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出版者:中国电影出版社

作者:许南明

出品人:

页数:562

译者:

出版时间:2005-12

价格:68.00元

装帧:精裝本

isbn号码:9787106023171

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《电影艺术词典》 《电影艺术词典》是一本为广大电影爱好者、从业者和研究者倾心打造的权威性参考书。它系统性地梳理和阐释了电影艺术自诞生以来所形成的丰富多样的理论、技术、风格、流派以及重要的历史发展脉络。本书旨在为读者提供一个全面而深入的视角，理解电影作为一门综合性艺术的独特魅力与复杂构成。 本书的编纂严谨，内容涵盖了电影艺术的各个核心层面。在理论层面，我们深入剖析了诸如蒙太奇理论、作者论、精神分析电影理论、女性主义电影理论、后殖民电影理论等众多重要的电影美学和批评学说，力求清晰地解释这些理论的起源、核心观点及其对电影实践的影响。读者将能在此找到对电影叙事学、镜头语言、视听关系等关键概念的详尽解读，从而提升对电影作品的分析能力。 技术方面，本书详细介绍了电影制作的各个环节所涉及的关键技术。从早期电影的拍摄与剪辑，到光学合成、色彩技术，再到数字电影的兴起、3D技术、VR/AR在电影中的应用，我们均进行了详实的梳理和解释。对于电影摄影、灯光、录音、剪辑、特效等技术领域，本书都提供了专业性的词条解释，帮助读者理解技术如何塑造电影的视听体验。 在电影风格与流派方面，《电影艺术词典》呈现了丰富多样的内容。从早期电影的默片时代，到好莱坞黄金时代的类型片，再到新浪潮电影、意大利新现实主义、德国表现主义、黑色电影、意大利西部片等经典流派，本书都进行了深入的介绍。同时，我们也关注了纪录电影、动画电影、实验电影等不同类型的电影艺术形式，探讨了它们的特点、代表人物和发展历程。 历史维度上，本书对电影艺术的发展进行了系统性的梳理。从卢米埃尔兄弟的首次放映，到电影作为一种新兴媒介如何逐渐成熟并发展成为一种重要的文化产业，本书覆盖了各个时代的重要事件、关键人物和具有里程碑意义的影片。读者可以通过本书了解电影技术革新、社会文化变迁以及不同国家和地区电影发展的独特性。 此外，《电影艺术词典》还收录了与电影艺术相关的各个方面，包括重要的电影节、电影奖项、电影理论家、导演、演员、编剧、评论家等，以及电影史上的重要时期和地域性电影发展等。每个词条都力求准确、清晰、易于理解，并尽可能提供相关的参考信息，以便读者进一步探索。 本书的语言风格力求专业而不失可读性，既能满足专业人士的深度需求，也能引导初学者入门。我们避免使用过于晦涩的术语，或者在必要时给予充分的解释。排版清晰，索引完善，方便读者快速查找所需信息。 《电影艺术词典》不仅是一本工具书，更是一扇通往电影世界的大门。它能够帮助您更深入地理解电影的创作过程、艺术表达和文化意义，提升您欣赏和评价电影的能力，激发您对电影艺术的更多思考与热爱。无论您是希望系统学习电影知识的学生，还是在电影行业工作的专业人士，亦或是对电影充满好奇的普通观众，本书都将是您不可或缺的宝贵资源。

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我 must say，这是一本我最近非常喜欢的书。它不仅仅是一本“词典”，更像是一部关于电影艺术的“百科全书”。其内容之丰富，知识之体系化，是市面上同类书籍难以比拟的。这本书的语言风格非常独特，它既有学术的严谨性，又不失文学的感染力，读起来丝毫不会感到枯燥。我尤其喜欢它对“电影表演”的解读。过去我只是简单地认为演员只要把台词念好，表情到位就可以了，但这本书让我认识到，优秀的电影表演是多种因素共同作用的结果，包括演员的肢体语言、眼神交流、对角色的理解深度，以及与对手演员的化学反应等等。书中引用了大量经典影片的表演片段，分析了演员如何通过细腻的表演来塑造鲜活的人物形象，这对我理解和欣赏表演艺术有了全新的启发。此外，书中对“电影配器的运用”的探讨，也让我对电影的视听语言有了更深刻的认识。过去我常常忽略了声音在电影中的重要性，但这本书让我意识到，声音设计不仅仅是环境音效的堆砌，更是能够营造氛围、暗示危险、甚至塑造人物性格的强大工具。

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这本书的出现，可以说是为我这样非科班出身却又对电影艺术痴迷的业余爱好者，提供了一个不可多得的宝贵资源。我一直以来都对电影中的一些术语感到好奇，但往往在网络上搜寻到的信息碎片化严重，而且很多解释流于表面，缺乏深度。而《电影艺术词典》则以一种系统化、条理化的方式，将这些零散的知识点串联起来，形成了一幅完整的电影艺术图谱。书中对“长镜头”的解释，不仅仅停留在描述其物理长度，更是深入分析了长镜头在营造时空感、展现人物情绪、构建影片节奏等方面的作用，并辅以大量经典案例作为佐证，这让我对如何通过镜头语言来传递情感有了全新的认识。同样，关于“蒙太奇”的讨论，也从最初的拼贴技巧，延展到其在叙事、心理暗示、情感渲染等多个层面的功能，不同类型的蒙太奇，比如交叉剪辑、平行蒙太奇、主观蒙太奇等等，都得到了清晰的界定和生动的演绎，让我恍然大悟，原来电影的叙事可以如此富有张力和巧思。更让我惊喜的是，书中还包含了对一些抽象电影概念的解读，例如“电影的第三空间”、“视觉隐喻”等，这些概念往往是理解艺术电影的关键，过去我常常在观看这类影片时感到云里雾里，但通过这本书的阐释，我终于找到了理解的钥匙，能够更自信地去探索那些充满哲学意味的影像世界。我常常在看完一部电影后，翻阅书中相关的词条，来印证自己的理解，或者发现自己未曾留意到的细节，这种“学以致用”的感觉，极大地提升了我观影的乐趣。

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在我看来，《电影艺术词典》是一本具有里程碑意义的著作。它不仅仅是电影从业者案头的必备工具书，更是所有热爱电影、渴望深入了解电影艺术的人的良师益友。我最欣赏的一点是，这本书在解释每个词条时，总是能够将理论与实践完美地结合起来。例如，在讲解“构图”时，作者不仅仅会介绍黄金分割、三分法等基本构图原则，还会引用大量经典电影的画面截图，直观地展示这些原则在实际拍摄中的应用，以及它们如何影响画面的美感和叙事效果。这让我能够通过视觉化的方式，更直观地理解那些抽象的电影概念。同时，书中对“色彩心理学”在电影中的应用分析，也让我受益匪浅。我一直对电影中色彩的运用感到好奇，为何某些场景会选择明亮的色彩，而另一些场景又会偏向暗沉？这本书揭示了色彩不仅仅是视觉元素，更承载着丰富的情感信息和象征意义，比如蓝色常常代表着忧郁和冷静，红色则象征着热情和危险。这种对细节的深入挖掘，让我对电影的理解进入了一个新的层次，让我能够更敏感地捕捉到影片中隐藏的情感密码。

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说实话，一开始我拿到《电影艺术词典》的时候，并没有抱有多大的期待，以为它只是一本枯燥的学术参考书。然而，当我不经意地翻开它，却被其中蕴含的丰富信息和精妙的文笔所深深吸引。这本书的优点在于，它不仅仅是知识的堆砌，更是智慧的传递。在解释“电影类型”时，它并没有简单地罗列科幻、爱情、惊悚等大众熟知的类别，而是深入探讨了类型片如何形成、演变，以及在不同文化背景下的地域性差异，还分析了类型片中常见的叙事模式和人物原型，这让我能够更深刻地理解不同类型影片的独特魅力所在。我尤其欣赏它对一些边缘化的电影理论的介绍，比如“女性主义电影理论”、“后殖民电影理论”等，这些理论的引入，为我提供了一个全新的视角来审视电影中的性别、权力、身份等议题，让我意识到电影艺术远不止于单纯的娱乐，它更是社会文化的一面镜子，折射出时代的变迁和人性的复杂。书中的语言流畅生动，即使是复杂的电影理论，也被作者用通俗易懂的方式解释清楚，让人读来毫不费力，反而能从中获得许多启发。我曾经花了整整一个下午的时间，沉浸在关于“电影节奏”的章节里，作者通过分析不同剪辑速度、镜头时长、音乐配合等要素，详细阐述了节奏在营造影片氛围、推动剧情发展、影响观众情绪方面的关键作用，这让我对那些让我心潮澎湃或倍感宁静的电影瞬间有了更清晰的认知。

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这本《电影艺术词典》绝对是我近年来读过最受益的书籍之一。它不仅仅是一本工具书，更是一扇通往电影艺术殿堂的窗户。我尤其喜欢书中对“电影的节奏感”的深入探讨。作者通过分析镜头长度、剪辑频率、音乐节奏以及叙事速度等多个维度，详细阐述了如何通过精妙的节奏控制来影响观众的情绪，营造影片的氛围，以及推动剧情的发展。例如，快速的剪辑和紧张的配乐能够营造出惊险刺激的观影体验，而舒缓的镜头和悠扬的音乐则能带来宁静平和的感受。这种对“节奏”的细致解读，让我对许多让我心潮澎湃或倍感宁静的电影片段有了更清晰的理解。此外，书中对“电影的空间感”的分析也让我耳目一新。作者通过对摄影机角度、镜头景别、景深运用以及场景布置等元素的讲解，揭示了电影如何通过视觉手段来构建独特的空间感，以及这种空间感如何影响人物的情感和叙事。这让我明白，电影的画面不仅仅是二维的平面，更蕴含着丰富的空间信息。

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《电影艺术词典》的价值，远不止于知识的普及，它更像是一本激发我创作灵感的宝库。作为一名业余编剧，我常常苦于找不到合适的叙事手法和表达方式。这本书中的许多词条，都为我提供了宝贵的借鉴。例如，“情节点”的讲解，不仅仅是定义，更是通过分析不同情节设置如何有效地制造冲突、提升张力，以及引导观众的情感走向，这让我对如何构建引人入胜的故事有了更深刻的理解。书中对“画外音”的运用分析，更是让我看到了这种看似简单的技巧，在营造悬念、增加叙事维度、塑造人物内心世界方面所能发挥的巨大作用。我曾一度在创作剧本时陷入瓶颈，但当我翻阅到关于“象征主义”和“隐喻”的章节时，突然茅塞顿开，找到了新的突破口。作者通过大量经典的电影片段，生动地展示了如何运用视觉符号来传达深层含义，如何让简单的画面背后隐藏着更丰富的象征意义，这极大地拓展了我对电影语言的理解，也让我开始尝试在自己的创作中加入更多的象征性元素。这本书也让我认识到，电影艺术并非一蹴而就，它需要精心的构思、扎实的技巧和对人性的深刻洞察。它鼓励我去探索不同的风格，去挑战传统的叙事模式，去用影像讲出更动人的故事。

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作为一名资深的电影爱好者，我可以说，翻阅《电影艺术词典》的过程，就像是在探索一座宏伟的电影博物馆，每一页都承载着一段历史，一种风格，一个时代的印记。这本书不仅仅是一本简单的字典，它更像是一部浓缩的电影史诗，用严谨而又不失温度的语言，为我打开了一个又一个扇动着光影的窗口。从早期默片的蒙太奇技巧，到新浪潮的打破叙事常规，再到如今数字时代特效的无限可能，这本书都给予了详尽而又易于理解的阐释。我尤其喜欢它对一些经典电影理论的梳理，比如作者镜头理论、作者论等等，这些理论如同黑夜中的灯塔，让我能够更清晰地理解导演在创作中的独特意图和艺术追求。它没有流于表面地罗列名词，而是深入剖析了每个词条背后的文化语境、历史演变以及对电影美学产生的深远影响。读完某个词条，我总会迫不及待地去重温相关的电影片段，那些曾经模糊的细节在词典的帮助下变得鲜活而富有意义，仿佛与影片中的人物一同经历着喜怒哀乐。甚至，它还触及了一些电影制作的幕后技术，比如摄影的光影运用，剪辑的节奏把控，以及声音设计的魔力，这些专业知识的讲解，让我在观影时不再只是一个旁观者，而是能更深入地感受到电影制作的精妙之处，体会到艺术家们为呈现完美画面所付出的心血。这本书的装帧设计也非常精美，纸质温润，排版清晰，每一次翻阅都像是在享受一次文化盛宴。我曾一度认为自己对电影已经有了相当的了解，但《电影艺术词典》却像一位循循善诱的导师，不断地刷新我的认知，拓展我的视野，让我更加敬畏电影这门艺术的博大精深。它填补了我知识体系中的许多空白，让我能够以更专业的视角去欣赏、去解读，甚至去评判一部电影。

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《电影艺术词典》的出现，就像在茫茫的电影海洋中为我点亮了一盏灯。作为一名曾经对电影只停留在“看热闹”阶段的普通观众，这本书彻底颠覆了我对电影的认知。它用严谨的学术态度，但又以极其易懂的语言，为我揭示了电影艺术的方方面面。我特别喜欢书中对“电影叙事结构”的梳理，从经典的“三幕剧结构”到更复杂的非线性叙事，作者都进行了详细的阐释，并辅以大量的案例分析。这让我明白，一部好电影之所以能够吸引人，不仅仅在于其精彩的剧情，更在于其背后精巧的结构设计。这本书让我学会了如何去“解构”一部电影，去分析它的叙事逻辑、人物弧光、主题表达，从而能够更深入地理解导演的意图。另外，书中对“电影配乐”的分析也让我大开眼界。我一直觉得音乐在电影中只是背景，但这本书让我认识到，优秀的配乐是电影的灵魂，它能够烘托情绪、深化主题、甚至成为推动剧情的关键因素。作者对不同音乐风格在电影中作用的阐述，让我对电影配乐的理解提升到了一个新的高度。

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《电影艺术词典》这本书，让我体验到了“温故而知新”的乐趣。我一直以为自己对电影已经有了相当的了解，但当我开始阅读这本书后，才发现自己过去的认知是多么的肤浅。书中对“电影的视觉语言”的剖析，尤其让我印象深刻。作者不仅仅介绍了摄影机的运动方式，比如推、拉、摇、移等，更重要的是分析了这些运动方式在不同情境下所能传达的心理暗示和情感效果。例如，推镜头常常用于表现人物内心世界的涌动，而摇镜头则可以用来展现人物的观察和探索。这些看似细微的技巧，在电影中却能产生巨大的影响。此外，书中对“电影的叙事技巧”的讲解，也让我大开眼界。作者从不同角度剖析了如何通过镜头剪辑、画面切换、情节安排等方式来构建引人入胜的故事，以及如何利用这些技巧来影响观众的情绪和预期。这让我明白，电影不仅仅是故事的讲述，更是一种高度形式化的艺术表达。

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我不得不承认，这本书给我带来了巨大的惊喜。作为一名普通的电影爱好者，我曾经对许多电影中的专业术语感到困惑，但《电影艺术词典》就像一位循循善诱的老师，为我一一解答了这些疑问。它不仅仅是一本简单的术语解释集，更是一部系统介绍电影艺术知识的入门指南。我最欣赏的是书中对“电影的美学原则”的阐述。作者通过大量的实例，详细讲解了电影在画面构图、色彩运用、光影处理、人物调度等方面的美学追求，以及这些美学原则如何共同构建出影片独特的视觉风格。这让我明白，一部优秀的电影，绝不仅仅是内容的堆砌，更是形式与内容的完美结合。此外，书中对“电影的历史发展”的梳理，也让我对电影这门艺术的演变有了更清晰的认识。从默片时代的开创性探索，到有声电影的革命性突破，再到彩色电影的璀璨绽放，这本书为我勾勒出了一幅波澜壮阔的电影发展长卷。

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里面说《红色沙漠》是把沙漠染成红色

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很basic的，一看总顾问夏衍的名字热血沸腾

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小时候有新华字典，长大了有电影艺术词典！

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工具书 @2012-12-18 16:47:20

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反正是不会再看了，2011年冬天坐在考研班的台阶上垫着这本书在手机上看完了《假面》，2013年冬天他的这本书里夹着一张选民证，一张mono的宣传卡片，本来还夹着别人写给他的情书。