第二届CCTV电视舞蹈大赛(专业组2)V pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版时间:1900-01-01

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isbn号码:9787799803289

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舞台的脉动：当代中国舞蹈的多元图景 一本深入探索中国当代舞蹈艺术发展、美学思潮与文化传承的深度研究专著。 本书旨在为广大舞蹈专业人士、艺术评论家、文化研究学者以及对中国现当代艺术发展抱有浓厚兴趣的读者，构建一个全面而深入的观察视角，审视二十世纪末至二十一世纪初，中国舞蹈艺术在快速社会转型背景下所经历的深刻变革、美学探索与文化重塑。本书不聚焦于任何特定赛事的结果或获奖作品的罗列，而是着眼于支撑这些舞台现象背后的宏大叙事与微观结构。 第一部分：时代的剪影与舞蹈的语境重塑（约400字） 本部分首先将读者带入一个特定的历史时间轴，考察中国社会在改革开放后的思想解放浪潮对传统舞蹈艺术带来的冲击与机遇。我们探讨了“文化热”与“先锋艺术”思潮如何渗透到舞蹈创作的核心领域，使得僵化的叙事模式开始松动，身体语言的表达边界被不断试探。 文化冲突与身份的重建： 重点分析了传统民族民间舞元素在当代语境下如何被解构与重组。这不是简单地将古典技巧嫁接到现代编舞上，而是探讨了编舞者如何通过身体的陌生化处理，去审视和表达当代中国人在全球化背景下的身份认同危机与文化自信的重建过程。例如，如何从传统程式化的“美”中抽取出具有当代社会批判性的“力量”或“脆弱性”。 媒介与剧场的对话： 考察了舞台技术（灯光、多媒体、空间设计）的飞速进步如何拓宽了舞蹈的叙事维度。舞蹈不再仅仅是人体在二维平面上的移动，而是成为多感官体验的一部分。本书将分析那些成功地将环境剧场概念引入室内舞台的先驱性作品，以及技术如何反过来挑战甚至颠覆了传统剧场的空间等级制度。 第二部分：美学范式的转向与身体哲学的探讨（约550字） 本部分深入舞蹈本体论的层面，剖析了当代中国舞蹈在美学追求上的核心转向——从“宏大叙事”向“个体体验”的过渡。 “非英雄化”的身体观： 批判性地考察了对传统“英雄主义”舞蹈语汇的消解。当代编舞更关注日常化、去中心化的身体形态，如疲惫、迟疑、碎片化、甚至是不完美的肢体状态。通过对几位代表性编舞家（非特定赛事获奖者）的案例分析，我们探讨了这种身体哲学的转变如何映射了社会大众心理的内化与投射。身体不再是政治正确的符号载体，而是承载复杂情感与存在焦虑的容器。 时间与空间的实验： 深度解析了非线性叙事在舞蹈作品中的运用。许多当代作品打破了传统的起承转合，转而探索时间的“密度”与“留白”。我们分析了如何通过节奏的错位、停顿的无限延长，以及舞台空间的解构，来制造一种让观众主动参与构建意义的“开放式剧场体验”。 跨媒介融合的张力： 探讨了当代舞蹈与其他艺术门类（如当代音乐、视觉艺术、文学理论）的深度交织。重点分析了“身体即文本”的观念如何与后结构主义的符号理论相结合，使得舞蹈作品的解读不再局限于技术层面的赞赏，而是进入到符号学和阐释学的复杂场域。例如，肢体动作如何被视为一种具有社会学意义的“书写”。 第三部分：教育体系、人才培养与未来的展望（约550字） 本部分将视角转向舞蹈艺术的生态系统，关注支撑艺术创作的制度基础与人才梯队建设。 学院派训练的反思： 详细分析了中国舞蹈教育体系在面对国际前沿思潮时的自我调整与挑战。古典舞、民族舞的基本功训练与当代身体认知、即兴创作方法之间的平衡点在哪里？本书不指责任何一方的优劣，而是探讨了如何培养出既有深厚技术底蕴，又具备独立批判性思维的“复合型编舞人才”。 艺术评论的独立性与专业化： 审视了当代舞蹈评论界的发展现状。专业的、非附庸性的艺术评论对于舞蹈艺术的健康发展至关重要。本书探讨了如何建立起一套能够有效辨识和引导新兴艺术思潮的评论标准，避免评论场域的同质化或过度商业化倾向。 文化输出与艺术的普适性： 探讨了中国当代舞蹈走向国际舞台时所面临的文化翻译问题。如何确保作品在输出时，既能清晰传达其中国文化根源的深度与复杂性，又能被不同文化背景的观众所理解和共鸣？这需要编舞者在“地域性”与“普适性”之间进行精妙的平衡。 结语： 本书最后总结了当前中国舞蹈艺术面临的机遇与挑战，预示了在技术与人文深度融合的未来，舞蹈艺术将如何继续作为一面敏锐的镜子，映照出这个快速变迁的时代的内在脉搏与精神图腾。本书致力于提供一个清晰的地图，指引读者穿越当前纷繁复杂的舞蹈现象，抵达对中国当代舞蹈精神内核的深刻理解。

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说实话，这本书的阅读体验是需要“投入”的，它不是那种可以边看手机边翻阅的读物。我尝试过在通勤路上看，结果发现稍微走神一下，就得倒回去重读好几段才能重新跟上作者的思路。这倒不是说它写得晦涩难懂，而是因为它的信息密度太高了。每一个段落似乎都蕴含着好几层含义，需要读者自己去连接和消化。比如，书中对不同地域舞蹈风格的对比分析，简直就是一场视觉盛宴的文字转译。它不仅仅描述了动作的差异，更重要的是阐述了为什么会有这种差异——是地理环境、历史沿革还是民族性格在起作用。我感觉自己像是在进行一场跨学科的田野调查，收获远超出了舞蹈艺术本身。这本书的参考文献和注释部分做得极其严谨，显示出作者在资料搜集上花费了巨大的心血，这让这本书的可信度和权威性大大提升，让人愿意将其奉为圭臬。

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这本书，说实话，拿到手里的时候我就被它的厚度和装帧吸引住了。那种沉甸甸的感觉，让人觉得里面承载着分量。我本来是冲着某个特定的舞蹈流派去的，结果翻开目录才发现，内容的广度和深度远远超出了我的预期。它不像那种快餐式的舞蹈教学书籍，每一个章节的论述都像是精心打磨过的宝石，需要静下心来细细品味。比如其中关于古典舞身韵的解析部分，作者没有停留在表面的动作模仿，而是深入挖掘了文化根源和意境的表达，读起来简直就像是听一位老艺术家的口述历史，充满了韵味和智慧。我尤其喜欢它对“气韵生动”这几个字的诠释，从生理结构到心理状态的统一，写得极其透彻，让我对以往理解的那些概念有了全新的认识。这本书的排版也很有品味，留白恰到好处，图片的选择更是独具匠心，很多都是我从未在其他公开资料中见过的珍贵历史影像，仿佛带我穿越回了那个辉煌的年代，亲眼见证了那些经典时刻的诞生。

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这本书的装帧和纸张质量，讲真，是让我非常惊喜的。现在的很多出版物为了控制成本，纸张用得都很薄，反光严重，长时间阅读眼睛很容易疲劳。但这本书采用的纸张触感温润，哑光处理得非常好，即便是对着灯光看，也不会感到刺眼。更值得称赞的是，书中穿插的一些舞蹈剧目的摄影作品，色彩还原度极高，那些舞台光影的层次感和人物服装的细节纹理，都清晰可见。我甚至会偶尔停下来，只是盯着某一张图片看很久，想象当时现场的音乐和观众的反应。从一个普通读者的角度来看，出版社对这本书的投入是肉眼可见的，他们明白，对于艺术类的书籍来说，视觉体验本身就是内容的一部分。这本书的装帧设计也带着一种沉稳的古典美，没有花里胡哨的装饰，恰到好处地烘托了内容的严肃性与艺术性。

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这本书的叙事方式非常独特，它不像教科书那样枯燥乏味，反而更像是一部编年史，串联起了几代舞蹈家的心路历程和创作哲学。我最欣赏的是它对“失败与突破”这一主题的处理。很多关于艺术的书籍总是倾向于歌颂成功，但这本书却勇敢地揭示了那些光环背后的挣扎、自我怀疑和无数次的推倒重来。读到某位著名编导在创作低谷时期的心境描述，我感同身受，那种想要放弃却又被内心深处的热爱拉回来的拉扯感，非常真实。作者的笔触细腻且富有同理心，他不仅仅是在记录事件，更是在剖析艺术家的灵魂。而且，这本书在理论和实践的结合上做得非常到位，它会先提出一个高屋建瓴的理论观点，然后立刻用具体的某个作品的片段作为佐证，让你既能把握宏观的审美方向，又不会迷失在空泛的理论迷宫里。对于想要深入了解舞蹈艺术内在逻辑的人来说，这绝对是一本绕不开的案头书。

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这本书最打动我的地方，在于它对“传承”的理解。它没有把舞蹈视为静止的技艺，而是看作一条流动的河流，强调“继承”与“创新”之间的辩证关系。作者在探讨如何在新时代保留传统精髓的同时，注入现代审美和思想时，提供了许多非常具有启发性的案例分析。我印象最深的是关于“肢体语言的普适性”那一章，它讨论了在跨文化交流中，舞蹈如何能够超越语言的障碍，直接触动人心。读完这一部分，我突然明白了为什么有些舞蹈作品能拥有穿越时空的魔力。这本书的语言风格非常成熟，逻辑清晰，引经据典却又不显得卖弄，让人读起来非常舒服，有一种被智者引领的感觉。它不是一本教你如何跳舞的书，而是一本教你如何“理解”舞蹈，如何“思考”艺术的书，对于任何一个对舞台艺术有追求的人来说，都是一本值得珍藏的宝典。

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