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出版者:浙江人民美术出版社

作者:王群栗 点校

出品人:

页数:213

译者:

出版时间:2012-6

价格:40.00元

装帧:精装

isbn号码:9787534032677

丛书系列:中国艺术文献丛刊

图书标签:

• 宋史
• 书法
• 齐·中国艺术文献丛刊（浙江人民美术出版社）
• 艺术类
• 画画
• 工具书
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翰墨流光：中国古代书画艺术的恢弘画卷 导言： 中华文明绵延数千年，其独特的艺术表达形式——书法与绘画，如同两条奔腾不息的长河，滋养着民族的审美情趣与精神世界。本卷册《翰墨流光》，并非对单一书目进行收录或阐释，而是致力于构建一个宏大而精微的视角，去审视和梳理自上古至清末，中国书法、绘画艺术在历史长河中的演变脉络、风格流变、关键人物及其作品背后的时代精神与哲学意蕴。我们力求以一种兼具学术深度与人文关怀的笔触，为读者呈现一幅气势磅礴、细节入微的古代艺术全景图。 第一编：书法的源流与气韵——从甲骨到碑学 书法，被誉为“无声的音乐，有形的舞蹈”，是中国独有的视觉艺术。本篇将追溯其起源，探究其形体的演化与精神内涵的积淀。 一、文字的胎动与骨相的確立（先秦至秦汉）： 我们将从殷商甲骨文的契刻之痕与神谕意味入手，探讨其简朴而强悍的生命力。继而进入金文的庄重浑厚，分析周代礼乐制度如何塑造了器物铭文的肃穆格调。春秋战国时期，诸侯割据，文字也呈现出“异形”的丰富性，为后世的篆书多元发展埋下伏笔。 秦朝的小篆，是文字规范化的一次伟大实践。本节将详细解析李斯等人在统一文字过程中所确立的笔画规范与结构原则，理解“书同文”对中华文化整合的深远影响。紧接着，我们将目光转向更为实用、更具民间生命力的隶书。隶变，是书法史上一次里程碑式的变革，它完成了古文字向今文字的转型，并孕育了成熟的“蚕头燕尾”的笔法特征。我们重点研习汉碑，特别是《乙瑛碑》、《曹全碑》等，剖析其方正、雄健、古朴的“碑学”之美，这不仅是书写技巧的成熟，更是汉代气象的集中体现。 二、楷法的定型与行草的抒情（魏晋至隋唐）： 魏晋时期，是中国书法艺术的“黄金时代”。随着魏晋风度（名士风流）的兴起，书法的审美趣味从庄严的“法度”转向了“性情”的抒发。 王羲之无疑是这一时期的核心。本章将细致辨析王氏父子的“二王”一脉，探究其如何集篆隶之大成，融汇楷行草于一体，创造出臻于化境的“妍美流便”之风。我们不满足于“天下第一行书”的赞誉，而是深入分析《兰亭序》在结体、用笔、章法上如何达到了“中和之美”的最高境界。 隋唐，国力强盛，书法艺术走向了新的高峰，呈现出“法度森严”的时代特征。楷书在此时期被推向极致。初唐的欧阳询（险劲）、虞世南（温润）、褚遂良（秀逸）各有千秋，奠定了后世楷书的典范。盛唐的颜真卿则以其博大雄浑、气势开张的“颜体”，展现了盛世气象，其用笔之“丰腴”与结体之“雄强”，成为后世法度森严、道德兼备的象征。同期，张旭、怀素的狂草，将书法的抒情性推向了极致，笔势连绵，如骤雨旋风，是艺术家生命力的直接喷薄。 三、碑学的复兴与帖学的嬗变（宋元明清）： 宋代，文人地位提高，书法开始强调“意在笔先”，追求个性和“意趣”。宋四家（苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄）各有鲜明的个人风格：苏轼的“丰腴沉着”，黄庭坚的“长枪大戟”，米芾的“刷字风神”，标志着帖学从追求“法度”到追求“性情”的深化。 元代，赵孟頫力图复古，倡导“复归晋唐”，其秀美遒劲的风格影响深远，为帖学注入了新的活力。明清时期，书法艺术出现分流：一方面，董其昌等在帖学上追求秀逸平和的“文人笔法”；另一方面，碑学的沉寂被打破。清代中后期，学者们对金石文献的重视，使得碑学（以碑刻为主的篆隶楷法）开始复兴，邓石如、包世臣、吴昌硕等人，以其雄强、朴拙的碑派书风，为近现代书法开辟了新的道路。 第二编：丹青的意境与山水精神——从岩画到写意 中国绘画，尤其注重“写”的哲学，强调笔墨的内在精神，而非单纯的形似。本篇将梳理中国画（特指传统水墨画）的发展历程，探讨其独特的审美标准。 一、图腾的曙光与人物的定型（先秦至魏晋）： 绘画的源头可追溯至新石器时代的岩画与陶器纹饰，本章将简述这些早期图像的神秘主义色彩和原始生命力。战国秦汉时期，帛画和壁画（如马王堆汉墓）展示了早期的叙事性和色彩运用，特别是对神怪世界与贵族生活的描绘。 魏晋南北朝时期，绘画开始独立为人文精神服务的工具。顾恺之的“传神写照”理论，强调“以形写神”，其“之乎者也”的画论，确立了中国人物画以线条勾勒为核心的技法基础。人物画开始注重气韵、骨法和顾盼生动的神态表现。 二、山水的崛起与“卧游”的境界（隋唐五代）： 隋唐五代是山水画走向成熟的关键时期。唐代画家开始将自然山水视为寄托情怀的载体。李思训的青绿山水代表了宫廷的富丽堂皇；而吴道子的“吴带当风”，则以其雄健的笔法，确立了写意性的初步基础。 五代时期，山水画的地位空前提高，逐渐超越人物画。荆浩、关仝的北方山水，气势磅礴，结构严谨，奠定了后世巨碑式山水的格局。而董源、巨然开创的江南“披麻皴”，则以柔和的笔触描绘出温润秀美的江南烟雨，标志着文人画思想的萌芽。 三、文人画的哲学内核与笔墨的解放（宋元）： 宋代，随着理学的发展和文人士大夫阶层的壮大，绘画理论发生了深刻变化。苏轼提出了“论画以形似，见与鄙夫不殊；论画以意近，此中有真趣”的著名论断，正式将绘画纳入文人修养的范畴，强调“逸笔草草，不求形似”。 元代，“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）将文人画推向了成熟的顶峰。他们以书法入画，以笔墨的干湿浓淡表现内心的丘壑，山水画不再是客观景物的再现，而是画家心境的外化。特别是倪瓒的“折笔”、“一笔画”，以萧疏淡远的笔墨，寄托其孤高清高的士大夫情怀。 四、写意派的深化与画坛的格局（明清）： 明代，绘画流派纷呈。以沈周、文徵明为代表的吴门画派，继承了元四家的笔墨传统，追求典雅秀润。同时，浙派（如戴进）则在气势上更接近院体，注重写实与苍劲。 晚明时期，徐渭将文人画的写意精神推向了极致，其大写意花鸟鱼虫，笔墨奔放，极富激情，将书法的线条与绘画的造型完美融合，影响了后世几乎所有的写意画家。清初的“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）提倡“集大成”，强调“笔墨当随时代”，虽然在一定程度上回归了摹古，但也系统地总结了前代笔法。而石涛（喃貌山人）则以“我自用我法”的革新精神，反对僵化的摹古，用奇崛的笔墨展现了强烈的个体意识，为中国画的现代化发展提供了重要的思想资源。 结语： 《翰墨流光》通过对书法、绘画两大艺术门类的梳理，揭示了中国古代艺术在形式技巧上的精进，更深层次地探究了其背后所承载的儒释道思想、文人情怀与时代精神。从篆刻的方寸天地到山水的万千丘壑，无不体现着中华民族独特的审美哲学和对宇宙人生的不懈追求。本书旨在引导读者跨越时空的藩篱，感受那份流淌在笔墨间的千年气息与不朽光芒。

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阅读这本书的过程，就像是在进行一场漫长的考古发掘工作，每深入一层，都能发现前人留下的珍贵遗迹。这本书的资料搜集之详尽，令人叹为观止。它不仅引用了大量典籍中的佐证，还穿插了许多鲜为人知的史料片段，这些片段的出现，极大地丰富了论述的立体感和真实感。作者的叙事风格是极其严谨的，每一个论断背后似乎都有着坚实的文献支撑，这让读者在接受新知的同时，也建立起一种对知识的信任感。但这种严谨丝毫不显得板刻，因为作者的笔触在关键时刻又会变得极为细腻，他擅长捕捉那些历史人物在特定情境下的微妙情绪和动机，使得那些遥远的人物仿佛就在眼前。这本书的价值，不仅在于知识的传授，更在于它构建了一个完整、自洽的学术体系，让人能够在一个清晰的框架内理解复杂的文化现象。它需要的不仅仅是阅读，更需要反复的对照和思考，是一本值得列入“常备书架”并时常翻阅的经典之作，其深度和广度，远超一般入门书籍所能企及。

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翻开这本泛黄的线装书，首先被吸引的是它那古朴典雅的装帧。书页边缘微微卷曲，散发着一种时间的味道，仿佛能触摸到历史的脉络。内页的排版极为讲究，每一个汉字都如同精心雕琢的玉石，笔画间的起承转合，无不流露出印刷者对文字的敬畏。阅读的过程中，我仿佛置身于那个文人墨客辈出的年代，空气中弥漫着墨香和淡淡的茶味。这本书的内容编排逻辑清晰，从宏观的理论探讨到具体的技法解析，层层递进，毫不拖沓。作者的文字功力深厚，用词精准而富有文采，即便是对那些深奥的学理，也能用通俗易懂的语言娓娓道来，让人读来毫不费力，却又能在不知不觉中领悟到精髓。尤其欣赏它对细节的捕捉，那些看似微不足道的笔触变化，在作者的笔下却被赋予了生命和深意，让人不禁感叹，原来艺术的魅力，真的藏在每一个细微之处。这本书不仅仅是一本知识的载体，更像是一次精神的洗礼，让人在快节奏的现代生活中，找到了一处可以沉静下来的角落，与古人的智慧进行了一场跨越时空的对话。每一次重读，都会有新的感悟，如同品鉴一壶陈年的老酒，回味无穷。

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坦白讲，初拿到这本书时，我有些担心内容会过于晦涩难懂，毕竟涉及到的领域往往是阳春白雪的。然而，实际的阅读体验彻底颠覆了我的预期。这本书的行文结构设计得极其巧妙，它采用了“螺旋上升”式的讲解路径。开篇以一个极为通俗易懂的引子引入主题，像是为初学者架起了一座坚实的桥梁。在读者建立起基础认知后，内容才开始逐步深入到那些专业性极强的论述中。最赞赏的是，作者在关键术语出现时，总会适时地穿插一些生动的历史小故事或者生活化的类比，这使得原本冰冷的概念瞬间变得鲜活起来，极大地降低了阅读门槛。我感觉自己不是在“学习”某种理论，而是在跟随一位技艺精湛的匠人，看他如何将一块普通的原材料，通过精密的工具和纯熟的手法，打磨成一件令人惊叹的艺术品。这种教学相长、润物无声的写作手法，体现了作者极高的文学素养和教育情怀。对于任何想对该领域进行系统性了解，但又惧怕专业术语堆砌的读者来说，这本书无疑是最佳的引路人。

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我一直对外在形式远不如内在精神的世界着迷，而这本书恰恰满足了我对那种深沉、内敛之美的全部想象。它的语言风格是极其内敛的，没有丝毫的张扬或夸饰，如同深山古寺里那口不为人知的钟，一旦敲响，声音便能穿透一切喧嚣，直抵人心最柔软的地方。书中的论述，更像是与一位饱经风霜的长者进行的私密交谈，他从不急于给出答案，而是抛出引人深思的问题，引导你自行探索。这种“不言之教”的方式，极大地激发了我的主动思考。我特别喜欢其中对“意境”的探讨，作者没有用那些空泛的辞藻去描摹，而是通过一系列富有象征意义的意象组合，构建了一个完整的精神图景。读完某一章节后，我常常会合上书本，在房间里踱步许久，试图在脑海中复现那种被文字唤醒的画面感。这本书的节奏是缓慢而从容的，它强迫你放慢呼吸，去体会每一个字词的重量，去感受那种穿越时空的文化共振。它不是一本速食读物，而是需要你用耐心和敬意去对待的宝藏，每一次深入，都能挖出新的矿藏。

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这本书给我的最深刻印象，是一种近乎于“禅定”的阅读体验。它没有激烈的矛盾冲突，没有跌宕起伏的情节，但却有一种强大的内在引力，让人心甘情愿地沉浸其中。作者似乎对时间有着一种超越常人的理解，文字的流动如同缓慢流淌的河水，不急不躁，却蕴含着无穷的力量。特别是在论述创作心境的部分，作者的文字极富哲思，他谈论的不是技术层面的“如何做”，而是精神层面的“为何做”。他探讨了艺术家如何在纷繁的世界中保持内心的澄澈与专注，如何通过长期的沉淀达到“人器合一”的境界。这种对内在世界的深刻挖掘，与当代社会强调效率和结果的价值观形成了鲜明的对比，让人读后不禁反思自己的生活状态。这本书更像是一面镜子，映照出我们在追求外在成就时，是否忽略了对自我精神世界的滋养。它没有提供快捷键，而是鼓励读者去拥抱漫长的、孤独的、但最终会带来丰厚回报的求索之路。

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有译注。小史。

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有译注。小史。

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有译注。小史。

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精装本太重了，好处是很清晰，查资料最好自己对校一下文句

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