菊坛精典京剧大师马连良演唱艺术特辑·肆老唱片系列(CD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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isbn号码:9787799206363

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《梨园遗韵：京剧名家珍贵录音选集》 本书特色： 本书是一部精心编纂的京剧艺术珍贵录音资料汇编，旨在向当代戏迷及戏曲研究者呈现二十世纪中叶中国京剧艺术的辉煌面貌。我们精选了数位在京剧史上留下深刻印记的艺术大家，通过他们留存下来的历史性唱片录音，构建出一个立体的、可供深入研究与欣赏的艺术图景。本书不涉及任何关于“菊坛精典京剧大师马连良演唱艺术特辑·肆老唱片系列”的具体内容，而是聚焦于同期或相近历史时期，其他几位重量级艺术家的演绎风格、流派传承以及艺术特色。 内容结构概述： 本书共收录了五位在不同领域具有开创性贡献的京剧表演艺术家（非马连良先生）的代表作录音文稿、乐谱节选、以及资深评论家的深度赏析文章。全书分为五大部分，每部分对应一位艺术大家，力求从不同侧面展现二十世纪上半叶京剧艺术的多元发展趋势。 --- 第一部分：程派青衣的“静”与“美”——关于程砚秋先生早期录音的再审视 本部分着重探讨程派艺术的精髓——“程音”的独特韵味及其在历史录音中的体现。我们选取了程砚秋先生在三十年代至四十年代初期灌制的几段标志性唱段，如《锁麟囊》中的“一霎时把 H 痛楚”，以及《虹桥赠珠》中的关键唱段。 艺术分析侧重： “哭腔”的内敛处理： 详细对比了程先生在不同录音版本中，对“哭腔”的运用如何从早期的外放转向后期的内敛与克制，尤其关注其气息控制与润腔技巧的细微差别。 板式结构的创新： 分析了程先生如何将传统板式结构进行个性化处理，例如在某些慢板中加入大量的“拖腔”和“滑音”，营造出一种凄美、悠远的气氛。我们附带了这些唱段的工尺谱节选，便于专业人士研究其旋律走向。 舞台身段与唱腔的互文： 虽然是唱片录音，但我们结合了当时舞台演出的记录，探讨程先生的“一走一停，一颦一笑”是如何通过声音细节被完美转译的。 第二部分：荀派的灵动与“荀腔”的时代变迁——以荀慧生先生的初期作品为例 本部分聚焦于旦角艺术中以灵巧、娇俏著称的荀派。我们选取了荀慧生先生的代表作，如《红娘》中的“小姐未曾发话”，以及《勘玉 জাপান》中的几段关键唱段的早期录音版本。 艺术分析侧重： “脆亮”的音色构建： 荀派艺术的魅力在于其音色的“脆度”与“亮度”。我们通过对录音波形图的初步分析（非技术性描述），探讨荀先生是如何通过小嗓的运用和气息的爆发力，形成这种独特的听感。 念白的节奏感： 荀派念白极富音乐性。本部分特别收录了数段由著名语言学家对荀先生念白节奏的解析，指出其如何将口语的自然韵律融入京剧的韵律体系中。 流派的继承与发展： 对比了荀先生早年录音与他晚期艺术风格的演变，特别是其对流派规范的坚守与对市场需求的适应性调整。 第三部分：架子花脸的“雄浑”与“说唱”的艺术——探究周信芳先生的“麒派”风格 本部分聚焦于京剧的“丑行”——特别是架子花脸的创新者周信芳先生。本书收录了其经典剧目《海瑞罢官》及《打严嵩》中的部分片段录音。 艺术分析侧重： “麒派”唱法的独特性： 深入剖析“麒派”唱法中“以老生唱法演丑角”的特点，特别是其对气口的处理，如何做到在保持雄浑气势的同时，又不失角色的幽默感。 “说唱”的节奏张力： 周先生的“说”常常比“唱”更具张力。本章通过对《打严嵩》中几段“数白”的细致梳理，展示其如何通过语速的忽快忽慢，营造出强烈的戏剧冲突。 文武兼备的体现： 分析了在涉及武打场面的唱段中，周先生如何通过声音的骤停与爆发，来暗示舞台上的动作幅度。 第四部分：新老生派的交汇——关于杨宝忠先生艺术特点的侧录 本部分关注的是对京剧老生行当产生深远影响的杨宝忠先生。由于杨先生录音存世量相对稀少，本章选取了其最为珍贵的几段“学唱”录音。 艺术分析侧重： “学唱”的艺术价值： 探讨杨先生在早年录音中如何吸收了谭、余等流派的优点，并将其融合到自己独特的“杨派”韵味中。强调其声音的“厚度”和“沉稳感”。 “以情带声”的体现： 分析杨先生在演绎如《战太平》等需要深厚情感支撑的唱段时，如何做到声腔的饱满与情感的内敛并行不悖。 伴奏的配合： 附录了当时伴奏乐队（京胡、月琴等）的配置情况，探讨这种特定历史时期乐队风格对杨派演唱的衬托作用。 第五部分：京剧音乐的记录与保护——历史录音的文献价值 本部分作为总结和延伸，不聚焦于某一位大师，而是探讨这些早期唱片作为历史文献的不可替代性。 文献价值探讨： 录音技术对艺术的制约与促进： 讨论二十世纪三十至五十年代的录音技术（如电台录音、留声机灌制）如何影响了艺术家对气息和音量的控制，以及这种限制反过来如何催生了某些独特的唱法。 剧本的差异性： 对比了这些录音版本与后来出版的官方剧本在唱词、道白上的细微差异，揭示了京剧在不同历史时期的口头传承与版本流变。 非物质文化遗产的载体： 强调这些“老唱片”不仅是艺术作品，更是研究中国近现代戏曲史、社会文化史的重要原始资料。 本书价值定位： 本书并非简单的唱片曲目罗列，而是通过对珍贵历史录音片段的细致拆解与深入评述，为戏曲爱好者和专业研究者提供一个回溯京剧艺术黄金时代，理解流派形成与发展脉络的独特视角。它是一份对逝去艺术瞬间的严肃致敬与文献整理。

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我特别欣赏这次特辑在细节处理上的用心，这才是体现专业水准的地方。很多老唱片系列，光有曲子好听是远远不够的，相关的背景资料、演出注释同样重要。但这套“菊坛精典”系列，不光是把声音做好了，连附带的说明册都做得像是学术论文的节选。里面对每一出戏的来龙去脉、马先生在其中的独特处理方式，都有非常详尽的考证和分析。比如，对某一腔调的换气方式，或是对某个角色的处理哲学，都有图文并茂的解释。这让我明白了，我们听到的那些看似信手拈来的演唱，背后凝聚了多少心血和思考。这对于我们这些业余票友来说，简直是最好的“偷师秘籍”。它不是冷冰冰的艺术品陈列，而是一份充满温度、能够指导实践的艺术指南，让人对马先生的敬意油然而生。

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说句实在话，收藏老唱片常常伴随着一种“可望而不可即”的遗憾感，总觉得原汁原味的东西已经失传了。但这张马连良特辑，成功地在“保存历史”和“适宜聆听”之间找到了一个完美的平衡点。我听过一些修复过度的版本，结果是声音变得“假”，失去了老录音特有的那种空气感和现场的呼吸。而这张“肆”辑显然把握住了火候，它清晰、干净，但又保留了胶片时代那种特有的韵味——那种仿佛能透过声音感受到幕布微微颤动的历史厚重感。在安静的夜晚，关上灯，戴上最好的耳机，播放《四进士》里的几段，那种穿透时空直击心灵的感染力，是任何现代数字录音都难以企及的。这不仅仅是怀旧，这是一种对艺术真实性的追求。

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我必须承认，我以前对马连良先生的印象可能有些固化，认为他的艺术是“端庄有余，激情不足”。但听完这套特辑后，我的看法彻底颠覆了。这张专辑里收录了一些相对少见的、更具爆发力的段子，充分展示了马派艺术中那股沉在水面之下的暗流。他的“沉稳”并非意味着缺乏力量，而是一种对力量的极致控制和内敛。他能将高亢的情绪，用一种极为克制、甚至带着一丝“文弱书生”姿态的方式表现出来，反而更能激发听者的想象空间，让人回味无穷。这种张弛有度的处理手法，让他的艺术拥有了极强的生命力和解读空间。这张特辑成功地打破了我对这位老艺术家的刻板印象，让我以一个全新的角度去重新认识和欣赏“马派”艺术的博大精深。

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说实话，我对京剧的了解不算科班出身，更多是凭着一股对传统艺术的喜爱在摸索。当我入手这套“肆”辑时，其实是抱着“听听看”的心态，毕竟马连良先生的地位太高了，总担心新出的整理本会删减或改动什么。然而，这张CD的选曲和编排，非常巧妙地照顾到了像我这样，渴望系统了解这位“马派”宗师艺术脉络的听众。它没有一上来就堆砌那些最耳熟能详的“大热门”，而是用一种更像是艺术家自我梳理的顺序，将不同时期的代表作穿插在一起。听下来，能清晰地感受到马先生艺术风格的演变过程，从早年可能还略带青涩的、更贴近传统路子的唱法，到后来形成那种大气磅礴、结构严谨的“马派”特色，层次感非常分明。对于想深入了解“马派艺术”如何从理论走向实践的爱好者来说，这套专辑提供的语境和现场感，比单纯的文本学习要直接有效得多。

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这套“菊坛精典京剧大师马连良演唱艺术特辑·肆老唱片系列(CD)”的音质简直是让人耳目一新！我收藏了不少老京剧唱片，很多老录音的通病就是高音刺耳，低音模糊，听久了耳朵受罪。但这张特辑的修复工作做得太出色了，仿佛一下子把时间倒流到了录音的那个年代，但又剔除了所有令人不妙的杂音和底噪。特别是马先生的“老生腔”，那种醇厚、圆润，带着岁月沉淀下来的磁性，在新的载体上焕发出了惊人的生命力。听着他演绎的《借东风》里那份从容不迫的儒雅，或者《失街亭》里那种胸有成竹却又暗藏忧思的复杂情绪，我甚至能想象出当年舞台上他“一字一板皆是戏”的风采。这不仅仅是听戏，更像是在进行一场跨越时空的对话，感受大师炉火纯青的艺术造诣是如何被忠实地保存下来的。对于真正热爱京剧艺术，并且对音质有要求的戏迷来说，这简直是一次无与伦比的听觉盛宴，完全值得珍藏。

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