北京第九届舞蹈比赛精品集锦 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:北京中录同方音像出版社

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页数:0

译者:

出版时间:1900-01-01

价格:30.0

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isbn号码:9787880104196

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• 舞蹈教学

《古韵新声：中华传统戏曲艺术的传承与创新》 内容提要： 本书是对中国传统戏曲艺术，特别是京剧、昆曲、越剧等主要剧种在当代语境下所经历的深刻变革与蓬勃发展的一次全面梳理与深入探讨。全书聚焦于“传承”与“创新”两大核心议题，旨在展现中华戏曲艺术如何在保持其核心美学精神与表演规范的同时，积极拥抱时代精神，实现艺术形式的现代化表达。全书分为五大部分，深入剖析了戏曲本体、表演体系、剧目研究、人才培养以及跨文化传播等多个维度。 --- 第一章：戏曲本体的再审视——美学范式的坚守与流变 本章从戏曲的本体论出发，探讨了戏曲艺术区别于其他舞台艺术的独特美学特征，如虚拟性、程式化、虚拟空间、写意性等。我们没有关注任何舞蹈比赛的内容，而是将焦点完全集中于戏曲舞台的“虚拟世界”构建。 首先，对“身段”的理解进行了细致的阐释。戏曲身段不仅仅是舞蹈动作的集合，更是承载人物情感、性格和叙事逻辑的符号系统。通过对不同剧种（如京剧的架势功、昆曲的水袖功）在程式规范上的异同分析，揭示了其内在的审美逻辑。例如，京剧强调刚劲、饱满的“精、气、神”，而昆曲则侧重于“柔、润、蕴藉”。 其次，探讨了“板式”与“腔体”的音乐结构。戏曲的唱腔是其灵魂所在，本书详细分析了慢板、快板、流水板等不同板式在表现戏剧冲突和人物心绪上的功能差异，以及不同剧种的音乐母题（如西皮、二黄在京剧中的运用，或南曲、北曲在昆曲中的交替）。我们深入研究了传统剧目中音乐与唱词如何达到“声情并茂”的完美结合，完全避开了对现代音乐或舞蹈节奏的分析。 最后，关注了“脸谱”与“服饰”的符号学意义。脸谱并非简单的化妆，而是社会身份、性格特征的视觉代码，每一抹色彩、每一条勾勒都蕴含着深厚的文化意涵。本书通过图例分析，解读了如曹操的“白堂堂”脸谱、关羽的“红脸”等经典形象的文化密码，并讨论了在现代戏曲设计中如何既保留符号性又增强舞台感染力。 第二章：表演体系的当代转型——名家示范与学术探索 本章聚焦于戏曲表演艺术在当代舞台上的实践与理论探索，完全聚焦于戏曲表演的传承，而非舞蹈技巧的展示。 我们选取了几位不同代际的戏曲大师作为案例进行深入剖析。例如，对某位老一辈艺术家的“手、眼、身、法、步”的精微之处进行记录和分析，探讨他们如何在日常排练中将祖师爷的规矩内化为自身的“第二本能”。这部分内容是对传统功法和舞台经验的抢救性记录。 同时，本书也关注了中青年演员在面对新编历史剧和现代戏时，如何进行“程式的现代化转译”。探讨了如何在不破坏戏曲程式的前提下，通过节奏的微调、身段的精炼，使角色更符合当代观众的审美习惯。这绝非是对程式的简单简化，而是一种基于深刻理解后的“创造性转化”。我们详细描述了如何通过对“亮相”的结构调整，增强其爆发力和冲击力，同时保持其古典韵味。 此外，本章还专门设立了“戏曲导演学”的探讨，分析了当代戏曲导演在构思整场戏的调度、灯光与虚拟布景的配合上，如何服务于戏曲本体的美学要求，确保技术手段的运用是“为戏曲服务”，而非“凌驾于戏曲之上”。 第三章：经典剧目的再挖掘与新编——文本的生命力与时代的对话 本章主要探讨经典戏曲文本的生命力以及新编戏对传统资源的激活。我们没有涉及任何现代舞蹈作品的选段，而是关注文学叙事。 对于传统经典（如《牡丹亭》、《霸王别姬》等），本书从文本学角度进行了细致的爬梳，对比了不同声腔流派对同一剧目在唱腔处理上的差异，以及不同历史时期舞台表演风格对剧目诠释的影响。例如，分析了在不同时期，舞台上对杜丽娘“梦游仙境”一场景中“痴”与“美”的表达侧重点有何不同。 在新编历史剧的研究中，我们严格审视了“新编”的尺度。成功的范例是如何在保持原作精神内核与审美基调的前提下，通过增补新的戏剧冲突点、优化不适应现代审美的冗长段落来实现的。我们探讨了新编剧作家如何学习传统戏曲的“韵白”技巧，使新创作的唱词依然具有板眼和韵脚的美感，而非简单的口语对白。例如，分析了一部新编戏中如何成功塑造了一个具有现代意识的女性形象，而其唱腔依然沿袭了某一特定剧种的经典腔调。 第四章：人才培养的困境与出路——教育体系与传承机制的革新 本章直面戏曲教育体系在市场化冲击下面临的挑战，完全从戏曲学校的教育内容和培养目标角度展开论述。 我们详细考察了戏曲专业院校的“科班教育”模式。这套模式强调长期、系统的训练，尤其是在童子功阶段的基础训练。本书细致描述了基础训练中对“武功”和“文功”的拆解训练，如对“把子功”、“翻打功”的每日操练，以及对基本手势、眼神的长期训练。 同时，本书探讨了“以戏带功”、“以戏育人”的教学理念如何在当代得到强化。传统戏曲的传承往往依赖“师徒制”的口传心授，而现代院校如何将这种非结构化的经验系统化、模块化，成为关键课题。我们对比了不同院校在开设“剧目学”课程时的侧重点差异，以及如何平衡传统剧目的学习与新创作的实践。 第五章：戏曲的跨界与国际传播——文化符号的“译码”挑战 本章关注戏曲如何作为中华文化的重要符号走向世界舞台，完全不涉及任何现代舞蹈艺术的国际交流活动。 我们重点分析了戏曲“走出去”时，如何进行有效的“文化译码”。戏曲的程式化表演对于不熟悉背景的西方观众而言，理解门槛较高。本书探讨了通过现代舞美设计（如灯光、多媒体辅助）、精简剧目时长、以及在海外演出时加入中英文字幕和导赏环节等方式，来降低理解障碍。 成功的案例分析集中在，哪些经典剧目的哪些选段，因其普世的情感主题（如爱情、忠义）更容易引起国际共鸣。我们分析了如何通过对服装、布景的“提纯”处理，既保留中国风的视觉冲击力，又不至于因过于繁复而分散观众对表演本身的注意力。本书旨在说明，戏曲的国际传播核心在于“讲好故事”，并让观众“理解符号的意义”，而非简化其艺术形式。 --- 总结： 《古韵新声：中华传统戏曲艺术的传承与创新》是一部致力于系统梳理中国传统戏曲艺术在当代文化生态中如何保持其生命力的学术专著。全书始终坚守对戏曲本体美学的尊重，对表演艺术的精湛技艺的探究，对经典文本的深度挖掘，以及对人才培养和国际传播的审慎思考。本书是一扇深入了解京剧、昆曲等宏大舞台艺术的专业窗口，其内容严格限定于戏曲艺术的各个层面。

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说实话，我对这类官方性质的“精品集锦”一直持保留态度，总觉得它们缺乏真正的批评精神和个性化的解读，更像是一份安全、中庸的官方宣传册。然而，这本书的某些章节却以一种出人意料的犀利角度切入了对当代舞蹈趋势的探讨。我特别喜欢其中一篇关于“技术与情感平衡”的随笔，作者毫不留情地指出了当前一些年轻舞者过度追求技巧炫耀而牺牲了作品内在张力的问题，这种敢于直言的勇气在同类出版物中是极其罕见的。读到那些分析时，我常常需要停下来，合上书本，仔细思考自己对一些著名作品的固有印象是否因此受到了颠覆。这种智力上的挑战和碰撞，才是我真正期待从一本优秀的艺术书籍中获得的体验。此外，它对不同流派舞蹈的文化根源和地域特色的挖掘也做得非常到位，不再是简单地贴上“古典”、“现代”的标签，而是深入到民族文化和历史语境中去寻找舞蹈语汇的源头。这本书更像是一本舞蹈理论研究的入门读本，而非简单的赛事剪影。

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这本书的阅读过程对我而言，与其说是“阅读”，不如说是一场跨越时间和空间的“拜师之旅”。我发现其中收录了一些非常资深的舞蹈界前辈对新一代舞者的寄语和建议，这些文字的信息密度和含金量极高。他们分享的不是舞台上的技巧，而是作为一名舞者数十年沉淀下来的艺术哲学和面对创作瓶颈时的心路历程。例如，有一位老艺术家的段落，谈及如何从模仿自然形态中提炼出舞蹈语汇，那种对观察生活和提炼素材的细致描述，让我对“生活即是素材”这句话有了全新的理解。我甚至将其中几段关于“如何处理留白和静默”的论述抄写了下来，贴在了我的工作区域。这本书成功地搭建了一座老一辈艺术家与年轻一代传承者之间的桥梁，它传递出的不仅仅是“谁跳得好”，更是“为什么要这样跳”的深刻思考。

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坦白说，我最初对这本书的兴趣点仅仅在于记录某几年某个特定地域的舞蹈盛况，希望能从中找到一些地方特色舞蹈的演变线索。然而，这本书的格局和广度完全超出了我的预期。它不仅仅是记录，更是在构建一个时代的舞蹈生态图景。书中穿插的对当时社会文化背景的简要介绍，巧妙地将舞蹈艺术的勃发与整个城市或地区的文化脉搏联系起来。比如，在介绍某个充满实验精神的作品时，作者会提及当时本地艺术思潮的开放程度，这种宏观视角让每一支舞蹈都拥有了更厚重的历史底色。这让我意识到，舞蹈从来不是孤立存在的，它是社会情绪的晴雨表。阅读完后，我得到的收获远不止是了解了几场精彩的演出，而是对理解“艺术如何反映并影响社会”有了一套更立体的分析框架。这本书就像是为我提供了一副高倍显微镜，让我能以前所未有的清晰度去观察一个特定时期中国舞蹈艺术的复杂肌理。

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这本书的封面设计着实抓人眼球，那种浓郁的色彩和动感的线条，一下子就让人联想到舞台上旋转的身影和迸发的激情。我本来是抱着一种“凑个热闹”的心态买回来的，毕竟名字听起来就带着一种官方汇编的意味，总担心内容会过于刻板或者只是简单地罗列获奖名单。然而，翻开第一页，我就被那种细腻的文字描述所吸引了。作者显然不是一个简单的记录者，他/她更像是一位资深的艺术评论家，对舞蹈的每一个细节——从舞者的呼吸节奏到光影在绸缎上的折射——都有着近乎偏执的捕捉。尤其让我印象深刻的是对一个名为《山河故人》的群舞的描述，文字的张力简直能让人在脑海中重现那一幕幕辽阔与悲怆交织的画面，那种对时代变迁下个体命运的深刻挖掘，远远超出了普通赛事回顾的范畴。我感觉自己仿佛置身于现场，甚至能嗅到舞台上特有的一种混合着汗水和松香的味道。这本书的排版也非常讲究，图片的选取角度刁钻而富有艺术感，每一张定格的照片都像是一件独立的摄影作品，充满了叙事性。我甚至会花很长时间去研究那些舞蹈服装的面料和色彩搭配，从中解读出编导的深层用意。

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这本书的装帧和印刷质量简直是业界良心。我是一个对实体书质感要求很高的人，很多印刷品，尤其是涉及大量彩色图片的书籍，常常因为纸张的粗糙或者色彩的失真而大打折扣。但这本书的纸张选择非常细腻，那种略带哑光质感的铜版纸，完美地承载了舞台灯光的复杂层次感。即便是那些高对比度的黑白剧照，在这样的纸张上也能呈现出丰富的灰阶过渡，完全没有出现油墨堆积或者细节模糊的问题。更值得称赞的是，它对不同舞蹈类型的色彩还原度极高，无论是水袖的嫣红，还是水袖的靛蓝，都显得饱满而真实，仿佛触手可及。我甚至愿意把它放在客厅的书架上，仅仅作为一件艺术品来欣赏，它散发出的那种低调的奢华感，绝非一般商业出版物可以比拟。这种对物理载体的尊重，无疑提升了阅读体验的层次。

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