湿壁画 中央美术学院壁画系材…（VCD） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:北京中录同方音像出版社

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页数:0

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出版时间:1900-01-01

价格:45.0

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isbn号码:9787880103199

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• 壁画
• 中央美术学院
• 艺术教育
• 绘画技法
• VCD
• 教学视频
• 艺术设计
• 美术教学
• 湿壁画
• 绘画材料

敦煌的色彩与匠心：千年石窟壁画的技艺与意蕴 本书系一套深入剖析敦煌莫高窟壁画艺术的综合性著作，旨在为艺术史研究者、美术专业学生以及对中国古代宗教艺术怀有浓厚兴趣的读者，提供一份详尽且富有洞察力的视觉与技术解读。全书不涉及中央美术学院壁画系具体的教学案例或VCD形式的资料，而是聚焦于敦煌壁画这一宏大而精深的艺术遗产本身。 第一卷：敦煌的地理与信仰基石 (约300字) 敦煌，这座位于河西走廊西端的璀璨明珠，不仅是丝绸之路上的咽喉要道，更是佛教艺术东传的重要汇流地。本卷首先勾勒出敦煌及莫高窟的地理环境、历史沿革，特别是其在北魏、盛唐、晚唐等不同历史时期所承载的政治、文化和宗教变迁。我们将探讨佛教信仰如何通过丝绸之路的商旅和僧侣，渗透并扎根于这片黄沙戈壁之中，从而催生出跨越千年的恢宏壁画艺术。重点剖析了佛教“说经”、“变相”等叙事需求，如何直接塑造了壁画的内容主题和构图形式。对早期洞窟的“西域风格”影响、中晚期“汉地化”的演进，以及藏传佛教在元代对敦煌艺术带来的新面貌，进行了细致的年代划分和风格辨析。 第二卷：材料的奥秘——壁画的物理构成 (约500字) 壁画艺术的生命力，很大程度上根植于其独特的物质基础。本卷将详尽地展示敦煌壁画从基层处理到表面绘制的全套“硬功夫”。 基层处理的智慧： 我们将深入考察敦煌石窟特有的“三灰”结构——即底层泥灰、中层面层灰及顶层白垩层的配比与功能。重点解析工匠们如何利用当地的泥土、草料（如麻刀、芨芨草）以及动物胶，调制出既有韧性又适宜作画的基底。书中包含对不同朝代基层厚度、平整度变化的对比研究，揭示不同时期对壁画耐久性的追求差异。 颜料的提取与调配： 敦煌壁画的色彩之绚烂，得益于对天然矿物颜料的精妙运用。本卷将逐一介绍使用频率最高的矿物颜料及其来源、制备工艺：如群青（青金石，常用于佛像的头部和衣褶）、石绿（孔雀石）、朱砂（汞的化合物）、铅丹（用于打底和提亮）、赭石（铁的氧化物，用于大面积铺色和勾线）。特别关注中国本土颜料（如石灰石研磨的白垩、土黄）与外来矿物颜料的融合与替代关系，以及不同矿物颜料在抗氧化、耐光照方面的表现差异。 结合剂与媒介： 壁画颜料的附着力至关重要。本卷将详细分析工匠们使用的动物胶（如皮胶、骨胶）和植物胶（如桃胶、阿拉伯胶）的种类、熬制火候和使用比例，这些因素直接决定了颜料的附着力和光泽度。对于部分需要水墨效果的区域，探讨了墨的运用方式。 第三卷：技法的精进——从草稿到定稿的流程 (约450字) 敦煌壁画的绘制并非一蹴而就，而是一个严谨而多步骤的系统工程。本卷将集中展示从设计到完成的“湿壁画”核心技术流程。 起稿与“粉本”的运用： 深入探讨壁画的初稿绘制技术。早期洞窟多采用“墨线起稿”，而盛唐以后，为了保证构图的精确性，往往先绘制“粉本”（即在纸或绢上完成的完整小样），再通过“搯线法”（即在粉本背面涂抹炭粉，沿线用力刮擦，将轮廓转移到底层墙面）进行转印。书中将配以实例对比分析不同转印痕迹在最终壁画中的残留情况。 敷色与罩染的层次： 详述“随类赋彩”的原则。首先是第一层平涂的“底色”，再是加深轮廓和结构变化的“罩色”。重点阐述“晕染法”——即利用不同深浅的色块，通过细微的过渡和交融，使二维的平面产生体积感和光影效果，尤其是在表现佛像的圆润面容和菩萨的衣褶时。 线条的生命力——勾线与界画： 敦煌壁画的线条是其神韵所在。本卷将分析不同时期勾线的特点，如北魏的“铁线描”、盛唐的“曹衣带水”式的流畅与遒劲。对于建筑、车马等需要高度精确性的“界画”部分，研究工匠如何运用特制的尺具和细笔，完成复杂的透视和结构描绘。 第四卷：艺术的象征与叙事结构 (约250字) 本卷将超越技术层面，转向壁画内容的解读。通过对“说法图”、“本生故事”、“因缘故事”以及“供养人像”的选取与分析，揭示壁画背后的文化逻辑。探讨壁画中人物造型的世俗化趋势、服饰的演变，以及佛教三界图、佛国世界的宇宙观是如何通过视觉语言得以实现的。总结敦煌壁画作为“墙上的百科全书”的独特地位，以及它对后世中国绘画产生的深远影响。 本书以严谨的学术态度和对工艺细节的专注，力图还原敦煌壁画艺术创作的全貌，为读者提供一个全面了解和欣赏这一世界文化遗产的窗口。

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这本书的装帧和设计感真是让人眼前一亮，尤其是考虑到它可能收录的是一些比较专业的艺术材料。封面那种沉稳的色调，配上恰到好处的字体排版，透露出一种对艺术的敬畏和对知识的尊重。我原本以为这种专注于“壁画系材料”的书籍可能会过于学术化，显得枯燥乏味，但拿到手后发现，它在视觉呈现上做得非常出色。无论是纸张的质感，还是印刷的清晰度，都体现了出版方的高标准。光是翻阅目录，就能感受到编者在材料梳理上的用心，似乎每一页都蕴含着厚重的历史和精湛的技艺。我特别期待其中对于不同时期湿壁画材料配方的详尽介绍，比如从古代的石灰熟化技术到现代化学粘合剂的应用，这种跨越时空的对比性研究，对于任何一个严肃的艺术学习者来说，都是无价的宝藏。这本书无疑是为那些真正沉下心来研究壁画技法的人准备的，它不是一本快餐式的艺术读物，更像是一本需要细细品味、反复研读的工具书和参考手册。

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从收藏价值的角度来看，这本书的定位似乎是“艺术材料领域的里程碑式参考书”。对于任何一个希望在壁画、壁塑领域深耕的专业人士或机构而言，它更像是一套必备的工具箱，而不是一次性的阅读材料。这类书籍往往具有较长的生命周期，不容易过时，因为它探讨的是基础的物理和化学原理。我设想，在未来的艺术修复工作或是新材料研发中，这本书里的数据和配方会被反复查阅和引用。它代表着一个特定时期内，国内顶尖艺术院校在某一传统技艺领域所达成的理论和实践的最高集成。因此，它的意义已经超越了简单的学习参考，而更接近于一种学术档案的保存。我期待它能成为我们这一代艺术家与后世进行对话的媒介，让那些精妙的、需要时间来沉淀的工艺智慧，得以长久流传。

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坦率地说，这类技术性强的书籍，如果排版和图示稍有不慎，很容易沦为晦涩难懂的文本堆砌。我非常期待看到书中在视觉传达方面的努力。湿壁画的复杂性在于其过程的不可逆性，文字描述往往显得苍白无力。因此，清晰、高分辨率的步骤图解、材料晶体结构的微观照片，甚至是关键施工节点的放大图，是理解这些技术难点的关键。我希望这本书能够提供足够详尽的视觉辅助，帮助读者在脑海中构建出从拌合到完成的全过程。如果它能做到这一点，那么即便是对于初次接触湿壁画的爱好者来说，也能建立起一个坚实的概念框架。总而言之，这本书的成功与否，很大程度上取决于它能否将那些抽象、微妙的“手感”和“状态”，有效地转化为可被屏幕和纸张捕捉的图像信息。

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初次接触这套资料，我最大的感受是它的“专业深度”。这显然不是那种面向大众的艺术普及读物，它的语言和术语体系是高度专业化的，直指壁画制作中最核心、最技术性的环节。我尤其关注其中对于底层准备（如Arricio、Intonaco等不同灰泥层次的配比和施工要点）的论述。很多关于颜料的研磨、矿物颜料的稳定性和水性媒介的平衡等细节，往往是其他泛泛而谈的艺术史著作中一笔带过的内容，但在这本书里，它们被提升到了近乎实验报告的严谨程度。这对我理解为什么有些古老的湿壁画能历经千年而不褪色，而一些现代尝试却效果不佳，提供了关键的视角。它不仅仅告诉你“是什么”，更深入地解释了“为什么是这样”，这种探究事物本源的精神，正是艺术学习者最需要的。它迫使读者跳出“欣赏”的层面，进入“制造”的思维模式，这对于提升自身的实践能力至关重要。

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作为一名长期关注中国当代艺术教育的观察者，我好奇地想知道中央美术学院壁画系在材料教学上的独到之处。这本书似乎提供了一个窗口，让我们得以窥见这个顶尖学府的教学脉络。它是否包含了中国本土特有的材料处理经验，比如对特定气候条件下的灰泥反应的应对策略？或者在借鉴了欧洲经典技法的基础上，融合了哪些东方材料学的智慧？我希望看到的不仅是理论的罗列，更有那些经过一代代师生验证的“独门秘笈”。如果书中能附带一些早期实验的案例分析，比如某个项目中遇到的材料问题及其解决方案，那将极大地增强这本书的实战价值。它不应该只是一本静态的知识汇编，而应该是一份动态的、充满生命力的技术传承记录。这本书的价值，可能在于它连接了学术殿堂的严谨性与一线实践的鲜活性。

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