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出版者:第1版 (2005年3月1日)

作者:金丹元

出品人:

页数:427

译者:

出版时间:2005-3

价格:35.0

装帧:平装

isbn号码:9787806689097

丛书系列:

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书籍简介：穿越时空的交响——西方古典音乐的辉煌与演变 作者： [此处填写一位虚构的、但听起来权威的音乐史学家姓名，例如：亚历山大·冯·赫尔曼] 出版社： [此处填写一家虚构的、但具有文学气息的出版社名称，例如：缪斯之翼文化] --- 导言：聆听历史的回声 《穿越时空的交响——西方古典音乐的辉煌与演变》并非仅仅是一部音乐史的编年记录，它是一次深刻的文化考古之旅，旨在揭示西方古典音乐自其萌芽至鼎盛时期，如何在欧洲社会、哲学、宗教和政治的复杂图景中，雕刻出人类精神世界最精妙的结构。本书致力于剥离那些僵硬的曲目列表和枯燥的术语定义，转而深入探究伟大作曲家们在创作特定作品时所面临的时代困境、美学追求以及技术革新。我们相信，真正的音乐之美，蕴藏于其诞生的土壤及其对人类情感的永恒捕捉之中。 本书的结构并非严格依循传统的“时期划分”——如巴洛克、古典主义、浪漫主义——而是采取一种“主题驱动与风格交织”的叙事方式，旨在展示不同时代风格之间的内在连续性与张力。 --- 第一部分：根源的低语——中世纪的圣咏与早期复调的曙光（约400-1400年） 本部分将追溯西方音乐的源头，聚焦于格里高利圣咏如何确立了西方音乐的音高和调性基础。我们不会止步于简单的描述，而是深入分析圣咏的礼仪功能、它的文本驱动性以及修道院文化对音乐流传的决定性影响。 核心议题：从独唱到对话。 重点探讨巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）的音乐家，如莱奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin），如何通过引入“奥尔加农”（Organum）——最早的复调形式——打破了单音音乐的壁垒。这种技术上的突破，象征着中世纪欧洲对复杂性与和谐的初步探索，预示着个体声音的独立意识开始在集体吟唱中萌芽。 案例剖析： 《博德莱尔手稿》中的节奏模式分析，揭示早期记谱法如何试图捕捉时间的流动。 --- 第二部分：宏伟的架构师——文艺复兴的回归与人本主义的声响（约1400-1600年） 文艺复兴时期是艺术从服务神权向赞美人的转变的关键节点。本书将重点阐述“模仿”（Imitatio）手法的盛行，这不仅是作曲技巧上的对位，更是一种对古典理想的回归与致敬。 聚焦人物与流派： 深入探讨法兰德斯乐派（如若斯坎·德普雷）如何将复杂的对位技术推向成熟，使得文本（歌词）的清晰度与音乐的结构美感达到了微妙的平衡。同时，我们将考察英国的维吉纳歌手（Lutenists）及其室内乐，展示音乐如何开始从教堂和宫廷的公共场合，渗透进贵族的私人生活。 转型时刻： 探究宗教改革与反宗教改革对音乐的影响。马丁·路德的德语圣歌（Chorale）如何成为一种民主化的音乐形式，而帕莱斯特里纳（Palestrina）的弥撒曲则代表了对纯净、清晰的“第二对位”风格的巅峰追求，力图在音乐的复杂性与教义的庄严之间找到完美的平衡点。 --- 第三部分：戏剧的诞生与理性的辉光——巴洛克的激情与秩序（约1600-1750年） 巴洛克时期是音乐史上最富于情感张力和结构野心的时代。本部分将围绕“情感理论”（Doctrine of Affections）展开，分析音乐如何被视为一种能够系统地激发特定人类情感的“机械”。 歌剧的诞生与发展： 详细审视佛罗伦萨的“新艺术学会”如何试图复兴古希腊悲剧，从而催生了歌剧这一全新的综合艺术形式。从蒙特威尔第（Monteverdi）的早期作品中，我们看到“调性”和“和声”被赋予了前所未有的表达力量，特别是“不协和音”的使用，不再是错误，而是表达痛苦和冲突的必要工具。 器乐的胜利： 深入研究协奏曲（Concerto）和赋格（Fugue）的结构逻辑。巴赫（Bach）的《平均律钢琴曲集》如何系统地探索了所有大小调的可能性，不仅是演奏技巧的挑战，更是对音乐逻辑学的一次全面建构。亨德尔（Handel）的清唱剧则展示了如何利用宏大的合唱来体现民族精神和英雄叙事。 --- 第四部分：清晰、平衡与启蒙——古典主义的典范确立（约1750-1820年） 当社会开始崇尚理性、秩序与自然和谐时，音乐也随之“去巴洛克化”。古典主义的特点在于对形式的精炼、旋律的清晰化以及对“优美”（Galant Style）的追求。 奏鸣曲的黄金时代： 重点分析奏鸣曲式（Sonata Form）的构建——呈示部、发展部与再现部的戏剧性张力。海顿（Haydn）如何被称为“交响曲之父”，通过他晚期的伦敦交响曲，展示了形式的灵活性与无穷的创意；莫扎特（Mozart）则在形式的框架内，以其无与伦比的旋律天赋，注入了深刻的人性光辉与忧郁的内省。 情感的解放前夜： 贝多芬（Beethoven）的早期和中期作品被视为古典主义的终极体现，但他对传统形式的拓展——特别是对发展部的延长和对调性冲突的激化——已然预示着一场浪漫主义的风暴即将来临。本书将分析《第三交响曲“英雄”》中蕴含的个体意志对抗宿命的哲学深度。 --- 第五部分：情感的无限疆域——浪漫主义的激情与个人主义（约1820-1900年） 浪漫主义音乐是音乐史上最以“自我”为中心的一个阶段。作曲家们不再满足于社会规范下的美，而是深入探索梦境、神话、异域风情以及无法言喻的深层情感。 艺术歌曲与叙事： 艺术歌曲（Lied）的兴盛标志着音乐对诗歌文本的忠诚达到了新的高度。舒伯特（Schubert）和舒曼（Schumann）如何通过钢琴伴奏的“织体”来描绘风景和心理状态。 管弦乐的史诗化： 乐团规模空前扩大，作曲家们开始运用更丰富的和声色彩和更复杂的配器技术来描绘宏大的情感图景。柏辽兹（Berlioz）的“意念交响曲”对“固定音型”（idée fixe）的运用，标志着音乐叙事开始摆脱严格的结构束缚。 晚期浪漫主义的焦虑： 探讨瓦格纳（Wagner）的“主导动机”（Leitmotif）如何彻底颠覆了歌剧的结构，以及他如何试图通过“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）来创造一个完全沉浸式的审美体验。同时，对勃拉姆斯（Brahms）“绝对音乐”的坚守与马勒（Mahler）对现代人精神困境的宏大审视，构成了浪漫主义黄昏时期的两大对立焦点。 --- 结语：永恒的对话 《穿越时空的交响》旨在提供一个全面而富有洞察力的视角，理解西方古典音乐如何从单一的宗教吟唱，演变为能够承载人类全部情感经验和哲学思辨的宏伟体系。它是一本献给所有渴望超越聆听，而真正“理解”音乐结构、历史语境与情感共鸣的读者的指南。它不教你如何演奏，但它将教会你如何倾听。

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这部《电视与审美》读完，心中五味杂陈，说实话，它给我的冲击是比较大的，但绝不是那种拍案叫绝的震撼，更多的是一种探索的疲惫感。我本来是抱着一种期待，希望能在这本书里找到一些清晰的脉络，关于我们如何看待电视屏幕上那些流动的影像，以及这些影像如何塑造了我们对“美”的认知。然而，书里的论述，很多时候显得过于学究气，像是作者在自己的象牙塔里搭建起了一套复杂的理论体系，然后努力地将电视现象往里套。比如，关于“媒介模仿论”的那几章，虽然引用了大量的经典理论，但读起来总觉得有些生硬，缺乏与当下观众体验的有效连接。我尝试着去理解作者试图构建的那个“审美场域”，但总感觉它离我日常打开电视或流媒体平台时所感受到的那种直观的、甚至有些粗粝的愉悦或厌恶太远了。它更像是一份缜密的学术报告，而非一本能引导普通读者重新审视屏幕的指南。我更希望看到的是，作者能放下身段，用更具穿透力的笔触，剖开那些我们习以为常的镜头语言背后的权力结构，而不是仅仅停留在对风格形式的符号学解读上。整体而言，它更像是一把精密但略显冰冷的解剖刀，而非一面能映照出我们自身欲望的镜子。

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这本书的阅读体验，坦白讲，有些像是在迷宫里绕圈子。我是在一个周末的下午开始读的，初衷是想对电视这门大众艺术有一个更深刻的理解，特别是关于那些视觉冲击力极强的叙事手法。作者似乎对欧洲先锋派电影和早期电视实验有着独到的见解，这一点在某些章节中确实展现了深厚的功底。但是，当内容转向当代大众文化，尤其是那些充斥着快餐式娱乐的真人秀或网络短剧时，笔锋就显得有些力不从中了。我感觉作者对“流行”抱有一种审视甚至轻蔑的态度，这使得他对这些现象的分析流于表面，仅仅停留在批判的层面，却未能深入挖掘其存在的社会土壤和观众的集体心理需求。对我来说，审美从来不是高高在上的一成不变的规范，它必然与社会情绪、技术迭代紧密缠绕。这本书的结构似乎在“高雅艺术”和“通俗文化”之间架起了一道鸿沟，对后者缺乏足够的同理心去进行建设性的解读。翻到最后，我似乎只抓住了一些零散的观点，缺乏一个贯穿始终的、令人信服的论点来统摄全局，读完后更多的是知识点的堆砌感，而非思想的升华。

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《电视与审美》这本书，给我的总体印象是“用力过猛”但“着力点偏差”。作者在试图构建一个宏大的审美哲学体系时，似乎忽略了电视媒介本身那种即时性、碎片化和强烈的商业驱动力。我感觉作者对电视的审视，带有强烈的理想主义色彩，总是在探寻它“应该是什么样子”，而不是冷静分析它“正在发生什么”。书中对于诸多经典影视案例的引用，也常常是为了印证某个抽象的理论框架，而非真正深入到案例本身的情感张力或视觉创新点。举个例子，作者分析某个经典的电视剧片段时，花费了大量篇幅去解构其空间布局的哲学意义，却对该场景之所以感人或震撼的表演细节和剪辑张力轻描淡写。这种分析路径，使得书中的论述显得有些“失重”，少了脚踏实地的观察，多了空中楼阁般的推演。读完后，我反而对电视的“实用美学”——即那些让数亿观众愿意每天打开屏幕的真正魔力——感到更加困惑，而不是豁然开朗。

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我必须承认，在阅读《电视与审美》的过程中，我好几次都差点合上书本。它的语言风格极其晦涩，很多句子都带着典型的“学术腔调”，仿佛每一个词汇都要经过层层过滤才能出现。我承认，理解复杂概念是需要付出努力的，但我更看重的是知识的有效传递。在这本书里，信息的密度和表达的清晰度之间似乎存在着巨大的失衡。比如，书中反复引用的“镜像反射原理”或者“时间性凝视”这类术语，作者并没有用生动的例子来加以佐证，导致我需要反复阅读同一段落，才能勉强拼凑出作者想表达的意思。这无疑极大地削弱了阅读的乐趣和效率。对于一个期待从书中获得对电视美学更直观认识的普通读者来说，这本书更像是一本需要字典辅助的专业教材。它似乎更侧重于向同行展示作者的理论建构能力，而不是努力地向公众普及和阐释“电视审美”这个宏大议题。因此，尽管内容可能包含了某些前沿的思辨，但这种阅读上的“门槛”着实让人望而却步。

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坦白说，这本书让我对“电视”作为一种媒介的探讨，产生了某种方向上的迷失感。我原以为它会聚焦于视觉构成、叙事节奏、色彩运用这些更偏向于“技术审美”的层面，毕竟电视的生命力很大程度上在于它的影像语言。然而，本书的大部分篇幅似乎被抽离到了社会学和符号学的深层结构中去挖掘，探讨的更多是权力、意识形态以及媒介对现实的建构。这些议题固然重要，但它们似乎已经超越了“审美”这个核心范畴，更像是关于“电视与社会权力”的研究报告。当你期待一场关于光影和构图的深度对话时，却得到了一篇关于资本运作和大众控制的论文，那种期待落差是相当明显的。此外，书中对于技术革新，比如高清化、沉浸式体验对审美的影响着墨太少，仿佛电视在作者眼中是一个停滞不动的对象，这在今天这个媒介飞速迭代的时代，显得尤为保守和脱节。

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#第一遍#第二遍

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没意见，也没感觉。内容一般，结构也比较懒散。

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大师写书都不用句号的吗？？？？读着太费劲了

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没意见，也没感觉。内容一般，结构也比较懒散。