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出版者:第1版 (2005年6月1日)

作者:徐虹

出品人:

页数:224 页

译者:

出版时间:2005-12

价格:29.50元

装帧:平装

isbn号码:9787535622754

丛书系列:

图书标签:

• 女性主义
• 女性艺术
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• 杂粮
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• 性别研究
• 当代艺术
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• 女性表达
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• 社会批判
• 美学
• 身份认同

《女性艺术》：凝视、探索与重塑 序言 在这本《女性艺术》中，我们并非试图编织一个统一的、线性的女性艺术史叙事，也不是为了框定或定义“女性艺术”是什么。相反，我们邀请您进入一个充满活力、多元的声音与视角的空间，去感受、去理解、去碰撞。这本书是一次深度的凝视，一次大胆的探索，一次关于如何重新认识和重塑我们对艺术、对女性、以及两者之间复杂关系的理解的尝试。 我们所呈现的，并非是某个固定群体在某个固定时期创作的、以某种固定主题为导向的“女性艺术”。这样的简化和标签化，恰恰是我们想要避免的。真正的女性艺术，正如女性自身一样，是流动的、复杂的、矛盾的，并不断在自我否定与重塑中前进。因此，这本书更像是一个切面，一个由无数个闪耀的、有时是晦涩的、有时是激烈的瞬间构成的拼贴画，它们共同描绘了女性在漫长历史中，以及在当下，如何通过艺术这一载体，表达她们的经验、思考、抗争与创造。 我们相信，艺术从来不是孤立存在的，它深植于社会、文化、历史的土壤之中。而女性艺术，更是与性别权力关系、社会结构、文化价值观的演变紧密相连。因此，《女性艺术》试图超越纯粹的审美判断，深入挖掘作品背后的权力逻辑、身份认同、主体建构以及社会批判。我们关注的，不仅仅是“谁”在创作，更在于“她们”为何而创作，“她们”如何创作，以及“她们”的作品又如何反过来影响和塑造着我们的世界。 在翻开本书之前，我们希望您能放下预设的框架，以一种开放的心态来阅读。允许自己被那些熟悉的、或者完全陌生的面孔、色彩、线条、声音所触动。我们希望这本书能激发您的好奇心，让您愿意去提问，去质疑，去寻找属于您自己的答案。因为艺术的真正力量，在于它能够引发思考，在于它能够打开新的视野，在于它能够唤醒沉睡的力量。 第一章：看不见的画布，被遮蔽的声音 长期以来，艺术史的叙事常常以男性为中心，女性艺术家及其作品被边缘化，甚至完全被忽视。她们的作品可能被归类为“装饰性”、“家庭式”，或是被误认为是男性的作品。本章将追溯这种历史的“失语症”，通过考据和梳理，揭示那些曾经被遮蔽的声音和被遗忘的艺术实践。我们将探讨，是什么样的社会机制和文化惯性，导致了女性艺术在历史长河中的“失声”。 被遗忘的名字： 我们将深入挖掘那些在艺术史上黯然失色的女性艺术家，她们的才华和贡献为何未能被主流史学所记载。从文艺复兴时期隐匿身份的女画师，到19世纪坚持创作却默默无闻的先驱，她们的作品往往展现出超越时代的洞察力和技艺。 “女性化”的偏见： 分析艺术史评论中普遍存在的性别偏见，以及“女性艺术”如何常常被标签化为“感性”、“细腻”、“装饰性”，从而被排除在“严肃艺术”之外。我们将检视那些被认为是“女性化”特质的艺术语言，并探讨其背后隐藏的权力结构。 集体记忆的重塑： 介绍学者和艺术史家们如何通过重新研究、挖掘文献、修复作品等方式，试图“找回”那些被遗忘的女性艺术家的存在。这是一种拨乱反正的努力，旨在构建一个更为公平和全面的艺术史。 早期女性艺术社群： 探讨女性艺术家们如何通过自发或半官方的社群、沙龙、艺术学院等途径，互相支持、交流技艺，并试图突破当时社会的限制。这些社群的存在，本身就是一种抗争和力量的体现。 第二章：身体即战场，经验即画笔 女性的身体，在历史长河中，既是被观看、被定义、被规训的对象，也是表达主体性、反抗压迫、探索解放的关键场域。本章将聚焦于女性艺术家如何以自身经验为核心，将身体作为创作的媒介和主题，挑战既有的性别规范和社会期待。 自画像的革命： 探讨女性艺术家如何通过自画像，打破男性凝视下的被动观看，主动地塑造和呈现自我。从对传统审美标准的挑战，到对身份、欲望、衰老的坦诚表达，自画像成为女性艺术家进行自我探索和主体确立的重要方式。 身体的政治： 分析女性艺术家如何通过描绘或利用身体，来揭示性别压迫、身体暴力、生育困境等社会议题。从弗里达·卡罗的痛苦身体，到西娅·格莱伯的宣言式表演，身体成为承载社会批判和个人情感的强大载体。 女性气质的解构： 探讨女性艺术家如何挑战和颠覆传统观念中对“女性气质”的刻板印象，通过大胆、粗粝、甚至充满攻击性的艺术语言，展现女性的多元面向和复杂情感。 母性、欲望与衰老： 深入分析女性艺术家如何以非传统的视角，去描绘和理解母性、欲望、性、以及衰老等生命体验。这些曾经被回避或污名化的议题，在女性艺术家的笔下，获得了新的生命力和深刻的解读。 绩效与身体的物质性： 考察以表演艺术为代表的女性艺术家，如何直接运用身体作为创作的媒介，强调身体的物质性、脆弱性、以及与环境的互动，从而挑战观众对身体和艺术的既有认知。 第三章：叙事的重写，传统的颠覆 艺术史中的宏大叙事，往往掩盖了无数微小但至关重要的个体经验。本章将关注女性艺术家如何通过重写历史、解构神话、颠覆传统题材，来呈现被遗忘的女性故事，以及她们对现实世界的独特观察。 历史的缝隙： 探讨女性艺术家如何从历史的角落里，挖掘出那些被忽视的女性人物和事件，并将其重新呈现在画布、雕塑、影像之中。这是一种“地下工作”，旨在填补历史的空白，挑战既定的历史解读。 神话与童话的再解读： 分析女性艺术家如何以批判性的眼光，解构和重写那些源自男性视角的神话和童话故事，赋予其中女性角色新的意义和力量，揭示其背后隐藏的性别权力关系。 日常生活的美学： 关注女性艺术家如何将看似平凡的日常生活，如家务劳动、家庭关系、女性交往等，转化为具有艺术价值和深刻意义的创作主题。这是一种对“低端艺术”的重新定义，以及对女性日常经验的肯定。 织物、缝纫与工艺的解放： 探讨女性艺术家如何将传统上被视为“女性手工”的织物、缝纫、刺绣等工艺，提升为具有观念性和批判性的艺术形式。这不仅是对工艺价值的肯定，也是对“高雅艺术”与“低俗艺术”界限的挑战。 叙事的性别视角： 分析女性艺术家在讲述故事时，如何有意识地采用非传统的叙事结构和视角，挑战单一的、线性的叙事方式，从而更真实地反映女性经验的复杂性和多层次性。 第四章：无形的网，有形的墙 社会结构、权力关系、以及无处不在的性别规范，如同无形的网和有形的墙，限制着女性的创作自由和发展空间。本章将深入分析女性艺术家如何在这样的环境中，寻找突破口，建立自己的话语权，并对这些限制性结构进行反思和批判。 艺术机构的性别考察： 审视美术馆、画廊、评论界、收藏界等艺术机构中存在的性别不平等现象，以及这些现象如何影响女性艺术家的职业发展和作品的呈现。 “女性艺术”的定义与困境： 讨论“女性艺术”作为一个概念，其产生的背景、意义，以及可能带来的标签化和局限性。探讨女性艺术家如何在拥抱身份认同的同时，避免被这种定义所束缚。 艺术与性别政治的交织： 分析女性艺术如何与女权主义运动、社会性别议题等紧密相连，成为一种重要的社会和政治表达形式。 跨越边界的对话： 探讨不同文化背景、不同社会阶层的女性艺术家，如何通过艺术进行跨文化、跨地域的对话，分享经验，凝聚力量。 艺术作为社会变革的催化剂： 考察女性艺术家如何通过作品，激发公众对性别平等、社会公正等议题的关注，从而推动社会的进步和变革。 第五章：未来的回响，重塑的可能 《女性艺术》并非终点，而是一个起点。本章将展望女性艺术的未来发展，以及它如何继续挑战、重塑我们对艺术、性别、以及世界本身的理解。 新媒介与新声音： 关注新媒体艺术、数字艺术、装置艺术等领域中，女性艺术家如何探索新的创作语言和表达方式，拓展艺术的可能性。 全球化与在地性： 探讨在全球化背景下，不同地区和文化背景的女性艺术家如何在全球语境中，保持和发展自己的在地文化特色。 跨学科的融合： 分析女性艺术如何与其他学科，如科学、技术、社会学、哲学等进行融合，产生新的艺术形态和思想深度。 对话与协商： 强调未来女性艺术发展中，构建更广泛的对话平台，促进不同观点之间的协商和理解的重要性。 艺术的解放与赋权： 最终，我们相信女性艺术的价值，在于它能够不断挑战既有的权力结构，解放个体，赋权予每一个渴望表达和创造的生命。 结语 《女性艺术》是一场持续的旅程。它邀请我们去观察、去感受、去思考。它不是关于一个单一的、被定义好的“女性艺术”，而是关于无数个充满生命力的、不断演变的艺术实践。每一件作品，都像一扇窗，让我们得以窥见一个更广阔、更深刻的世界。我们希望通过这本书，能让更多被遮蔽的声音被听见，被遗忘的角落被照亮，被刻板的印象被打破，最终，让我们对艺术、对女性、以及对这个世界，有一个更全面、更真实、也更充满希望的理解。 请带着这份邀请，翻开下一页，与我们一同走进这个由女性艺术构筑的，充满无限可能性的世界。

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这本书给我的感觉就像是在迷宫中找到了一条秘密通道，直接通往那些被主流叙事挤压出去的声音的内心深处。作者的叙事视角非常独特，她似乎总能精准地捕捉到作品中那种“非人类中心主义”的倾向，那种与自然、与身体、与非理性力量的连接。书中的分析并不总是温和的，它有时会像一把冰冷的解剖刀，毫不留情地剖开那些被美化过的艺术创作背后的社会结构性压抑。我喜欢它这种毫不妥协的姿态，它拒绝提供廉价的安慰或简单的赞美。阅读体验是高强度的，因为它要求读者同步进行高度的批判性思考，去质疑自己既有的审美框架。我发现在阅读过程中，我不再仅仅是一个旁观者，而是被作者邀请进来，共同参与到这场对“何为艺术”的严肃辩论中。这本书的价值，不在于它提供了多少确定的答案，而在于它提出了多么深刻且令人不安的问题，迫使我们重新审视我们所处的这个文化环境。

评分☆☆☆☆☆

我通常对艺术评论类的书籍持保留态度，因为太多内容会陷入对画家个人命运的过度关注，从而模糊了艺术本身的光芒。然而，这本书完全不同。它构建了一个非常宏大且富有张力的“对话场域”，让不同时代、不同地域的女性创作者的思维彼此碰撞、互相映照。我特别喜欢作者处理“边缘性”议题的方式，她没有将边缘化简单地视为一种缺陷，反而将其视为一种独特的、具有穿透力的视角。书中的遣词造句带着一种古典的韵味，但其思想内核却极其现代，甚至可以说是前瞻性的。读起来像是在聆听一位经验丰富却又充满好奇心的老者，用最富有哲理的语言，为你揭示那些隐藏在日常观察之下的世界运转的法则。它不是一本容易消化的书，需要投入大量心力去跟随作者的思路，但这种智力上的挑战带来的回报是巨大的，它拓宽了我对“美学意义”的边界认知。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我一开始对这本书的兴趣点在于它对“材料性”的探讨，毕竟我对雕塑和装置艺术的痴迷由来已久。这本书在这方面没有让我失望，它没有停留在那些宏大叙事的层面，而是深入到了纤维、泥土、光影这些最基础的构成元素中，去挖掘女性艺术家如何将这些原本被视为“低级”或“家务性”的材料，提升到具有哲学思辨高度的载体。我尤其欣赏作者在描述一件抽象作品时所使用的语言——那种既充满感性色彩又极富结构分析力的表达方式，仿佛她本人就是那个艺术家的灵魂附体。这本书的行文风格非常大胆，常常在历史考据和个人化的诗意独白之间自由切换，这种跳跃性一开始让人有些措手不及，但很快就能适应这种独特的节奏感。它不是一本教科书，而更像是一场深度访谈，只是这场访谈的参与者是跨越时空的众多杰出心灵。阅读过程中，我反复停下来，思考作者抛出的那些尖锐问题，它们触及了创作的本质，关于身份认同、关于沉默的暴力，以及如何在既定的框架内开辟出新的生存空间。

评分☆☆☆☆☆

这本书的学术深度是毋庸置疑的，但最让我感到惊喜的是它在结构上的创新。它完全避开了那种时间线索的梳理，而是构建了一系列围绕特定主题展开的“镜像空间”。例如，其中一章专门讨论了“未完成性”的美学价值，通过对比不同媒介中那种刻意留白的做法，探讨了创作主体如何通过放弃“圆满”，来抵抗社会对女性形象的过度定义。作者的论证逻辑严密得像精密的钟表，每一个论据都服务于她对“抵抗的审美策略”这一核心命题的深化。然而，她的文字却始终保持着一种克制、内敛的美感，没有矫揉造作的煽情，一切力量都内蕴于精准的词汇选择之中。我发现自己不得不备着笔记本，因为书中的某些段落，尤其是关于“空间政治学”的分析，简直是文学和理论的完美结合体，值得被反复咀嚼和引用。它让我重新审视了那些我以为已经“看透”的作品，发现下面还埋藏着更深的层次。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就带着一种扑面而来的力量感，那种深邃的靛蓝与边缘流动的金色线条交织在一起，让人忍不住想探究里面究竟蕴藏着怎样的世界。我原本是抱着一种猎奇的心态翻开的，以为会是一些陈词滥调的女性主义宣言，但很快我就被作者那种近乎手术刀般精准的观察力所吸引住了。她并没有过多地去描绘那些被传统艺术史所忽略的女性创作者的生平细节，而是聚焦于她们作品背后那种微妙的、难以言喻的情感张力。比如，她对十九世纪一位不知名肖像画家的那段分析，简直是神来之笔，寥寥数语就勾勒出了那个时代女性在凝视与被凝视之间挣扎的复杂心境。文字的密度很高，需要反复阅读才能领会其中三味，但一旦领悟，那种豁然开朗的感觉，就像是隔着厚厚的玻璃终于看清了对面的风景，一切都变得清晰而震撼。这本书的叙事节奏如同慢板的交响乐，层层递进，绝非那种快餐式的阅读体验，而是需要你沉下心来，与之共振的。读完之后，我感觉自己对“观看”这件事的理解都被彻底颠覆了，那种被启迪后的满足感，实在难以言表。

评分☆☆☆☆☆

仅就书来谈：分类的死板，文字的单调，描述局限，让我感觉中国女性艺术在艺术追求上的单一和流于表面，黑白的图片并且解析与画作位置不对应，分析很浅，实在没有细读的必要，反而增添失望的感受。

评分☆☆☆☆☆

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仅就书来谈：分类的死板，文字的单调，描述局限，让我感觉中国女性艺术在艺术追求上的单一和流于表面，黑白的图片并且解析与画作位置不对应，分析很浅，实在没有细读的必要，反而增添失望的感受。