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出版者:天津人民出版社

作者:张燕 校订、注释、编著

出品人:

页数:439

译者:

出版时间:2003-2-1

价格:35.00元

装帧:精装

isbn号码:9787720104270

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
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《中国古代艺术论著研究》一书，旨在深入探索中国古代艺术理论的源流、发展脉络及其核心思想。本书并非一本简单的艺术品鉴赏手册，而是聚焦于那些形塑了中国艺术精神、指导了中国艺术家创作实践的理论文献。通过对历代艺术论著的梳理与解读，本书力图揭示中国古代艺术家和理论家如何理解美、认识艺术的本质、确立艺术的价值以及建构一套独特的艺术评价体系。 本书的研究对象广泛，涵盖了从先秦诸子到明清时期，众多具有代表性的艺术理论家及其著作。我们将首先考察中国艺术理论的早期萌芽，如《周礼》、《考工记》中蕴含的关于器物制作的原则和审美观念，以及《诗经》等早期文学作品中对自然美与情感表达的朴素论述。 随后，本书将重点分析魏晋南北朝时期艺术理论的成熟与深化。曹操、王粲等人的诗文论说，以及陆机的《文赋》、刘勰的《文心雕龙》等，不仅为文学评论树立了典范，更在论述中触及了艺术创作的“神思”、“意境”、“气韵”等重要概念，为后世艺术理论的发展奠定了基础。特别是《文心雕龙》，其对文章创作的“文心”与“雕龙”的精辟剖析，实际上是探讨了艺术家内心世界与作品外在形式的辩证关系，具有极高的理论价值。 唐代是中国艺术繁荣的时期，也是艺术理论蓬勃发展的关键阶段。韩愈、柳宗元等古文运动的倡导者，在复兴古道的同时，也强调文章的“文以载道”，将道德教化与艺术创作紧密联系。而以张彦远的《历代名画记》为代表的绘画理论，则开创了以史料为基础，对历代画家及其作品进行系统梳理和评价的先河。张彦远提出的“运墨五色”、“骨法用笔”、“应物象形”等原则，至今仍是中国画创作的重要指导。此外，本书还会涉及与诗歌、音乐、书法等艺术门类相关的论述，如杜甫的诗论，以及对书法“尚意”、“尚韵”的早期探讨。 宋代是中国哲学、美学思想的集大成时期，艺术理论也达到了一个新的高度。苏轼的“论书”、“论画”提倡“以意匠经营”、“以书画为酒食”，强调艺术的自由与情趣。他的“诗中有画，画中有诗”的论断，深刻揭示了诗画之间的相互渗透与融合。米芾及其子米友仁父子的“米点山水”，不仅是一种绘画风格的创新，也体现了对绘画“写意”精神的进一步探索。本书还会考察宋代理学对艺术的影响，如程颐、朱熹等对“天理”与“人情”在艺术中的表达的思考。 元代艺术在民族融合的背景下展现出独特的风貌。赵孟頫在其书画实践中，倡导“古意”，强调笔墨的功力与格调。他的理论不仅对后世绘画产生了深远影响，也推动了书法艺术的复兴。本书还将探讨黄公山房、柯九思等元代文人在艺术理论上的贡献，他们对文人画的内涵与精神进行了进一步阐释。 明代艺术理论呈现出更加多元化的发展趋势。董其昌作为明末重要的书画理论家，其《画禅室随笔》中的“南北宗论”和“墨分五色”等理论，对后世中国画的发展产生了革命性的影响。他将山水画分为南北两宗，强调文人画的笔墨趣味和精神意象。同时，本书也会关注如王肯堂、唐志契等在戏曲、园林艺术等领域产生的论著，展现不同艺术门类的理论探索。 清代艺术理论的研究是本书的另一个重要组成部分。刘熙载的《艺概》是清代艺术理论的集大成者，他以“气、韵、声、色、形、神”等概念为线索，系统地阐述了诗、文、书、画、戏曲等多个艺术门类的内在规律和审美特征。他的“以乐景写乐情”、“以情景合而观之”等论断，对理解中国艺术的相通性与整体性具有重要意义。此外，本书还会涉及如方薰集的《山静居画论》、王翚的画学理论等，这些都为我们理解清代艺术的演变提供了丰富的视角。 在梳理这些理论的同时，本书还将关注不同时代艺术理论所处的社会文化语境。例如，儒家思想对艺术的“载道”功能的影响，道家“自然无为”思想对艺术“写意”精神的启发，以及佛教禅宗对艺术“空寂”、“本心”的强调，都与中国古代艺术理论的形成和发展息息相关。 本书的另一个重要层面在于探讨中国古代艺术理论中的核心概念，如“气韵生动”、“得意忘形”、“笔墨情趣”、“意境”、“神似”等。这些概念并非孤立存在，而是相互关联、相互补充，共同构成了中国古代艺术批评的独特话语体系。本书将尝试通过对这些概念在不同论著中的具体运用和解读，来揭示其深层含义和演变过程。 总而言之，《中国古代艺术论著研究》致力于为读者呈现一部全面、深入的中国古代艺术理论史。它不仅是对古代艺术思想的梳理与呈现，更是对中华民族独特艺术精神的探寻与解读。通过本书，读者可以更深刻地理解中国古代艺术家是如何通过理论的智慧，来观照世界、表达情感、创造美的。

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这本书的语言风格颇具古韵，读起来有一种沉静而悠远的体验。它并没有刻意追求通俗易懂，而是保留了学术研究的严谨和深度，但同时又不像一些枯燥的学术论文那样让人望而却步。我特别喜欢书中对于一些经典艺术论著的细致解读，作者不仅仅是引用原文，还会对其进行深入的阐释和分析，帮助读者理解古人所处的时代背景和思想观念。比如，对于《画品》中“六品”的分析，我通过这本书才真正理解了这些品评标准所蕴含的深层意义，以及它们如何影响了后世的绘画创作。书中对不同论著之间相互借鉴、相互批判的梳理，也让我看到了中国古代艺术理论发展的生动过程。这是一种“拨开迷雾见月明”的阅读感受，让我对那些耳熟能详的艺术大师和作品，有了更深一层的理解和敬意。

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坦白说，一开始翻开这本书，我有点担心会过于理论化，难以消化。但事实证明，我的顾虑是多余的。作者在书中巧妙地将理论与实践相结合，通过对具体艺术作品的论述，来印证和说明那些抽象的艺术理论。我特别欣赏书中对一些绘画作品的分析，作者会引用古人的论述，来解释作品的构图、笔墨，甚至作者当时的心境。这让我在欣赏这些艺术品时，不再只是“看个热闹”，而是能够体会到其中更深层次的艺术内涵。比如，在讲解一幅山水画时，作者会引述某位理论家关于“点景”的论述，说明画家为何在此处点上一叶扁舟，或者为何在此处安排一位远游的行人。这种将理论“落地”的处理方式，让这本书的可读性大大增强，也让我对中国古代艺术的理解更加具体和生动。

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这本书的视角非常独特，它没有从视觉的直观感受出发，而是从艺术理论的源头来剖析。我之前接触的艺术史读物，大多侧重于作品的风格演变、流派划分，或者艺术家个人的创造力。但《中国古代艺术论著研究》却将我引向了一个更深层次的维度——那些指导创作的“法则”和“思想”。它让我明白，中国古代艺术并非凭空产生，而是根植于一套完整的哲学体系和审美观念之中。书中对“神似”与“形似”的辩证分析，对“笔墨”作为独立语言的探讨，都让我对书法和绘画有了全新的认识。我之前以为书法只是写字好看，但看了这本书才知道，原来其中蕴含着如此多的对精神、情性的表达。同样，山水画也远不止是风景的描摹，而是画家内心世界的投射。作者对不同时代论著的比较和梳理，揭示了这些理论在历史发展中的演变和影响，这种纵深的研究方式，让我对中国古代艺术的理解不再是零散的片段，而是形成了一个更为系统和完整的知识框架。

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这本书真是让我大开眼界，虽然我本身对中国古代艺术的了解仅限于一些皮毛，但阅读《中国古代艺术论著研究》的过程，无疑是一次知识的深度挖掘。它不仅仅是罗列艺术品的图片或者介绍几个艺术家的生平，而是深入到那些指导和影响了中国古代艺术创作的理论体系之中。我尤其被书中对“意境”和“气韵生动”的探讨所吸引，这些概念在西方艺术理论中很难找到完全对应的词汇，却又深刻地影响着我们对山水画、书法乃至瓷器等艺术品的审美判断。作者引用的文献，无论是《载艺录》还是《历代名画记》，都显得非常扎实，仿佛能听到古人关于艺术的争鸣和思考。在阅读过程中，我时常会停下来，想象一下当时的文人墨客是如何在窗前挥毫，或者匠人在窑炉旁静心烧制，那种跨越时空的对话感油然而生。这本书就像一位博学的向导，带领我穿越历史的长河，去理解那些流传千古的艺术作品背后所蕴含的哲学思辨和文化精神。即使是那些晦涩的术语，在作者的梳理和阐释下，也变得清晰可辨，让我这个非专业人士也能窥见中国古代艺术思想的博大精深。

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这本书最大的亮点在于其深刻的洞察力，它不仅仅是对艺术论著的简单梳理，更是对中国古代艺术精神的深度挖掘。作者通过解读那些晦涩的文字，揭示了中国古代艺术家和理论家们对于“道”与“艺”的理解，以及他们如何将哲学思想融入到艺术创作之中。我受益于书中对“天人合一”、“象外之意”等概念的阐释，这让我明白，中国古代艺术追求的并非是纯粹的物质再现，而是更高层次的精神境界的表达。这种对艺术本体的深刻思考，让我在看待当今的艺术时，也产生了一些新的启发。我意识到，艺术的价值，不仅仅在于其形式的美感，更在于它所承载的思想和文化。这本书让我对中国古代艺术的认识，上升到了一个全新的高度，它不仅仅是一本关于艺术的书，更是一本关于中国文化和哲学智慧的书。

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