珞珈艺术评论(第1辑)

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出版者:武汉出版
作者:彭万荣
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:
价格:22.00元
装帧:
isbn号码:9787543031791
丛书系列:
图书标签:
  • 把欢笑留住
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具体描述

目录

古典戏曲

意象的摄取与教义的张扬

——宗教与戏曲的表层结构

全球背景下的中华戏曲文化学

中国偶戏考述

“汤沈之争”若干材料考辨

话剧

论田汉的话剧创作

论十七年戏剧的政治化问题

文化时代、文化生态与戏剧的发展

梁启超新史学启蒙精神与近代史剧编撰的现代性

男权语境下女性突围的悲歌

——以曹禺的《雷雨》为例

正是春花烂漫时

——漫谈校园戏剧

文艺学

试论艺术作为人文学科的人文价值

对文艺活动体制化的三重批判

建构非在场的陌生化世界

——由胡塞尔到萨特、海德格尔

音乐

中国古代音乐文物的一次空前发现与研究

肖邦“夜曲”音乐形态的几点梳理

论欧阳修的礼乐观与《新唐书·礼乐志》的纂修

音乐如何表达真理

电影

无望的渴望

——论台湾导演蔡明亮电影中的水意象

论洪深的电影编剧艺术

无间道上的行走

绘画艺术

生命的痕迹及其隐喻

——对刘一原水墨艺术的整体分析

死亡的诞生

域外文谭

张艺谋模式

——以《大红灯笼高高挂》为个案

明代宫廷与戏剧

戏剧观众和表演读解

书评

《中外悲剧史论》丛书总序

研究生论坛

戏剧本体论的基本内涵和提问方式

论谭霈生对于戏剧情境说的新发展

隐藏在笑声背后的残酷

——《喜剧之王》的深层意义与结构分析

《大雷雨》和《原野》中的“恶婆婆”形象透视

元代文人心态的三棱镜

——对元杂剧中“吏”形象的具象解读

好的,这是一份关于《珞珈艺术评论(第1辑)》的图书简介,内容详实,专注于介绍该辑收录的文章和研究方向,不包含任何对原始书籍内容的引用或模仿,力求自然流畅。 --- 探索思想的疆域:当代艺术批评与理论前沿 一本洞察时代脉搏的学术力作 《珞珈艺术评论(第1辑)》汇集了国内顶尖艺术史学、美学和艺术批评领域学者的最新研究成果,是一部极具前瞻性和思辨深度的学术辑刊。本辑选文聚焦于全球化背景下艺术生态的复杂变迁、新兴媒介对传统美学范式的冲击,以及中国当代艺术在世界语境中的主体性构建等核心议题。它不仅是对既有理论体系的梳理与反思,更是对未来艺术思潮的积极探索与预判。 本辑的编纂,旨在搭建一个高标准的跨学科对话平台,鼓励严肃的、扎根于历史语境与现实问题的学术探讨。我们相信,真正的艺术批评,必须具备穿透现象、直抵本质的力量。 --- 核心专题聚焦:数字时代的媒介革命与审美重构 本辑的开篇,集中探讨了信息技术革命对艺术本体论带来的深刻挑战。随着数字技术日益渗透艺术创作和传播的各个层面,传统的“原作”概念、作者中心主义乃至观众的参与方式都面临重塑。 (一)数字本体论的边界探寻: 多篇文章深入剖析了人工智能生成艺术(AIGC)在版权归属、创造力定义以及审美体验上的伦理困境与哲学意涵。研究者们并未止步于现象描述,而是尝试构建新的理论框架,用以界定“非人主体”的艺术生产行为。例如,有论著详细考察了算法美学在图像生成中的“黑箱”运作逻辑,并将其置于后结构主义的符号学分析体系中进行审视。这部分内容对于理解当代艺术的“非物质化”趋势至关重要。 (二)虚拟现实(VR/AR)中的身体经验重构: 虚拟空间不再仅仅是艺术展示的辅助工具,而是成为新的创作场域。本辑收录的几篇重点文章,详细分析了沉浸式艺术装置如何调动和改变观众的身体感知。评论者们关注焦点从视觉转向了触觉、空间感和在场感,探讨了在虚拟的“在场”中,主体性如何通过技术中介得以重建或消解。这为媒介考古学和现象学美学提供了新的研究样本。 --- 全球化视野下的文化转向与地方性表达 本辑的另一重要板块,着眼于全球艺术流动的复杂性,特别是后殖民语境下非西方艺术的自我叙事策略。 (一)“世界艺术史”的谱系批判: 多位学者对西方主导的艺术史书写模式提出了尖锐的批评。他们通过细致的个案分析,揭示了在既有的艺术史叙事中,如何系统性地边缘化了来自边缘地带的艺术实践和理论声音。本部分着重探讨了如何在建构“世界艺术史”的过程中,实现知识生产的去中心化,强调地方性知识体系的价值重估。 (二)文化身份的流动性与符号政治: 针对当代艺术中频繁出现的身份政治议题,本辑收录的研究采取了更为审慎的态度。文章拒绝将身份标签化为简单的政治口号,而是深入探讨了创作者如何在身份的复杂性中,运用符号语言进行自我编码和解码。研究者们考察了全球移民潮、跨文化交流对艺术家的主体经验产生的深远影响,以及这种影响如何体现在其作品的视觉结构和叙事策略之中。 --- 中国当代艺术的内在逻辑与历史对话 本辑对本土艺术现象的关注,立足于深厚的历史文化积淀,力图超越简单地将本土艺术“纳入”西方框架的倾向。 (一)现代性遗产的再激活: 几篇重要的历史回顾与理论梳理文章,重新审视了二十世纪中国艺术现代化进程中的关键转折点。研究者们关注早期现代主义思潮在本土的变异与适应,特别是对“写实主义”和“表现主义”等概念在中国语境下的独特阐释,旨在挖掘那些被主流叙事所忽略的、具有持续生命力的思想资源。 (二)当下创作中的“在场性”与“在岸性”: 针对当前活跃的艺术实践,评论者们提出了“在岸性”的概念,用以描述中国艺术家面对快速城市化、消费主义冲击和全球资本涌入时,所采取的抵抗与对话姿态。文章分析了当代绘画、雕塑以及空间艺术中,如何通过材料的选择、尺度的处理和对特定场域的介入,重新锚定艺术的社会责任和精神深度。这部分内容对于理解中国当代艺术的内在张力极具启发性。 --- 美学理论的回归:对感觉与阐释的深度挖掘 在理论思潮转向的背景下,本辑并未放弃对美学核心问题的关注,而是以更新的视角重返感觉、阐释与价值判断。 (一)感官转向与审美经验的细微化: 本辑收录的几篇美学专论,从尼采、德勒兹等哲学家的感官理论出发,结合当代艺术作品的体验特点,探讨了“感觉的政治学”。重点讨论了在注意力稀缺的时代,艺术如何重新激活被麻痹的感官系统,并试图建立一种关注体验“强度”而非“信息量”的审美评价标准。 (二)阐释的伦理与批评家的责任: 面对信息爆炸和碎片化的解读环境,本辑的评论家们反思了批评实践的伦理困境。他们探讨了批评如何避免沦为市场推手的工具,以及如何在尊重艺术家意图与保持自身学术独立性之间找到平衡点。文章强调,有效的艺术批评必须具备严谨的方法论基础和清晰的价值立场,才能有效地引导公众对艺术作品进行有深度的、负责任的阐释。 --- 《珞珈艺术评论(第1辑)》的出版,标志着一次严肃、全面、多维度的学术尝试。它不仅是艺术研究领域的一份重要文献,更是对所有关心艺术、思索文化未来走向的学人的一份诚挚邀请函——邀请大家共同参与到这场意义深远的智识对话之中。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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我是一个对艺术史脉络非常敏感的读者,通常市面上很多评论集要么过于注重理论的堆砌,要么流于表面现象的浮夸赞美。然而,《珞珈艺术评论(第1辑)》这本书给我带来的体验是——扎实而充满激情。我特别喜欢其中讨论媒介转换的几篇文章,它们没有陷入传统媒体衰落的悲观论调,而是深入探讨了新媒体艺术如何重塑了观众的主体性。作者们对技术与美学的交织点有着敏锐的洞察力,使得那些晦涩难懂的数字艺术概念变得清晰可见,易于理解。行文风格上,它采用了非常鲜明的论点和有力的反驳,读起来很有节奏感,仿佛在跟随一位经验丰富的策展人进行深度导览。它不是在说教,而是在邀请你一同加入到这场关于艺术未来的思辨之中,这种互动感是我非常看重的。

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说实话,当我翻开这本书的时候,第一印象是内容极其的丰富,简直像一个艺术史的微型博物馆。我尤其欣赏它在古典艺术与当代艺术之间建立的那些意想不到的联系。比如,书中对唐代壁画中光影处理的分析,居然能引申到对欧洲巴洛克时期戏剧性光照手法的对比和批判,这种跨越时空的对话让人拍案叫绝。作者似乎拥有一种魔力,能将看似毫不相干的艺术现象串联起来,形成一个宏大的艺术图景。我花了好几天时间才读完,每次阅读都能发现新的层次。它不像有些评论集那样专注于某个狭窄的领域,而是更像一个广阔的平台,汇聚了来自不同学派、不同研究方向的优秀成果。对我个人而言,最大的收获是它挑战了我对于“什么是艺术价值”的固有认知,让我开始用更具批判性和历史纵深感的眼光去审视我日常接触的各种艺术形式。

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这本书的编辑和排版做得相当出色,使得复杂的艺术论述也能保持清晰的阅读体验,这在同类刊物中是很难得的。从内容上看,我最欣赏的是它对“审美经验”这一核心概念的重新定义。它不再将审美视为一种纯粹的、脱离社会环境的个体感受,而是将其置于社会变迁、消费文化乃至意识形态的交织网络中进行考察。其中有一篇文章关于“快餐式审美”的批判,分析得入木三分,直指当下文化消费的弊病,文字尖锐而不失学者的克制。它成功地将艺术评论从象牙塔中解放出来,让它成为一种可以介入现实、参与社会讨论的有力工具。我感觉自己仿佛上了一堂高强度的艺术社会学速成课,收获远超预期,强烈推荐给所有对艺术的本质价值抱持疑问的思考者。

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这本《珞珈艺术评论(第1辑)》真是让我眼前一亮,完全没有想到国内的艺术评论能有如此深刻和多维度的探讨。我原本以为这会是一本比较学术化、略显枯燥的理论汇编,但实际上,它更像是一场与艺术思想的精彩对话。特别是其中几篇关于当代装置艺术如何解构空间与权力关系的论文,视角非常犀利,作者不仅仅停留在对作品形式的描述,而是深入挖掘了作品背后的社会学和哲学意涵。比如,有一篇分析了城市化进程中“留白”的艺术处理,它巧妙地将中国古典美学中的虚实相生理论与现代建筑的留白空间进行了跨界对话,读起来让人忍不住停下来,回味作者的论证逻辑,感觉自己的艺术认知被极大地拓宽了。文字的驾驭能力也非常高,它既有严谨的学术支撑,又不失文学的流畅性,使得即便是初涉艺术理论的读者也能轻松跟上思路。这本书的装帧设计也很有品味,体现了出版者对“评论”本身的尊重,整体感觉非常精致和高雅。

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这本书的出版无疑是国内艺术理论界的一股清流,它打破了以往某些评论习惯的故作高深和语焉不详。我注意到它在案例选择上非常独到,没有一味追逐国际上那些已被讨论烂熟的“大师作品”,而是挖掘了许多具有本土特质和地域文化根源的艺术现象进行深入剖析。这使得整本书在具有国际视野的同时,又深深植根于我们的文化土壤之中。我读到一篇关于长江流域民间祭祀艺术符号在当代设计中转化的文章时,那种亲切感和学理上的严谨性完美结合,让我感受到了作者对本土文化的深厚情怀。这种将地方性研究提升到普世性理论高度的努力,是这本书最让我赞赏的地方。它告诉我们,真正的原创性研究,往往就隐藏在我们脚下的土地里,只是需要用一把精良的理论之钥去开启。

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