们不仅仅是台词的传达者，更是情感的传递者，是能够通过自身的艺术，触动观众心灵的灵魂塑造者。我开始更加留意演员的表演细节，去体会他们是如何通过细微之处，来展现人物的复杂性和深度。
评分膠片尚未落後，傳統電影已死。
评分都看不懂……
评分膠片尚未落後，傳統電影已死。
评分技术性解读电影，开始不止关注剧情
评分也来凑个热闹
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