具体描述
查尔斯·麦克拉斯指挥澳大利亚歌剧院于1990年演出的《纽伦堡的名歌手》同样搬用的是拜鲁伊特三十余年前的旧制作，这也是战后创作的与1868年首演版本最接近的制作，布景、道具、服装和人物造型严格忠于历史，可以作为瓦格纳歌剧的欣赏入门版本。
虽然远在澳大利亚的悉尼歌剧院，那里的乐团和合唱团的水平还无法和德奥歌剧院相比，但是麦克拉斯是一位非常注重细节和音色的指挥，而且他很有底气，在整体塑造上使乐团有超水平发挥。
这个版本最可称道的是有三个大明星支撑：饰演鞋匠萨克斯的唐纳德·麦金泰尔、饰演瓦尔特的保罗·弗雷、饰演爱娃的海伦娜·多伊斯，此三人都有在拜鲁伊特演唱10年以上的经验，特别是麦金泰尔，曾经是1980年代前后最优秀的沃坦演唱者。弗雷在拜鲁伊特唱过瓦尔特、唐豪塞、帕西法尔和罗恩格林，是这四个骑士角色有史以来最英俊的扮演者。这次在悉尼歌剧院的演出，弗雷虽然已经年龄偏大，但高贵稳重的气质丝毫不减，嗓音也更加圆润，歌声很美。
其实这次演出比较令我吃惊和享受的是饰演大卫、马格达伦娜和众师傅歌手的演员，他们每个人都有很好的嗓子和表演能力，把这部“喜剧”演得有声有色，生动活泼，真让人怀疑是否他们都是从欧洲请过来的。
作者简介
《纽伦堡的名歌手》
三幕歌剧，又译作《纽伦堡的工匠歌手》，瓦格纳编剧并谱曲，1868年6月21日首演于慕尼黑宫廷国家剧院。
故事发生在16世纪中叶德国的纽伦堡。
外省骑士瓦尔特·冯·施托尔津爱上金匠珀格纳的女儿爱娃，但是珀格纳已经答应将女儿下嫁在即将举行的歌唱比赛上获胜的歌手，于是瓦尔特决意参加比赛。由于不熟悉歌唱要领及比赛规则，加上一心想娶回爱娃的书记员贝克迈塞在计分时从中作梗，瓦尔特在预赛中即被淘汰。但是鞋匠萨克斯在瓦尔特身上发现那洒脱不羁的天才所蕴含的一种力量，那不受成规约束的歌唱使他预感到已经墨守成规的迂腐艺术向更高理想突破的时机即将到来。
当天晚上，失望的瓦尔特准备劝诱爱娃与其私奔，这时贝克迈塞跑到爱娃的窗前对着假冒爱娃站在窗前的侍女马格达伦娜唱起小夜曲。萨克斯在门口做鞋，用钉锤在铁砧上一下下敲打以记录他歌唱中的错误，结果吵醒四周邻居，街头一通混战，贝克迈塞挨了暗恋马格达伦娜的萨克斯徒弟大卫的棒打。趁着混乱，萨克斯将瓦尔特拉进自己家里，也让爱娃悄悄回到家里。
第二天早晨，瓦尔特告诉萨克斯他在梦中得到一首歌，当他试唱时，萨克斯不胜神往，当即把
歌词和曲谱记录下来，并作了修改。两人进屋以后，贝克迈塞一瘸一拐走进来，他本来是找萨克斯有事，但看到桌上放着萨克斯手录的歌谱，赶忙将其偷走。正式赛歌大会上，由于贝克迈塞不理解歌中的意思，唱得一塌糊涂，被哄下台去。轮到瓦尔特唱时，他用音乐将诗中的美丽传达出来，赢得全场喝彩。爱娃为瓦尔特戴上花冠，珀格纳授予他“工匠歌手”的称号。萨克斯赞赏了瓦尔特的艺术与纯洁精神，全体人员也向萨克斯表达了敬重之情。
《纽伦堡的名歌手》创作于《特利斯坦与伊索尔德》之后，它不论在剧情上还是音乐上都与前者形成鲜明对照。这正好与古希腊戏剧中悲剧之后是喜剧的惯例相暗合。它叙述的是纯粹人间的故事，是一部真正的舞台庆典剧。节日和欢快的因素在剧中成为诗歌和音乐的根本对象，音乐也是纯人间的，充满阳光和快感，使用的也是刚健的自然音阶的语言。在《特利斯坦与伊索尔德》那里出现的热情沸腾的半音音阶手法，动荡的、阴暗的调性，永恒延缓的终止，在此统统不见。这是音乐史迄今为止最丰富多彩的一个全音阶体系，它的和弦和基调关系中保存一种明快的感觉，这对剧中人物及其情节至关重要。
瓦格纳用事实证明，他可以写出最好的通俗戏剧。所谓通俗，便是将神话剧中被废弃了的幽默、抒情和奇妙的沉思以及人物性格的生动描写，最重要的还有某种纯朴自然的新歌，完美地结合在一起。在瓦格纳日益娴熟的主导动机运用过程中，一些喜剧的场面用最庄重、最富诗情的场景交替出现，这里还可以发现被改编的无法辨认的旧歌剧的合唱与合奏。
除却高超的艺术性，本剧的弦外之音是对贝克迈塞这个人物的刻画。最普遍的说法是他被看作对维也纳音乐评论家汉斯利克的影射。他是一个激烈的反瓦格纳派，据说他也深知这一点，并认为这出戏对他本人是一种侮辱。作为贝克迈塞的对立面，瓦尔特是艺术新方向的象征，是新艺术革命的勇士，他天生具备音乐与诗歌的天才，根本没有把沿袭已久的陈规陋习放在眼里。这似乎就是青年时代的瓦格纳，一个“自在的”瓦格纳派艺术家。
与瓦尔特相比，鞋匠萨克斯才是瓦格纳倾注心血、刻意塑造的理想贤人形象。他一身兼具血气方刚的勇猛和饱经风霜的老练，是瓦格纳新美学意义上的真正艺术家，被称之为“人民艺术创造精神的最后一个代表”。他一面保守着艺术传统中最好的部分，同时又能辨别出新的艺术美妙之处。他想把天才的权力同艺术规则，灵感的自由同传统的秩序协调起来，这一切正好和成熟期瓦格纳的艺术理想趋于一致。所以剧中萨克斯和瓦尔特的胜利实际上便是瓦格纳的胜利，这种胜利算不上十分辉煌，因为那是一种传统与新奇调和的结果。
目录信息
读后感
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用户评价
这部DVD的包装设计确实挺吸引人的，封面上的字体和色彩搭配很有古典韵味，一下子就抓住了我的眼球。我拿到手的时候，首先关注的就是碟片的做工，拿在手里感觉沉甸甸的，这种质感让人觉得里面的内容肯定也经过了精心的打磨。光盘表面印制的图案也很精致，充满了艺术气息，光是看着这个外壳，我就已经对即将开始的观看之旅充满了期待。封底的文字介绍虽然简短，但信息量很大，提到了制作团队的背景和一些幕后的花絮，这对于我这种喜欢深入了解作品的观众来说，是非常重要的加分项。总的来说，从视觉到触感，这部DVD的出品方在细节上的用心程度是毋庸置疑的，让人愿意花时间去探索它所承载的艺术价值。
评分看完之后，我用了很长时间平复心情，这部作品的影响力远远超出了单纯的娱乐范畴。它引发了我对“艺术的本质”、“传统的继承与发展”等宏大命题的思考。DVD中特别加入的几段访谈片段，虽然简短，却提供了导演和主演们对角色的独到见解，这些“幕后之声”帮助我更立体地理解了他们是如何在有限的舞台空间内，去表达那些跨越时代的精神诉求。对于任何一位热爱歌剧、对艺术史有浓厚兴趣的观众而言，这部DVD不仅仅是一张影音碟片，更像是一份珍贵的艺术文献，值得反复品味和珍藏，它带来的精神滋养是无可替代的。
评分说实话，我对这类经典作品的现代改编一直抱持着审慎的态度，担心过度的“创新”会稀释原作的精髓。然而，这部DVD的视觉呈现却出乎意料地平衡了传统与现代的审美。舞台布景的设计大胆而富有象征意义，没有过多写实的元素，却精准地捕捉了剧中人物复杂的内心世界。灯光的使用简直是教科书级别的，每一束光影的移动都仿佛是角色情感的延伸，它们时而将主角笼罩在英雄的光环之下，时而又暗示着命运的无常和人性的挣扎。服装的选择也十分考究，材质和色彩的选择都服务于整体的戏剧张力，使得每一帧画面都像是一幅精心构图的油画，极具观赏价值。
评分音质的还原度是我衡量任何音乐载体的硬性标准。我用我的高保真音响系统进行了测试，结果非常令人满意。管弦乐队的层次感被清晰地分离出来，铜管的辉煌、弦乐的细腻以及打击乐的冲击力，都得到了极佳的平衡，没有出现任何器材上的“轰鸣”或“糊掉”的现象。更难得的是，独唱演员的声音表现力极其出色，他们的发声技巧和情感处理都达到了炉火纯青的地步。特别是高音部分的穿透力和低音的厚重感，都处理得恰到好处，展现了演唱者在巨大舞台压力下的稳定发挥，这种现场收录的真实感，是录音室版本难以企及的震撼。
评分我花了相当长的时间研究了一下这个版本的历史背景，它显然不是一个寻常的录像制品，而是对某个特定时期或某位重要指挥家/导演诠释的忠实记录。我特别留意了碟片里附带的说明书，里面详细解析了这部作品在音乐史上的地位以及它在特定演出季中的反响。那种深入骨髓的学术探讨，让我意识到这不仅仅是一场表演，更是一次对歌剧传统进行对话的尝试。当我把碟片放进播放器，音乐的前奏响起时，我立刻感受到了一种扑面而来的庄严感，仿佛被带到了那个宏伟的歌剧院现场，空气中弥漫着历史的尘埃与艺术的激情。这种沉浸式的体验，是仅仅通过音频文件无法比拟的，它完整地保留了现场的声场和舞台的氛围。
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