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出版者:陕西旅游出版

作者:刘芳

出品人:

页数:63

译者:

出版时间:2005-5

价格:10.80元

装帧:简裝本

isbn号码:9787541821981

丛书系列:

图书标签:

• 钩编
• 手工
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• 家居装饰
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《古籍遗珍：宋代书画鉴赏与流传史》 内容简介 本书旨在深入探讨宋代书画艺术的辉煌成就及其在历史长河中的流传轨迹。全书共分六章，约三十万字，力求通过详实的史料考证与细致的艺术分析，为读者构建一个立体而丰满的宋代书画世界。 第一章：时代背景与艺术思潮 本章首先梳理了北宋至南宋特定历史时期下，政治格局、社会结构与文人阶层兴衰对艺术发展的影响。重点分析了理学兴起如何渗透到审美观念之中，促使文人画从注重技巧向强调“意境”和“格调”的转变。阐述了院体画在宫廷审美指导下的精致化倾向，以及民间艺术的勃兴与相互影响。本章通过大量对同时期文献如《宣和画谱》、《图画名录》的引用，勾勒出宋代艺术评论体系的雏形与演变。 第二章：北宋山水画的巅峰探索 本章聚焦于北宋山水画的风格演变，从李成、范宽的雄浑壮阔，过渡到郭熙“可游、可居、可观”的理论构建。详细剖析了“全景式”构图与“咫尺千里”意境的实现方式。特别辟出专节分析范宽《溪山行旅图》的笔墨语言与结构布局，探讨其如何确立了后世北方山水画的典范。同时，对米芾、米友仁父子的“米家皴”及其对水墨晕染技法的革新进行了详尽的技法拆解。 第三章：宋代人物画与花鸟画的写实精神 人物画部分，侧重于李公麟“白描”技法的再现及其对后世白描艺术的深远影响。研究了其“传神写照”的理念，并结合对宋徽宗《听琴图》等作品的分析，探讨院体人物画在捕捉瞬间神态方面的极致追求。 花鸟画部分，则深入剖析了写实主义在宋代的空前发展。从黄荃的富贵气象到崔白对自然生命力的捕捉，本章着重分析了“不加雕饰”的写生手法如何体现了宋人对自然本真的敬畏。对宋徽宗“瘦金体”与花鸟画的结合，作为帝王艺术的独特范例，进行了细致的考证与解读。 第四章：宋代书法艺术的典范与流变 本章将宋代书法划分为早期、中期和晚期三个阶段进行探讨。详细考察了苏轼“尚意”书风的形成，分析了其如何将文人趣味融入笔墨，打破了唐代楷书的束缚。对黄庭坚的“长枪大戟”式行草，阐释了其如何通过结字的长向延伸来表达内在的气韵。周详地对比了蔡襄的沉稳端庄与米芾的欹侧灵动，指出宋人书法已不再将法度视为唯一标准，而是将个人性情与笔墨融为一体。本章还包含对宋代刻帖的整理，分析了刻本质量对原作精神流传的影响。 第五章：宋代书画的流传、收藏与鉴定 本章转入艺术史的物质层面。系统梳理了宋代书画从宫廷到士大夫家族、再到寺观、乃至流入金元时期的流传路径。重点研究了南宋“绍兴内府”的收藏体系的建立与瓦解，以及元代文人对宋人旧作的“搜集与品评”。 鉴定部分，基于对大量传世作品印章、题跋、装裱风格的交叉比对，总结了鉴定宋代书画真伪及辨识摹本与上款人的核心方法论。提出了“从笔墨气息判断作者时代性”的重要性，并列举了十个关键案例进行实证分析。 第六章：宋代艺术的后世回响 本章探讨了宋代书画艺术对元、明、清乃至近现代艺术的持续影响。分析了元代“四大家”如何汲取宋人“意境”的营养，发展出新的水墨语言。清代“四王”在追摹宋代“古意”的过程中，对宋法产生了哪些继承与误读。本书最后总结了宋代“尚理尚意”的审美观如何成为中国传统艺术精神谱系中不可或缺的核心支柱，并对当代学者对宋代艺术的最新研究成果进行了简要评述。 全书配有数百幅高清原色图版，力求在学术深度与可读性之间找到最佳平衡点，适合从事艺术史研究的学者、资深收藏家以及对中国传统文化有浓厚兴趣的普通读者。

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天呐，我最近发现了一本简直是为我量身定制的宝藏书籍！这本书的封面设计就充满了北欧简约风，光是看着就让人心情舒畅。我尤其喜欢它内页的排版，那种留白的处理，让眼睛在阅读复杂图解时得到了极大的放松。它不是那种把所有东西一股脑塞给你的教材，而是像一个经验丰富的朋友在手把手地教你。我之前对一些复杂的针法总是望而却步，总觉得那些教程写得晦涩难懂，但这本书里，对每一个基础的起针、加针、减针的步骤，都配上了清晰到近乎苛刻的特写照片。我记得我第一次尝试做那个“菠萝花”边时，卡在了某个转角，正准备抓狂，翻开书的对应章节，那里的说明文字不仅用了生动的比喻，比如“想象你在编织一串珍珠项链”，还巧妙地用箭头和数字标注了线材的走向，我一下子就茅塞顿开。而且，这本书的作者显然非常理解初学者会遇到的那些“坑”，它没有避开那些容易出错的地方，反而设置了专门的“常见错误及修正”小栏目，这简直是救星！读完第一章，我竟然能自信满满地完成了一个小小的圆形垫子，那成就感，无与伦比。这本书的价值，在于它不仅仅教你“怎么做”，更重要的是教你“为什么这么做”，这才是真正提升技能的关键。

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这本书的实战性强到让人惊叹，完全不是那种只停留在理论层面的“花架子”。我最欣赏的一点是，它涵盖了从最基础的毛线材质辨识到不同钩针尺寸对成品密度的影响，这些都是我过去在网上零散学习时忽略的细节。特别是关于色彩搭配的那一章，简直像一本微型设计指南。作者没有给出死板的颜色组合，而是提供了基于色彩理论的搭配建议，比如如何利用对比色增加图案的立体感，如何使用莫兰迪色系营造高级的视觉效果。我按照书里的建议，为一个婴儿连体衣选择了三种柔和的渐变色，成品出来后，连我那些平时不怎么关注手工的朋友都忍不住夸赞了好几句，说看起来非常专业。更棒的是，书里推荐的几种实用小物件的制作方法，比如收纳筐、车载手机袋，都非常贴合现代生活需求，不是那种做了就束之高阁的装饰品。我上周周末一口气钩了两个马克杯套，效率高到我自己都吓一跳，这完全归功于作者对材料用量和时间预估的精准把握，让人可以高效地安排自己的制作时间。

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说实话，市面上很多手工书的教程图片要么太暗，要么角度太刁钻，让人看了半天都在猜作者到底想表达什么。但这本书在这方面做得极为出色，简直是视觉艺术品级别的展现。它的摄影技术一流，每一针的走向都像是用高清微距镜头捕捉下来的，光线处理得恰到好处，没有多余的反光，所有线圈的纹理都清晰可见。我特别喜欢它对于立体造型的展示方式。比如那个复杂的立体花朵教程，作者不仅提供了平面的图解，还配上了多角度的实物照片，让你能直观地感受到花瓣是如何从平面过渡到立体的。有一次我尝试做一个立体动物造型的零钱包，遇到一个耳朵的连接问题，我把书翻到那一页，发现作者特意用虚线和实线结合的方式，标出了隐藏的缝合路径，这种细致入微的处理，真的体现了作者对钩编艺术的深度理解和尊重。读这本书的过程，与其说是学习，不如说是一种享受，它让枯燥的重复性劳动变成了一种充满美感的创作过程。

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最让我感到惊喜的是这本书的“进阶思维拓展”部分。它不满足于仅仅教会你制作已有的款式，而是试图培养读者的设计能力。作者提供了一套系统的方法论，教你如何将现有的基础花样进行“模块化组合”。比如，它会展示如何用A种花边、B种针法，结合C种边缘处理，创造出一个全新的作品结构。我根据这个思路，把书里教的基础方块单元，应用到了一块野餐垫的设计上，我将不同的颜色和纹理的方块以不对称的方式排列，最终的成品充满了现代艺术感，完全超越了我以往只能照着图纸做的水平。这种“授人以渔”的教学方式，才是真正有生命力的教程。读完后，我不再是被人牵着走的徒弟，而是开始主动思考如何优化、如何创新，这本书真正点燃了我作为创作者的热情，让我对手工制作这件事有了更深层次的敬畏和热爱。

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我个人对那种一味堆砌复杂花样而不顾实用性的书籍非常反感，但这本书的平衡感拿捏得极妙。它收录的作品既有适合展示技艺的华丽图案，但更多的是偏向日常使用和快速成就感的项目。例如，它有一个关于“快手围巾”的章节，利用了一种非常简单的长针与短针交替的结构，但通过选择粗细不同的毛线，就能产生完全不同的风格效果。我用最粗的羊驼毛线，不到两个下午就完成了一条厚实又保暖的围巾，这对我这种工期敏感型选手来说，简直是福音。另外，这本书对钩针工具的介绍也非常接地气，它没有盲目推荐最贵的品牌，而是根据不同的线材特性，建议使用哪种材质的钩针（比如竹制、铝制），并解释了它们各自的优缺点。这帮助我淘汰了一些不适合手感的工具，也让我明白了为什么有些时候钩出来的作品会“打滑”或“涩手”。这种务实的态度，让这本书的含金量大大提升。

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