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出版者:人民美术

作者:本社

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2005-05-01

价格:3.3

装帧:

isbn号码:9787102027715

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《古今画论精粹》 内容简介 本书精选了自先秦至近现代中国美术史上的重要绘画理论著作，旨在为读者构建一部全面而深入的中国画论体系。我们深知，理解一幅画的价值，不仅在于其视觉呈现，更在于其背后所蕴含的哲学思想与审美范式。《古今画论精粹》正是这样一本力求兼顾广度与深度的理论汇编，它摒弃了碎片化的叙述，力求展现中国画论在不同历史阶段的演进脉络与核心议题。 全书分为六个主要部分，系统梳理了中国绘画思想的发生、发展与成熟。 第一部分：萌芽与奠基——先秦至魏晋的理论初探 本部分着重探讨了中国绘画理论的源头活水。从先秦时期对“画”这一概念的朴素认知，到东汉时期对“气韵生动”的初步感知，我们辑录了《周礼·考工记》中关于色彩与形制的早期规范，以及对“丹青”这一技艺的社会定位。 重点收录并细致阐释了谢赫“六法”的完整文本及其历史语境。我们不仅仅停留在对“气韵生动”的简单罗列，而是深入剖析了其在魏晋玄学思潮下，如何从一种技法要求上升为一种形而上学的审美标准。讨论了顾恺之“传神写照”的内涵，阐明其如何将人物画的创作提升至对内在精神世界的捕捉层面。此部分强调了这一时期理论对后世“以形写神”范式的奠定作用。 第二部分：唐宋的规范与流变——格法与意境的交织 唐宋时期是中国绘画理论体系化和成熟的关键阶段。本卷收录了唐代阎立本、吴道子等大家在实践中形成的风格论，但更侧重于对宋代理论的深度挖掘。 我们详细整理了唐代张彦远的《历代名画记》的精髓，尤其关注其对绘画史的梳理和对“应物写形”的强调。进入宋代，重点聚焦于文人画理论的兴起。苏轼“论书与画”的思想被置于核心位置，详细探讨了其“不着色相，但取其意”的主张，以及“论画以形似，见与 শিশু 语”的深刻批判，这标志着绘画审美重心从“技法”向“学养”的转向。 此外，我们还收录了北宋徽宗时期院体画的官方审美规范，如对“格法”的强调，这与文人画的“写意”形成了鲜明的对比与张力，为后世的绘画流派纷争埋下了伏笔。对郭若虚《图画名意》的原文解读，深入解析了其对山水画发展阶段的精辟论述。 第三部分：元代的转向——士人绘画的哲学回归 元代是中国文人画理论的黄金时代。本部分着力展现赵孟頫如何通过提倡“书画同源”来确立文人画的独立品格。我们详尽分析了其“用笔自有筋骨”的论断，将其置于复古思潮的背景下考察。 重点解析了“元四家”的理论实践，如黄公望对“皴法”的独到见解及其与山川大地的精神契合，以及倪瓒对“逸笔草草，不求形似”的极致追求。本章旨在说明，元代的理论家如何将绘画的审美标准彻底建立在作者的个人修养和哲学思考之上，使绘画成为一种“士的艺术”。 第四部分：明清的争鸣——南北画派的理论论辩 明清时期，绘画理论的探讨进入了更为多元和激烈的辩论阶段。本卷详细梳理了董其昌“南北宗论”的提出背景、核心论点及其影响。我们力求客观呈现其理论的进步性（如对文人画传统的继承与梳理）与局限性（如对某些流派的排斥）。 同时，本部分也收录了对董氏理论的反思与补充，如对晚明“常州派”或“金陵画派”在笔墨运用上的具体论述，以及清初“四王”在“集古”模式下的理论支撑。对李日华、王时敏等人的画论进行了细致的比较分析，展现了在摹古与创新之间徘徊的理论困境。 第五部分：清末民初的转型与西学东渐 随着西学东渐的浪潮，中国的传统画论面临着前所未有的挑战。本部分收录了晚清至民初学者对中西绘画理论进行会通的努力。 我们精选了康有为《广艺舟双楫》中对碑学与绘画关系的论述，以及陈独秀、胡适等人在新文化运动中对传统艺术的批判性反思。重点关注了对“线条”和“造型”的重新审视，以及如何在新观念下重新诠释“气韵”和“笔墨”。此部分为理解近现代中国画的变革提供了必要的理论基础。 第六部分：附录与索引 本部分提供了一份详尽的术语索引，对如“皴法”、“点苔”、“卧笔”、“计白当黑”等核心概念进行了跨越朝代的对照解释。同时，附录收录了重要的画论文献出处对照表，方便读者进行更深层次的文献查阅与研究。 本书特色： 1. 体系化梳理： 摒弃孤立的篇章介绍，以时间为轴线，勾勒出中国画论的内在逻辑演变。 2. 注重语境： 对每一重要理论的提出，均辅以当时的历史、哲学背景分析，避免脱离实际的空泛解读。 3. 理论辨析： 侧重于不同理论之间的冲突、继承与发展关系，展现理论的活力与复杂性。 《古今画论精粹》不仅是艺术院校师生的必备参考书，更是所有致力于深入理解中国传统文化，探究“东方审美”内在精神的文化爱好者的重要指南。阅读此书，如同置身于历代画坛大师的论辩场中，亲聆他们对“美”与“真”的永恒追问。

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如果要用一个词来概括这本书对我学习生涯的影响，那一定是“**启发性**”。它不是一本让你看完就能成为画家的“工具书”，而是一本能点燃你对美学世界好奇心的“引路灯”。书中提供的那种开放式的提问和思考框架，迫使你不断地进行批判性思考。例如，当介绍一种成熟的风格后，它会抛出一个问题：“如果你生活在那个时代，你会选择继承它，还是反叛它？” 这种鼓励独立思考的设置，远比给出标准答案要有效得多。我发现，自从读了这本书，我不再满足于表面的欣赏，开始主动去探究作品背后的动机和结构。比如，当我看到一张现代设计图时，我不再仅仅关注它的功能，而是会下意识地去分析它是否有效运用了古典的黄金分割比例，或者是否受到了某个早期艺术运动的影响。这本书成功地培养了一种**持续学习和自我提问的习惯**，它教会我的不是“画什么”，而是“如何用艺术的眼光去看待并介入这个世界”。这种思维方式的转变，是任何一本纯技术指南都无法给予的宝贵财富。

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这本书在内容编排上的**跨学科视野**给我留下了极为深刻的印象。我原以为这只是一本单纯介绍绘画技巧的书，但它远不止于此。它巧妙地将美术史融入到更宏大的社会文化变迁中去解读作品的意义。比如，讨论印象派时，作者会穿插讲述当时摄影技术的兴起对绘画媒介的冲击，以及巴黎城市规划如何改变了艺术家的观察视角。甚至，在讨论某些特定的材料和技法时，还会涉及到当时的化学发展或者采矿业的进步。这种处理方式，让美术不再是孤立于历史的象牙塔，而是与科技、哲学、社会结构紧密相连的产物。这种宏观的视角训练，帮助读者跳出纯粹的“技法崇拜”，转而去理解艺术创作背后的**时代精神**和**哲学思辨**。对我来说，这极大地拓宽了我的认知边界，让我明白艺术史其实就是一部人类文明史的视觉编年史，这种深刻的洞察力是其他同类书籍里很少见到的。

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这本书的装帧设计确实是下了功夫的，封面那种略带肌理感的纸张，拿在手里分量十足，色彩搭配上也挺讲究，不是那种俗艳的亮色，而是偏向于沉稳的复古调子，很符合它“艺术教育”的定位。内页的纸张选择也看得出是用心了，不像有些教材用纸薄得一撕就烂，它比较厚实，即便是用马克笔或者水彩去试色，也不容易洇透到下一页。排版上，大量的留白处理让画面呼吸感十足，不像有些教科书那样密密麻麻塞满了文字和插图，看着眼睛容易疲劳。特别是那些作品展示页，它们被单独拎出来，用近乎博物馆图录的清晰度和色彩还原度来呈现，这对于想深入研究艺术细节的读者来说，是非常重要的加分项。我尤其欣赏它在章节过渡部分的设计，通常会穿插一些与该主题相关的历史背景小贴士，字体和版式都做了微调，既能起到休息眼睛的作用，又能潜移默化地增加知识密度。整体来看，这本书的**物理载体**本身就是一件值得收藏的艺术品，这种对实体书品质的坚持，在现在这个数字化时代显得尤为珍贵，让人愿意把它摆在书架上，时不时地去翻阅。

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这本书的**语言风格**极其鲜活且富有温度，完全没有传统教材那种刻板、干瘪的教条感。作者的文字像是一位经验丰富、充满热情的导师在耳边娓娓道来，充满了人文关怀。他谈论大师的作品时，用的词汇既有专业性，又不乏文学性的描绘，比如形容梵高的笔触“像是对色彩的极度渴望，每一次挥洒都带着对生命力的呐喊”，而不是简单地说“笔触粗犷有力”。这种生动的表达，很容易就能抓住年轻读者的注意力，让他们对那些“高高在上”的艺术名家产生亲近感。更难能可贵的是，书中对“失败”和“不完美”的处理态度非常积极。它会坦诚地讨论艺术家们在创作过程中遇到的挫折、自我怀疑乃至作品的争议性，这极大地鼓励了读者，让他们明白艺术创作是一个不断试错、不断修正的探索过程，而不是一个追求完美终点的线性攀登。这种**心理层面的引导**，比单纯的知识灌输要宝贵得多。

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这本书的叙事逻辑和知识建构的方式，简直是为初学者量身定制的“无痛入门宝典”。它没有上来就抛出晦涩难懂的艺术史术语，而是从最基础的“看”开始教起——如何观察线条的走向、光影的明暗、色彩的冷暖，甚至是如何感知空间感。每一课的展开都像是在剥洋葱，由浅入深，层层递进。举个例子，当讲到透视法时，它不是直接给出复杂的几何公式，而是先通过描绘一个生活中的场景，比如街角的小店或者房间的一角，引导读者自己去发现那些线条的汇聚点，然后才慢慢揭示背后的原理。这种**体验式教学**的方法，极大地降低了学习的挫败感。而且，它非常注重**实践与理论的结合**，每介绍完一个技巧或流派，紧接着就会有大量的“动手试试看”的环节，这些练习题设计得非常巧妙，它们不是简单的临摹，而是要求将所学知识应用到新的情境中去解决一个具体的美学问题。这种设计使得知识的内化过程变得自然而流畅，读完一章，你真的会感觉自己的“艺术眼睛”被重新校准了一遍。

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