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出版者:新疆人民出版社

作者:仲高

出品人:

页数:564 页

译者:

出版时间:2004年12月

价格:45.00元

装帧:平装

isbn号码:9787228091508

丛书系列:

图书标签:

• 西域
• 艺术
• 妙天
• 西域艺术
• 丝绸之路
• 艺术史
• 敦煌艺术
• 新疆艺术
• 佛教艺术
• 壁画
• 雕塑
• 石窟艺术
• 中亚艺术

好的，这是一本关于中国古代园林建筑艺术的深度研究专著的简介。 --- 《叠山理水：中国古典园林建筑艺术的营造与意境》 内容概述 《叠山理水：中国古典园林建筑艺术的营造与意境》并非探讨遥远西域的艺术流派，而是将目光聚焦于中华文明的腹地，对中国自先秦至清末的古典园林建筑艺术进行了一次全面、系统且深入的学术梳理与鉴赏分析。本书致力于揭示中国园林作为“可居、可游、可观、可赏”的艺术综合体，其在空间布局、意境营造、技术应用以及文化内涵上所达到的独特高度。 本书的核心在于阐释中国园林如何通过叠山理水这一核心技艺，实现“虽由人作，宛自天开”的哲学理想。园林不再是单纯的建筑堆砌，而是人与自然进行深度对话的微缩宇宙。 第一部分：园林起源与思想基石（溯源与哲学基础） 本部分追溯了中国园林的早期形态，从宫苑的狩猎场、祭祀地，到魏晋名士的清谈之所，深入剖析了儒家“中和”、道家“天人合一”、佛教“净土”思想对园林设计观念的根本性影响。 1. 先秦至汉代：宫苑的制度化与神仙思想的渗透。 重点分析了上林苑、未央宫等早期大型苑囿的规划特点，探讨了方丈、瀛洲等神话地理元素在现实空间中的初次尝试。 2. 魏晋南北朝：文人雅趣的觉醒与借景哲学的萌芽。 聚焦于谢灵运、王羲之等人的园林实践，阐述了“园不假外饰，而贵乎天然”的审美转向。 3. 隋唐：集大成与格局的恢宏。 分析了洛阳大明宫、兴庆宫的规模，以及江南私家园林的初步成熟，展示了成熟的造园技艺与皇家气派的并存。 第二部分：营造技法：山、水、建筑的辩证统一（技艺的精微） 这是全书最具操作性和技术分析力的部分，详细解构了中国园林的三大基本要素——山、水、建筑——是如何被匠人精确控制与艺术化处理的。 1. 叠山艺术的精妙： 区别于自然山脉的浑然天成，本书详述了“堆山”与“理山”的区别。分析了宋代米芾“瘦、透、漏、皱”的赏石标准如何被运用到筑山实践中。重点研究了太湖石、灵璧石的选材原则，以及如何通过“借土成山”的技术，在有限空间内营造出磅礴的气势和深邃的层次感。 2. 理水哲学的实践： 探讨了水的不同形态——池、湖、溪、瀑——在园中的功能与象征意义。分析了引水入园的技术挑战（如水循环、水位控制），以及水面处理上对光影的利用，如何映照天空与周围景物，实现“动静相宜”。 3. 建筑的隐退与渗透： 论证了中国园林建筑的“非主体性”特征。亭、台、楼、阁、廊、轩等元素，其主要功能是引导视线、框定景观、提供休憩空间。深入剖析了“漏景”、“框景”与“对景”的技法，强调建筑是连接人与自然的媒介，而非物理上的藩篱。 第三部分：地域流派与风格嬗变（空间的个性化表达） 中国园林并非铁板一块，本书将地理环境、气候条件与地方文化对园林风格的塑造进行了细致的比对。 1. 江南私家园林（以苏州、扬州为代表）： 强调其“咫尺之内再造乾坤”的精巧布局，突出“秀美”、“清雅”的审美取向。详细分析了网师园、拙政园等典型案例中，如何利用狭长的空间、精巧的曲折路径和高度密集的意象表达，实现“移步换景”的动态观赏效果。 2. 北方皇家园林（以北京颐和园、承德避暑山庄为代表）： 侧重于“大气”、“规制”与“借景自然山脉”的宏大叙事。探讨了皇家园林如何将政治秩序、礼仪功能与山水意境相融合，体现帝王的“法天应地”的统治观。 3. 岭南园林与巴蜀园林（作为补充个案）： 分析了岭南园林对通风采光、防御湿热气候的特殊适应（如水池与花窗的结合），以及巴蜀园林在山地环境中形成的独特空间处理方式。 第四部分：意境的构造与文化阐释（精神层面的渗透） 园林是物化的诗歌。本部分回归到审美核心，探讨中国园林如何通过景观要素的组合，成功地将抽象的文化理念转化为可感的空间体验。 1. 题名与楹联的意境导引： 分析了匾额、楹联在园林中对游客情绪和理解的引导作用，探讨“景物”如何被“文字”进一步诗化和哲学化。 2. 植物的选择与象征： 研究了松、竹、梅（岁寒三友）、牡丹、荷花等植物在园林中的象征意义，及其在不同季节中对园林“时”的掌控。 3. 虚实相生：留白与空灵感。 讨论了中国美学中“留白”的重要性，园林中大面积的水面或空旷的庭院，如何超越物理的界限，引导观者进入冥想和哲思的状态，实现“不着一笔，尽得风流”。 结语：古典园林与现代语境 本书最后探讨了古典园林艺术在当代城市化进程中的价值重估，以及其对现代景观设计理念的启发，呼吁保护和传承这种独一无二的建筑文化遗产。 --- 本书特色： 资料详实： 引用了《园冶》、《长物志》、《升平署志略》等珍贵文献，并结合现代考古发现与测绘数据。 图文并茂： 包含大量精细的手绘图、测绘平面图以及对比照片，直观呈现营造技术与最终效果。 跨学科视野： 融合了建筑史学、美学、哲学史、园艺学等多个领域的研究成果，提供立体化的分析角度。 本书适合对象： 建筑设计专业人士、景观规划学者、中国传统文化爱好者、历史地理研究者及所有渴望深入理解中国古典美学的人士。

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哇，这本《西域艺术通论》简直是打开了一扇通往神秘古老世界的大门！光是翻开扉页，那种扑面而来的异域风情和历史厚重感，就让人心潮澎湃。我本来以为它会是一本枯燥的学术专著，没想到作者的叙事功力如此了得。他不是简单地罗列年代和风格，而是将艺术品置于其所处的历史、地理和社会背景中去解读，让人清晰地感受到丝绸之路上那些商旅、僧侣和工匠们留下的文化烙印。比如，书中对克孜尔石窟壁画色彩的分析，简直是细致入微，从矿物颜料的来源到晕染技法，再到图案中蕴含的佛教象征意义，层层剥开，让我仿佛亲眼站在那斑驳的墙壁前，感受着千年前光影的变幻。尤其值得称赞的是，作者对于不同文明交融的探讨，比如希腊化艺术对犍陀罗雕塑的影响，以及波斯萨珊王朝艺术如何渗透到中亚的装饰元素中，这些对比和论证都极其精辟，提供了很多我之前从未留意到的视角。读完这部分，你对“艺术交流”这个概念的理解都会上升一个维度，不再是空泛的词汇，而是真真切切发生在历史长河中的血肉联系。这本书的配图质量也非常高，高清的图片加上精准的图注，极大地增强了阅读的沉浸感和直观性。

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这本书的深度和广度，真的让人惊叹，我花了整整一个周末沉浸其中，感觉自己的知识盲区被狠狠地填补了一块。最吸引我的是它对于“地方性”艺术流派的挖掘，那些在主流艺术史中常常被忽略的、散落在天山南北各个绿洲小城邦的独特审美趣味，在这本书里得到了充分的尊重和展现。作者的笔触非常细腻，尤其在描述那些小型器物和手工艺品时，那种对匠人精神的体察入微，简直让人感动。我特别喜欢其中关于吐鲁番佉文文书插画的研究，那些看似随意的笔触下，隐藏着当时社会生活的生动侧写，比如农耕场景、宴饮礼仪，甚至是人们的服饰细节。这些“活的”艺术，比那些宏大的宫殿遗址更具烟火气。而且，作者的行文风格非常具有个人魅力，他总能用一种近乎诗意的语言来描绘那些古老的遗迹和残存的符号，既有学者的严谨，又不失文人的浪漫情怀。读起来一点都不觉得累，反而像是在听一位博学多识的长者，娓娓道来一段段尘封的往事，让人意犹未尽。这种将人文关怀融入学术分析的写作方式，是很多同类书籍所欠缺的。

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读罢全书，我最大的感受是，这不仅仅是一本艺术史著作，它更像是一部关于“人类适应性与创造力”的宏大叙事。作者的语言风格在严谨的学术表达和对艺术的深沉热爱之间找到了一个完美的平衡点，使得即便是对艺术史不太熟悉的读者，也能被其中蕴含的文化张力所打动。书中对后世影响的追溯也颇具启发性，它清晰地展示了西域艺术对宋代乃至更晚期中国艺术的微妙渗透，打破了我们通常认为的艺术传播是单向的固有观念。我尤其对作者对于“图像循环”的分析印象深刻，一些古老的符号如何在不同的宗教和世俗语境中被不断重塑和挪用，这种跨越千年的生命力，令人叹为观止。这本书的厚度和内容的密度，要求读者需要投入足够的时间和精力去消化，但它所给予的回报是巨大的——它让你对“中国艺术史”的边界产生质疑，并以一种更开阔的胸襟去拥抱那些曾经被边缘化的辉煌篇章。这是一本值得反复品读的案头之作，每一次重温，想必都会有新的感悟。

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这本书的结构安排堪称教科书级别，逻辑清晰到令人称奇。它并非按照地理区域简单划分，而是采用了一种更具内涵的主题式推进，比如“宗教图像的本土化进程”、“建筑形制的空间语言”、“世俗生活的视觉记录”等几个大模块贯穿始终，这样处理的好处是，读者可以清晰地追踪某个艺术母题或技术是如何在西域这片广阔土地上扎根、变异和最终消亡的。我个人认为，书中对“色彩”和“空间”概念的探讨尤其精妙。例如，书中阐述了在沙漠环境下，艺术家如何利用特定的光影效果来最大化壁画的表现力，这是一种适应环境的创造，而不是简单的模仿。读到关于高昌回鹘时期的艺术时，我被那种兼具盛唐遗风与新生的草原贵族气息的混合美学深深吸引。作者对于这种“混合性”的捕捉非常敏锐，他没有将西域艺术视为某个大国的附庸，而是将其视为一个充满活力、自主创造力的文化熔炉。读完后，我对如何欣赏和评价这种多元文化交织下的艺术品，有了一个全新的、更具层次感的认知框架。

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坦白说，我本来对“西域”这个概念带着一种比较模糊的想象，总觉得它是敦煌、莫高窟的代名词，但这本书彻底颠覆了我的刻板印象。它花了相当大的篇幅去探讨那些现存遗迹较少，但通过文献记载和零星出土物可以窥见的早期艺术形态，特别是那些受草原文化深刻影响的艺术特征。书中对早期游牧民族的金属工艺品，如动物纹饰的演变，分析得尤为到位，那些夸张、充满力量感的造型，与中原汉地的写实风格形成了鲜明的对比，这种张力正是西域艺术迷人的核心所在。作者在论述中展现了极其扎实的考古学基础，但解读时又非常注重跨学科的视野，时不时会引用语言学和宗教学的研究成果来佐证自己的观点，使得整个论证链条异常坚实可靠。我特别欣赏作者在处理争议性问题时的审慎态度，对于一些尚无定论的艺术品断代或风格归属，他不会武断地下结论，而是公正地呈现各方观点，引导读者独立思考。这种开放性的讨论空间，对于深化理解非常有益，它提醒我们，历史和艺术的研究永远在路上，没有绝对的终点。

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