中学美术十五 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:人民美术

作者:

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2005-05-01

价格:3.5

装帧:

isbn号码:9787102025056

丛书系列:

图书标签:

• 美术
• 教材
• 中国
• 美术
• 中学
• 十五
• 教材
• 绘画
• 设计
• 素描
• 色彩
• 艺术教育
• 基础

好的，这是一份针对一本名为《中学美术十五》的书籍，所撰写的、不包含该书内容的、详细的图书简介。 --- 《光影的叙事：西方古典到现代的视觉转型研究》 导论：艺术史中的断裂与延续 本书旨在深入探讨自文艺复兴鼎盛时期直至二十世纪中叶，西方艺术领域内发生的根本性视觉范式转移。我们关注的焦点并非停留在对艺术史的简单编年梳理，而是力求揭示在社会、哲学和技术变革的驱动下，艺术家如何逐步瓦解并重建“再现”这一核心概念的过程。本书的叙事主线，是一场关于“真实性”的持续探问——从对客观世界的精确描摹，到对内在经验和结构本质的揭示。 我们将首先梳理文艺复兴盛期奠定的科学写实基础，探讨透视法、解剖学和明暗对比在确立欧洲古典美学标准中的决定性作用。随后，我们会分析巴洛克和洛可可时期艺术如何被情感的张力与装饰的繁复所塑造，这既是古典主义的延续，也是对其理性精神的一种奢华的过度阐释。 第一部分：启蒙、浪漫与现代性的萌芽（1750-1870） 这一阶段是西方社会从旧制度向工业化过渡的剧烈时期，艺术的职责也随之发生深刻变化。 1. Neoclassicism 与 Reason：理性的回归与理想化 新古典主义不再仅仅是对古希腊罗马形式的简单模仿，它更是一种对启蒙运动理性精神的视觉宣言。本章将细致分析雅克-路易·大卫（Jacques-Louis David）作品中，如何运用清晰的线条、坚硬的形体和道德化的叙事，来构建一种超越个人情感的、公民化的美学标准。我们还将考察这种风格在不同文化语境下的变异，例如在革命语境中，它如何从贵族品味转向政治工具。 2. Romanticism 与 the Sublime：情感的解放与经验的边界 与新古典主义的冷静形成鲜明对比的是浪漫主义对“崇高”（The Sublime）的狂热追求。本章将探讨浪漫主义艺术家如何利用自然的力量（如风暴、悬崖、遥远的异域）来表达个体心灵的无限性、人类的渺小以及对未知力量的敬畏。特纳（J.M.W. Turner）对光与大气现象的迷恋，以及戈雅（Francisco Goya）对人类非理性黑暗面的揭露，构成了对理性秩序的有力反思。我们特别关注浪漫主义如何为后来的表现主义奠定了情感表达的基调。 3. Realism：直面“丑陋”的社会图景 现实主义的兴起标志着艺术主题的民主化。库尔贝（Gustave Courbet）公然拒绝“理想化”和“高雅”的主题，转而将目光投向普通劳动者、农民的日常生活，乃至死亡与贫困。本章将分析现实主义运动在社会政治层面上的颠覆性，以及它对传统学院派既有审美规范的冲击。同时，我们将讨论米勒（Jean-François Millet）如何通过对乡村劳作的描绘，赋予劳动以一种近乎神圣的庄严感。 第二部分：视觉革命的爆炸——印象派与后印象派（1870-1900） 19世纪后半叶，摄影技术的出现解放了绘画的再现功能，迫使艺术家重新思考绘画的本质——“看到”本身是什么？ 1. Impressionism：瞬间的捕捉与光学的实验 印象派是对运动中的光影、色彩的客观记录。本章深入分析莫奈（Claude Monet）如何通过系列画作（如干草垛、鲁昂大教堂）来系统地研究时间对视觉的影响。我们探讨德加（Edgar Degas）对瞬间动态的捕捉，以及他们如何摆脱画室的束缚，将画布转变为记录现代都市生活的窗口。这不是关于主题的革命，而是关于“观看方式”的革命。 2. Post-Impressionism：从客观观察到主观结构 后印象派是向现代主义过渡的关键桥梁。塞尚（Paul Cézanne）的工作是本章的核心：他试图通过几何化处理和多重视角来重建物体的永恒结构，为立体主义的诞生埋下伏笔。梵高（Vincent van Gogh）的作品则展示了色彩和笔触如何直接承载强烈的主观情感和心理状态。高更（Paul Gauguin）对“原始性”和象征意义的回归，预示着艺术将越来越远离可见世界，转向内在的符号系统。 第三部分：现代主义的颠覆：走向形式的自治（1900-1945） 二十世纪初，艺术彻底脱离了模仿自然的使命，转而成为一门关于形式、材料和概念的独立学科。 1. Fauvism 与 Expressionism：色彩的解放与情感的爆发 野兽派（Fauvism）和德国表现主义（Expressionism）共同揭示了色彩的内在力量。马蒂斯（Henri Matisse）如何将色彩从描述功能中剥离，使其成为构建画面和谐或冲突的纯粹要素？表现主义，如德国的“桥社”和“蓝骑士”，则集中展现了工业化都市中个体的焦虑、异化与精神困境，通过扭曲的线条和强烈的对比来表达对现代文明的批判。 2. Cubism：空间与时间的解构 毕加索（Pablo Picasso）和布拉克（Georges Braque）对文艺复兴以来建立的单点透视体系发起了最彻底的挑战。本章详细分析了分析立体主义如何将对象分解成多个观察角度的平面碎片，以及综合立体主义如何通过拼贴（Collage）引入真实世界的材料。立体主义的意义在于，它不再试图“描绘”一个物体，而是“呈现”物体在时间和空间中的多重存在状态。 3. Abstraction 的诞生：走向纯粹的视觉语言 抽象艺术的出现是艺术史上最激进的一步。从康定斯基（Wassily Kandinsky）对音乐性与精神性的追求，到蒙德里安（Piet Mondrian）对“新造型主义”（Neo-Plasticism）的严格几何抽象，本章探讨了艺术家如何将艺术领域缩小到最基本的元素——线条、形状和颜色。抽象艺术不再是关于“什么”，而是关于“如何”——如何构建视觉秩序，如何唤起纯粹的视觉体验。 结语：现代主义的收束与未来的张力 本书最后将简要概述两次世界大战对艺术的冲击，并探讨超现实主义（Surrealism）如何利用潜意识和梦境的逻辑，对既有的理性结构进行最后的颠覆。通过对这一百年的视觉转型进行细致的考察，我们得以理解现代艺术的复杂性，它不仅是一种风格的更迭，更是一场关于人类感知、社会结构和艺术本质的深刻哲学辩论。 --- 本书特色： 深度比较分析： 侧重于不同流派之间的对话、继承与对立，而非孤立介绍。 理论先行： 引入现象学、结构主义等哲学视角，解析艺术形式背后的思维逻辑。 材料与技术视角： 探讨新颜料、画布、摄影等技术进步对艺术观念的影响。 目标读者： 艺术史专业学生、对西方现代思潮感兴趣的普通读者，以及寻求跨学科知识的艺术爱好者。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书真是让人眼前一亮，简直是艺术学习的宝典！里面的插画色彩运用得极其大胆而又和谐，特别是对光影的捕捉，仿佛能让人感受到真实的质地和温度。我记得有一章专门讲了印象派的绘画技法，作者用非常直白易懂的语言，把莫奈和德加那些复杂的笔触和瞬间捕捉的奥秘，拆解成了你可以轻松上手的步骤。比如，它教你如何用短促的笔触堆叠出光线的闪烁感，而不是简单地告诉你“要画得像”。更让我惊喜的是，它没有局限在学院派的传统，而是广泛地介绍了各种现代艺术流派。我尤其喜欢其中关于立体主义的分析，作者没有枯燥地引用理论，而是直接拿出毕加索的画作，手把手教你如何从不同视角解构一个物体，这种“动手做”的引导，远比死记硬背理论有效得多。对于一个希望提升自己审美和实践能力的学生来说，这本书就像一位耐心又不失高标准的私教，总能在你需要的时候，给出最恰当的启发和技术支持。

评分☆☆☆☆☆

我是一个偏爱工艺美术和设计类方向的学习者，对纯粹的绘画理论有时会感到有些力不从心。但这本教材在融合性上做得非常出色，它并没有厚此薄彼。它花了相当大的篇幅来讨论20世纪中叶以来的设计美学，特别是对包豪斯运动的解读，简直是教科书级别的清晰度。它不只是简单地介绍格罗佩斯的字体设计，而是深入剖析了功能主义美学如何渗透到日常的家具、建筑乃至广告宣传中。最让我感到震撼的是，书中有一组对比案例，一边是古代陶艺的釉色变化，另一边是现代产品设计中对新材料（如复合树脂、光纤）的色彩应用，两者之间竟然能找到共通的审美逻辑——对材料本性的尊重与张力的追求。这种宏观的视野，让我意识到，美术和设计，本质上都是人类解决问题和表达情感的统一系统，而不是孤立的学科。

评分☆☆☆☆☆

我花了很长时间寻找一本能够真正连接理论与实践的艺术教材，直到翻开这本，才算真正找到了“对味儿”的。这本书的叙事结构非常巧妙，它不是按时间线或流派来堆砌知识点，而是以“视觉语言的构成要素”为核心展开。比如，在讨论“形式与空间”这一部分时，作者非常深入地探讨了负空间的概念，这一点在很多初级教材中是被一笔带过的。但在这里，它通过大量具体的建筑、雕塑和平面设计案例，清晰地展示了“留白”如何赋予画面以呼吸感和张力。它的排版设计本身就是一种视觉教育，大面积的留白、恰到好处的字号和字距，都体现了专业的水准。我特别欣赏它对于“材料与媒介”的探讨，它不仅仅是罗列油画颜料和水彩的特性，而是深入到不同材料的历史背景及其对艺术家表达意图的影响，比如为什么某些波普艺术家会选择使用丝网印刷，这背后隐藏的社会文化动因被分析得丝丝入扣，让人读起来酣畅淋漓，不仅仅是学到了技巧，更是对艺术创作有了更深层次的敬畏。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前对美术史的兴趣一直比较肤浅，总觉得那些遥远的时期和古老的风格与我的生活格格不入。然而，这本书成功地打破了这种隔阂。它最厉害的地方在于，它总能找到一条清晰的路径，将古代的艺术成就与我们当下的生活体验进行对话。比如，在介绍文艺复兴时期的透视法时，它没有只停留在消失点的几何学讲解，而是立刻跳转到现代电影的镜头语言，解释了导演是如何通过变焦和景深来模拟甚至超越文艺复兴时期的空间感。这种跨界的联系，让枯燥的知识点立刻变得鲜活和相关。而且，书中收录的案例图片分辨率极高，细节丰富到让人可以反复揣摩。我甚至尝试模仿书中介绍的达芬奇素描的线条练习，感受那种严谨的结构感是如何建立起来的。这本书的价值，已经超越了一本教科书的范畴，更像是一本引导你如何“看见”世界的哲学读本。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，可以说是“沉浸式”的。它没有那种填鸭式的说教腔调，更像是作者坐在你旁边，与你进行一场高质量的艺术沙龙对话。行文风格极其富有个人色彩，时而幽默睿智，时而又带着一种对艺术近乎虔诚的热情。我尤其喜欢它在介绍艺术史上的争议人物或关键转折点时的处理方式，它不会强行给出“标准答案”，而是呈现多方观点，引导读者自己去思辨。比如在探讨抽象表现主义的“行动绘画”时，作者对波洛克创作时的身体状态的描绘，充满了画面感，让人仿佛能听到画布上颜料滴落的声音。这本教材最大的贡献在于，它成功地把艺术创作中那种“不确定性”和“灵感乍现”的过程，用一种结构化的方式呈现出来，这对于我们这些在创作中经常感到迷茫的人来说，简直是及时雨。它教会我的不是“如何画得像”，而是“如何带着思考去创造”。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆