视唱练耳分级教程。第三级 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:高等教育

作者:本社

出品人:

页数:178

译者:

出版时间:2004-7

价格:24.00元

装帧:

isbn号码:9787040138757

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《高级音乐理论与实践：和声、对位与曲式分析》内容简介 本书是一本专为有志于深入音乐学习的读者编写的综合性教材，旨在弥补基础乐理和初级视唱练耳学习者在进入复杂音乐结构分析与创作领域时所面临的知识鸿沟。它不侧重于基础音高、节奏的辨识与模唱，而是将焦点完全投向十八世纪至二十世纪欧洲古典音乐体系的深层结构、功能运作及其历史演变。 本书内容分为三大核心板块，层层递进，力求为学习者构建一个坚实而全面的音乐理论知识体系。 第一部分：功能和声的深化与扩展 本部分彻底超越了基础和弦的级数与功能划分，进入到复杂和声的精微领域。 一、调性体系的再审视与半音和声的解析 开篇即对传统大小调体系进行深入批判性分析，探讨调性在浪漫主义晚期所遭遇的张力。重点解析了减七和弦在不同功能和声背景下的多重解构，以及增六和弦（意大利式、法国式、德国式）的独特导向性和解决倾向。 更进一步，我们详细剖析了半音和声的运用，包括： 1. 远关系和弦的连接：探讨通过共同音、等音程转换等手段实现的和弦非功能性连接，特别是李斯特与瓦格纳作品中常见的色彩性和声。 2. 变化和弦的系统化：对属七和弦的各种变化（降五音、升五音、降九音等）进行详尽的音响分析与写作指导，说明它们如何增强和声的色彩感和冲突性。 3. 和声的非功能性倾向：分析印象主义音乐（如德彪西）如何弱化传统功能和声的“拉力”，转向基于音响色彩和排列组合的和声构建。 二、固定低音与和声的结构性布局 本章聚焦于和声的垂直布局如何服务于宏观的音乐结构。详细介绍了固定低音（Basso Continuo的理论延伸）的写作原则，并将其应用于巴洛克后期至古典主义早期的作品分析中。内容涵盖： 和声的线性导向：分析低音线条如何牵引和声进行，即使在复杂和声中保持清晰的结构骨架。 和声的节奏化处理：探讨和弦的更替速度（Harmonic Rhythm）如何影响音乐的紧张度与驱动力，并对比巴赫的严谨与莫扎特的轻盈。 第二部分：复调写作的精进与逻辑 本部分将视唱练耳中基础的对位练习提升到严谨的对位法理论高度，重点在于如何将对位原则应用于复调织体的构建，而非简单的模仿。 一、严格对位法的深入研究 遵循十七、十八世纪对位法的核心原则，本部分详细阐述了五种基本对位（第一至第五对位）的规则，并着重讨论了非严格对位的运用： 1. 反向对位与镜像对位：介绍如何进行上下颠倒、节奏相反的对位处理，这是赋格写作的基石。 2. 自由对位与音域控制：分析在更广阔的音域内，如何保持旋律线的独立性与和谐性，并避免声部间的僵硬感。 二、赋格曲的结构与写作范式 赋格曲被视为复调写作的巅峰。本章将赋格曲的写作过程拆解为可操作的步骤： 1. 呈示部构建：详细分析主题（Subject）、应答（Answer，包含移位与不移位应答的区别）、间答（Episode）的引入机制与功能。 2. 展开部策略：探讨在展开部中，如何运用 stretto（紧缩）、镜向（Inversion）、增值/减值（Augmentation/Diminution）等技巧来发展主题材料，保持音乐的连贯性与戏剧性张力。 3. 再现部与尾声：分析如何通过和声的回归和新的对位技巧（如三声部或四声部紧缩）来完成结构的高潮与结束。 三、模仿对位与二部、三部模仿曲的写作 不同于赋格的严苛结构，模仿对位（如卡农）更注重声部间的模仿延迟与互动。本书清晰界定了卡农与模仿赋格的区别，并提供了不同长度模仿的写作案例与技巧指导。 第三部分：曲式结构与音乐的宏观布局 此部分将和声与对位学到的“点”与“线”的知识，整合到对音乐“面”的构建上，即宏观曲式的分析与创作。 一、古典奏鸣曲式的深层剖析 奏鸣曲式被视为古典主义音乐的蓝图。本书不仅描述了呈示部、展开部和再现部的基本功能，更深入探讨了功能性调性计划在不同时期的演变： 1. 古典早期：海顿与莫扎特作品中，呈示部两主题间的调性关系、展开部的即兴式游走与再现部的“功能性解决”。 2. 贝多芬的创新：分析贝多芬如何通过中轴调性（Tonicization of Mediant/Submediant）拓展展开部的范围，以及在再现部中故意延迟主调回归所带来的戏剧效果。 3. 浪漫主义的曲式模糊：探讨肖邦、舒曼等作曲家如何运用更具流动性的三部曲式结构来取代严格的奏鸣曲式框架。 二、大型曲式与变奏曲的结构哲学 1. 回旋曲式与三部曲式的变体：分析回旋曲的A段回归逻辑，以及浪漫派作曲家如何将简单A-B-A结构发展为更复杂的A-B-A-C-A结构（如三部曲式的延伸）。 2. 变奏曲的创新路径：超越单纯旋律或和声的变奏，本章重点分析织体变奏（如巴赫的《哥德堡变奏曲》中对速度与音色的变化）、曲式变奏（如勃拉姆斯的变奏中对原曲结构的重新建构），以及主题的完全隐化（如拉赫玛尼诺夫的《帕格尼尼主题狂想曲》）。 结语：风格化的尝试与历史语境 本书的最后一部分将理论知识与实际创作的风格化倾向相结合。它引导读者思考：如何将习得的复杂和声语言、对位技巧和曲式蓝图，有效地融入特定的历史风格之中，避免将不同时代的技巧机械地拼凑在一起，从而培养出具有时代辨识度和个人声音的音乐理解与创作能力。本书要求学习者具备扎实的初级视唱练耳基础，并以此为跳板，进入严谨的音乐“建筑学”领域。

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我刚接触音乐理论不久，对“视唱练耳”这个领域感到既好奇又有些畏惧。我期望这本书能像一位耐心的向导，把我从迷茫中解救出来。目前来看，这本书的结构安排似乎非常具有逻辑性，从基础概念的引入到复杂技巧的训练，层层递进，不会让人感到一下子被灌输了太多难以消化的知识点。我注意到它似乎非常注重实践操作，每一个章节后面都有大量的练习题和听力示例的提示，这对于培养实际运用能力至关重要。我尤其关注它是否提供了足够的音频资源支持，因为听觉训练是这类教程的核心。如果这本书能把抽象的音高和节奏概念，通过直观易懂的方式展现出来，那它就成功了一半。我很期待书中那些被反复提及的“情景模拟练习”，希望能真正做到学以致用，而不是死记硬背。

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从我以往的音乐学习经验来看，教材的实用性往往决定了学习的成败。我非常看重这本教程的“分级”概念是否落实到位。第三级，意味着学习者已经具备一定的基础能力，此时的训练应该侧重于提高速度和准确率，并开始接触更复杂的视唱要求，比如多声部视唱或者带有特定表情术语的段落。我希望它提供的练习材料是多样化的，涵盖巴洛克、古典、浪漫主义等不同时期的音乐片段，而不是局限于单一风格。此外，我更希望看到的是“学练测”闭环的完整性，即每完成一个阶段的学习后，是否有明确的自我检测标准和进度反馈机制，以便我能客观地评估自己的进步，并及时调整接下来的学习重点，确保学习路径的科学性和有效性。

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这本书的定价略高于市场上的平均水平，这让我对它的内容质量抱有极高的期望。购买它，不仅仅是为了一套练习题，更是为了配套的学习服务和理论阐述的精确性。我关注的一个重点是，书中对于那些容易混淆的音程和调式的解释是否足够透彻和有针对性。比如，在处理大三和增四度这种容易听错的音程时，它有没有提供什么独特的记忆口诀或者听觉参照物？我个人对理论的理解能力尚可，但听觉辨识常常出现偏差，所以迫切需要那种能“打通任督二脉”的讲解方法。如果它能有效地帮助我区分那些细微的听觉差异，那么它物超所值。如果只是将现有的知识点简单罗列，而缺乏高明的教学策略，那么这个价格就显得有些虚高了。

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这本书的封面设计很吸引人，色彩搭配和谐，字体清晰易读，让人对内容充满期待。翻开内页，纸张的质感也相当不错，印刷清晰，没有出现墨迹晕染的情况，长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。从整体装帧来看，这是一本制作精良、值得珍藏的教材。我特别喜欢它在排版上的用心，每一个乐理符号和五线谱都标注得非常规范，使得初学者也能很快适应和理解。这样的细节处理，无疑为高效学习打下了良好的基础。尽管我还没有深入研究具体的练习内容，但仅从视觉和触觉感受上，这本书已经给出了一个非常积极的信号：它不仅仅是一本工具书，更像是一件艺术品，体现了出版方对音乐教育的尊重和专业性。希望接下来的学习体验能和这本书的精美外观一样令人满意。

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作为一个已经有一定基础的学习者，我更关注的是教程的深度和创新性。很多同类书籍在基础知识讲解上大同小异，真正拉开差距的是如何引导学生突破瓶颈，达到更高的音乐理解水平。我希望这本《视唱练耳分级教程》第三级，能够在和声功能、复杂节奏的辨识、以及对不同风格音乐的听辨能力上有所突破。例如，它是否引入了更多二十世纪以后的现代和声元素？在视唱部分，它是否鼓励运用更具表现力的演唱方式，而不仅仅是准确地唱出音高？我期待看到一些能够激发我内在音乐创造力的练习，而不是重复那些陈旧的音阶和琶音练习。如果它能引导我从机械地“看谱唱谱”转变为真正“用心倾听并理解音乐语言”，那么这本书的价值就无可估量了。

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