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出版者:四川少年儿童出版社

作者:戈德莱纳·德·罗莎梅尔

出品人:

页数:26

译者:张华

出版时间:2005-07-01

价格:7.0

装帧:平装

isbn号码:9787536535114

丛书系列:

图书标签:

• 绘本
• 儿童
• 育儿
• 画画
• 熊熊
• 有趣
• 教育-方法
• 绘画
• 静物
• 艺术
• 技巧
• 教程
• 初学者
• 创意
• 观察
• 素描
• 绘画基础

好的，这是一份为一本名为《用物体作画》的书籍所撰写的详细简介，其内容聚焦于利用日常物品进行艺术创作，不涉及任何与“图书名称”本身直接相关的内容或AI痕迹。 --- 《拾遗拾光：日常物的非凡造型》 ——一部关于媒介、形态与视角的深度探索 在这个充斥着标准化和批量生产的时代，我们身边的“寻常之物”往往被忽视，沦为背景中的工具或容器。然而，当我们以艺术家的眼光重新审视这些日常物件——从厨房用具到工业废料，从自然碎屑到被遗弃的零件——它们便不再是单纯的功能载体，而是拥有无限可能性的视觉语言。 《拾遗拾光：日常物的非凡造型》并非一本简单的“手工制作指南”，而是一次深入的、跨学科的艺术探索之旅。本书旨在引导读者超越传统绘画和雕塑的界限，拥抱“现成品艺术”（Found Object Art）的哲学精髓，重新定义“媒介”的边界，并激活我们对身边环境的感知力。 第一部分：发现的哲学——从“物”到“语” 本书的开篇聚焦于“发现”这一行为的本质。我们探讨了从19世纪末的达达主义到20世纪中叶的新现实主义（Nouveau Réalisme）运动中，艺术家如何将日常的、非艺术的物体提升至艺术殿堂。 1. “凝视”的转变： 我们将详细分析如何训练眼睛，去“看穿”物体固有的功能标签。一把扳手不再是拧紧螺丝的工具，而是一条具有张力和几何感的线条；一堆破碎的瓷片不再是垃圾，而是色彩与纹理的马赛克碎片。这一部分通过对不同时代艺术家的案例分析，阐释了“偶然性”在创作中的价值。 2. 物质的记忆与在场感： 每个物体都承载着它被使用或制造的历史。本书深入讨论了材料的“在场感”——物体本身的重量、质地、温度，以及它所暗示的人类活动。如何利用这种物质性，赋予作品一种超越视觉的美感，使其具有叙事性？我们将探讨如何通过材料的选择和组合，构建起一种超越语言的“物质对话”。 第二部分：结构与构图的重塑 日常物体往往形态不规则，缺乏传统雕塑或绘画中的明确比例。本卷重点在于如何将这些零散、异质的元素组织成具有内在逻辑和视觉冲击力的作品。 1. 解构与重组的语法： 我们将分析艺术家如何运用堆叠、并置、嵌入、缠绕等基本操作，建立起新的空间关系。例如，如何利用金属丝的韧性与木块的刚性形成张力对比；如何通过重复的图案（如一排排纽扣或螺丝钉）来创造节奏感和宏大叙事。 2. 尺度与环境的对话： 创作的成功往往取决于物体与展示空间的关系。本书提供了关于如何处理微观细节（如昆虫翅膀的纹理）与宏观布局（如利用整个房间作为画框）的策略。讨论将涵盖如何利用光影来强调物体的轮廓，以及如何通过改变尺度感来迷惑和引导观众的感知。 第三部分：媒介的拓宽——从静态到动态 《拾遗拾光》的野心不止于静物陈列。我们深入探究了如何将日常材料应用于更具时间性和互动性的艺术形式。 1. 时间的雕塑： 探讨如何使用易于腐蚀、氧化或变色的材料（如食物残渣、生锈的铁皮、未处理的纸张）来创作“时间艺术”。这些作品的完成形态，即是其衰变的过程本身。我们研究如何控制这种变化的速度，使之成为作品叙事的一部分。 2. 互动与机械的边界： 介绍如何利用简单的机械原理（如杠杆、滑轮、橡皮筋的弹性）来赋予静止的物体以“生命”或运动潜力。这部分强调的是，即使是最基础的物理原理，也能被用来创造出具有出乎意料的复杂性的动态装置。 第四部分：实践者的工具箱与伦理考量 本书的后半部分提供了扎实的实践指导，同时不回避创作过程中必须面对的伦理和版权问题。 1. 材料的采集与预处理： 从如何安全地清洁和稳定找到的材料，到如何使用非传统粘合剂、锈蚀剂或颜料来“统一”异质材料的视觉语言，提供了详细的操作建议。 2. “物”的选择与责任： 艺术家对所选材料的来源负有责任。本书探讨了“拾荒”（Scavenging）与“购买”（Acquiring）的区别，以及在利用工业废弃物或消费品时，如何处理其背后的环境影响和社会符号。 《拾遗拾光：日常物的非凡造型》献给所有厌倦了画布和画笔束缚的创作者，以及任何渴望在平凡生活中挖掘出非凡美感的人。它不是教你如何复制，而是教你如何看见，并用你身边的一切，讲述一个全新的、只属于你的故事。

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我原本以为这会是一本非常“手工DIY”导向的书籍，充满了胶水和剪刀的痕迹，但事实证明我的预判太浅薄了。这本书的层次感和专业度远远超出了我的预期。它巧妙地融合了雕塑、装置艺术和平面设计的一些核心理念，但又用最简单的日常材料进行了演示。特别是对“负空间”的运用部分，作者展示了如何利用物体的空隙和排列方式来构建视觉的平衡，这种构图技巧在传统绘画中是核心，而在这里却以一种完全不同的、物质化的方式得以体现。读到这里，我立刻停下手头的工作，重新审视了我正在进行的一个项目，并立即尝试用几块石头和一些细沙来重新构建它的基座，效果立竿见影。这本书的指导性极强，但又留给读者足够的自由发挥空间，它像一个优秀的策展人，为你展示了不同的可能性，但最终的“展览”由你自己决定。

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读完这本书，我的创作思路仿佛被打开了一扇新的窗户，那种豁然开朗的感觉太棒了。它真正做到了“化腐朽为神奇”，把那些我们习以为常、甚至忽略的物件，提升到了艺术的层面。书中对光影的捕捉和运用也相当精妙，通过不同物体的堆叠和遮挡，自然地形成了光感的层次，这一点对于平面艺术来说是极具挑战性的，但作者却用极其直观的方式解决了这个问题。我印象最深的是一个用纽扣和回形针构成的抽象作品，那种机械的冰冷感与有机形态的结合，产生了强烈的视觉冲击力，让人不得不驻足细看。这本书的语言风格非常亲切自然，没有太多生硬的术语，更像是经验丰富的前辈在和你分享他的“独门秘籍”。它不仅仅是一本技巧书，更像是一本关于“观察力”的教科书，教会你如何用艺术家的眼睛去看待这个世界，去发现潜藏在平凡事物中的美学价值。

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这本画册简直是为那些动手能力强、喜欢探索不同材料的创意人士量身定做的！我一直觉得艺术创作不应该被局限于传统的画笔和颜料，而这本书完美地诠释了这一点。它不像市面上那些教你如何使用特定画材的书籍，而是更像一本激发你好奇心的指南。作者似乎在鼓励我们把日常生活中触手可及的东西——比如树叶、螺丝钉、甚至是厨房里的香料——都变成艺术的媒介。我尤其欣赏其中关于“纹理对比”的章节，它详细地展示了如何利用粗糙的表面和光滑的物体进行叠加，创造出具有深度和层次感的画面。书里的排版非常讲究，大量的实物照片清晰地展示了每一步操作，即便是初学者也能轻松上手。我试着用咖啡渣和沙子做了一幅小画，效果出奇地好，那自然的棕色和颗粒感是我用任何颜料都难以调配出来的。这本书的价值不在于教你画什么，而在于告诉你“万物皆可入画”，极大地拓宽了我的创作边界。

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与其说这是一本关于“画画”的书，不如说它是一本关于“重塑媒介”的宣言。我对作者对材料特性的深入理解感到非常敬佩。他不仅仅是把物体堆砌在一起，而是精确地知道每种材料的密度、吸水性、以及它们在特定条件下会产生的化学反应。书中有几页专门介绍如何处理和保护那些有机材料，比如如何延长干燥花和苔藓的色彩寿命，这些细微的知识点对于想让自己的作品更持久的人来说，简直是无价之宝。它的叙述逻辑非常清晰，从基础的“收集与准备”，到中级的“结构与平衡”，再到高级的“光影与氛围”的营造，层层递进，毫不拖沓。读完它，我最大的收获是打破了对“画”的固有认知，认识到艺术创作的本质是媒介与思想的对话，而任何物体都可以成为那个有力的“发言人”。这是一本能切实改变你创作习惯和思维模式的佳作。

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这本书的装帧和设计本身就是一件艺术品，纸张的质感很好，拿在手里沉甸甸的，显示出出版方的用心。我特别喜欢其中关于“时间感”的表达，作者通过使用易于氧化的金属片或者会褪色的植物材料，探讨了艺术作品的生命周期和变化性，这使得作品不再是静止的，而是与时间共同呼吸。这种哲学层面的探讨，让这本书的深度远超一般的手工指南。其中有一组对比实验，展示了同一组材料在不同光照和湿度下最终呈现出的不同状态，非常引人深思。对于那些追求作品独特性和不可复制性的创作者来说，这本书提供了大量的灵感源泉。它鼓励我们拥抱不完美和偶然性，因为正是这些“意外”才赋予了作品真正的灵魂。总而言之，这是一本值得反复研读、时常翻阅的宝典，每次重温都会有新的感悟。

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开发思维的小书

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恩，挺可爱的

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