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这本书的实战案例部分，可以说是我当时摸索图形处理道路上的“灯塔”。它没有追求那些天花乱坠的影视大片特效，而是聚焦于平面设计领域最常见、最实用的需求。比如，书中对“产品影棚照的抠图与光影恢复”的讲解，细致到了连高光部分的边缘羽化和环境光的反射处理都一一呈现，这对于当时从事电商图片处理的我来说，简直是“救命稻草”。我记得当时被一个透明玻璃瓶的抠图难住了好几天，直到我按照书中的“通道抠图法”结合“边缘细化工具”的组合技法去操作，才终于得到了满意的结果。更值得称道的是，它对文本处理和排版的关注度，在那个时期很多图像教程都忽略了这一点，但本书却用专门的章节讲解了如何精确控制字距、行距以及如何使用路径创建文字环绕效果，这使得这本书不仅仅是给摄影师看的，也为初级美工人员提供了极大的帮助。
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最让我感到惊喜的是，尽管这是一本针对CS2的教程，但其中很多关于“设计思维”和“工作流规范”的章节，即使在今天看来依然具有很强的指导意义。例如，书中关于“文件命名规范”和“图层组的逻辑化管理”的章节，我至今仍在使用其中的理念来组织我个人的设计素材库。在那个不强调“云同步”和“协同编辑”的年代，如何保证自己的PSD文件能在未来很长时间内被自己或他人快速理解和修改，是极其重要的。这本书提供了一套完整的、可复制的内部管理规范。它没有过多涉及后处理的“一键美颜”流程，反而花费笔墨讲解了如何通过多次“曲线”和“色阶”的叠加调整，实现比单一调整更丰富和可控的明暗过渡。这种对非线性编辑流程的强调，体现了作者对于专业级工作流程的深刻理解，这本书与其说是技术手册，不如说是早期专业数字图像处理工作方法的教科书。
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与市面上那些追求“前沿”和“快速上手”的指南不同，这本教程的语气非常沉稳、客观，带有一种老派工匠精神的韵味。它似乎在提醒读者，软件只是工具，真正的创造力来源于对光影、结构和视觉心理学的理解。我记得书中有一个小小的侧边栏，讨论的是关于“锐化”的哲学问题——什么时候该锐化，锐化到什么程度是“恰到好处”的停手。这完全超出了一个软件操作指南的范畴，更像是一篇关于视觉准确性的短论。它的语言风格非常严谨，很少使用感叹号或者夸张的形容词，而是用精确的术语来描述每一个操作的预期效果。这种克制感，反而让读者更加信服书中的每一个建议。它强迫你慢下来，去体会CS2这个经典版本在处理特定任务时独有的性能优势和操作逻辑，而不是盲目追随最新的界面和功能。
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这本《Adobe Photoshop CS2中文版经典教程》的封面设计得着实让人眼前一亮，那种老派的、带着一丝技术手册质感的蓝白色调，瞬间将我拉回了那个软件更新迭代还不是那么迅猛的年代。我记得当时刚接触PS，对于那些复杂的菜单和工具箱总是感到无从下手，市面上很多教程要么过于口语化，缺乏系统的理论支撑，要么就是堆砌着晦涩难懂的专业术语，让人望而却步。这本书的排版清晰度至今仍让我印象深刻，它似乎懂得初学者的迷茫，将每一个工具的选取、每一个图层混合模式的原理，都用图文并茂的方式进行了细致的拆解。尤其是对于色彩管理和选区工具的讲解部分，它没有直接跳到酷炫的特效制作，而是扎扎实实地从色彩空间的基本概念入手，这对于建立一个稳固的图像处理基础至关重要。我特别欣赏它在讲解“动作”功能时的深度，不仅仅是教会了如何录制，更深入探讨了如何利用批处理来应对海量图片的标准化处理需求，这种兼顾理论深度与实操效率的设计，是很多后续版本教程中难以找到的平衡点。它更像是一位耐心、严谨的老师，而不是一个急于展示炫技的达人。
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初次翻开这本书时，我最直观的感受是它在“基础概念建立”上的执着。现在的很多教程恨不得三页之内就教你做出“赛博朋克”风格的人像合成，但这本书却花了相当大的篇幅去解释像素的本质、分辨率的意义，以及不同色彩模式（RGB, CMYK, Lab）在实际工作流中的适用场景。记得有一章专门讲“历史记录面板”的妙用，它没有把它仅仅当作一个“撤销”按钮来介绍，而是拓展到了如何利用多步操作创建非破坏性的编辑流程，这对习惯于“一步到位”的数字原生代读者来说，无疑是一次观念上的颠覆。我对其中关于“滤镜库”的讲解尤为赞赏，作者似乎很清楚CS2版本的滤镜引擎的特性，没有去介绍那些后来版本才加入的智能对象或增强型滤镜，而是将重点放在了如何通过叠加和组合标准滤镜，模拟出胶片颗粒感、或者特定的光照效果，这种对老版本工具的挖掘和潜力激发，体现了作者深厚的实战经验，而不是简单的功能罗列。这本书的价值在于，它让你明白“为什么”要这样做，而不是仅仅告诉你“怎么”做。
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看看电子版就好了，买了就不值了。
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为嘛为嘛为嘛要学这个
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循序渐进地对ps进行讲解，教科书一样！
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为嘛为嘛为嘛要学这个
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超级赞！
